SOBRAN LAS PALABRAS: GANDOLFINI RETURNS

Cómo se rompe la unión entre dos personas y cómo no volver a repetir lo mismo. Una película donde la presencia del gran James Gandolfini recientemente desaparecido y su gran humanidad hipnotiza y sobresale en todos los sentidos. Una reflexión sobre proteger el amor de empezar a ver solamente los defectos agrandados del otro, de autocensurarse continuamente, de alimentar la ruptura envenenándola.

                   James Gandolfini y Julia Louis-Dreyfus

Comedia sentimental de Nicole Holofcener, que ya ha visitado la soledad y las segundas relaciones adultas en “Walking and Talking” (1995) y “Amigos con dinero” (2006), cuenta ahora la historia de Eva (Julia Louis-Dreyfus), una madre divorciada, que pasa los días disfrutando de su trabajo como masajista aunque temiendo la inminente partida de su hija a la Universidad. Eva conoce a Albert (James Gandolfini en su penúltimo papel), un hombre dulce, divertido y afín a ella, que también tiene que lidiar con una hija y su divorcio. Mientras su idilio florece rápidamente, Eva hace amistad con Marianne (Catherine Keener), su nueva clienta. Marianne es una bella poetisa que parece “casi perfecta” salvo por una destacada cualidad: no deja de sacar faltas a su ex marido. De repente, Eva empieza a albergar dudas acerca de su propia relación con Albert cuando conoce la verdad sobre el ex esposo de Marianne.

Una reflexión sobre el aprendizaje del amor y de sus habilidades amatorias a todos los niveles.  

Sencillez de conversaciones, con un guión sutil que parece intrascendente pero no lo es, lleno de humor y momentos románticos logradísimos, y sobre todo unas grandes interpretaciones con Gandolfini y Louis-Dreyfus de protagonistas. Consiguen magnificar lo normal y corriente.

María Molina



SOBRAN LAS PALABRAS***
Título original: Enough said. Dirección y guion: Nicole Holofcener. Interpretación: Julia Louis-Dreyfus (Eva), James Gandolfini (Albert), Catherine Keener (Marianne), Toni Collette (Sarah), Ben Falcone (Will). Producción: Stefania Azpiazu y Anthony Bregman. Música: Marcelo Zarvos. Fotografía: Xavier Pérez Grobet. Montaje: Robert Frazen. Diseño de producción: Keith P. Cunningham. Vestuario: Leah Katznelson. Distribuidora: Hispano Foxfilm. Estreno en USA: 11 Octubre 2013. Estreno en España: 20 Diciembre 2013. País: EE.UU. Año: 2013. Duración: 93 min. Género: Comedia Público: Adultos.

CINE DE INVIERNO (I): BLUE JASMINE

Esta vez Woody Allen, el más canalla storyteller con cámara en mano, hace un retrato certero de esposa de multimillonario y experto financiero que parece la transposición de Bernard Madoff. Una mujer narcisista, desmadejada y continuamente de los nervios, que habla sola y que hace como que no se entera como maniobra de evasión vital: ésta es Jasmine (espléndida Cate Blanchet con todos sus registros, que acaba de ganar el Globo de Oro como Mejor Actriz en los Golden Globe Awards).

Jasmine, una mujer rica y glamourosa de la alta sociedad neoyorquina, se encuentra de repente sin dinero y sin casa. Decide entonces mudarse a San Francisco a vivir con su hermana Ginger, una mujer de clase trabajadora que vive con su novio en un pequeño apartamento. Jasmine, que atraviesa el momento más crítico de su vida, está desquiciada y se dedica a tomar antidepresivos y a recordar su antigua vida en Manhattan, en un juego de contrastes que va del ambiente “cheli pero honrado” al sofisticado y vergonzoso despilfarro del dinero como sistema de vida o la mentira como máscara habitual.

    

   Jasmine con su hermana Ginger y sus amigos por las calles de San Francisco

Si en Match Point Woody Allen analiza la “suerte” del mentiroso que sale airoso de adulterio y asesinato, aquí se recrea en un retrato femenino de la mujer del multimillonario estafador a quien engañaba con mujeres y en los negocios, y  “que pasaba por allí”.

                       

                           Cate Blanchet como Jasmine

Un retrato donde el guión es piedra angular, lleno de humor y gags –como todos los de Woody Allen- y también de maestría al contar la historia con flashbacks continuos que aceleran la clave interpretativa de lo que pasa realmente. Magnífica fotografía de Aguirresarobe. Quizá dos mundos como clichés contrapuestos, servidos al estilo cínico del genio de Manhattan, pero donde sobresale la interpretación histriónica e indefensa de Cate Blanchet.

Y por cierto algunos de los premios ya conseguidos anuncian la antesala del Oscar, como el premio que le ha otorgado el Festival de Santa Bárbara (California, EEUU). Aunque no es de las redondas y preclaras películas del gran Woody Allen.

María Molina

BLUE JASMINE***

Título original: Blue Jasmine. Director: Woody Allen. Guión: Woody Allen. Intérpretes: Cate Blanchett, Alec Baldwin, Sally Hawkins, Bobby Cannavale, Peter Sarsgaard,Louis C.K., Michael Stuhlbarg, Andrew Dice Clay, Max Casella, Tammy Blanchard, Alden Ehrenreich. Fotografía: Javier Aguirresarobe. Productora: Sony Pictures / Gravier Productions / Perdido Productions. País EE.UU. Año: 2013.Duración: 93 min. Género: Drama. Comedia. 

UNA VIDA SENCILLA (TAO JIEN)

Una vida sencilla también es una película sencilla, pero muy humana, tierna y conmovedora. Una historia real, rodada al estilo documental pero con una calidez especial, rodada con actores profesionales y no profesionales. Trata sobre la relación de toda una vida entre Roger (Andy Lau), un productor de cine de mediana edad de Hong Kong, y Ah Tao (Deani Ip), la sirvienta que se ha ocupado de cuidar a Roger desde que era un niño y que ha servido a su familia como amah durante más de 60 años, aunque ahora viven casi todos en Estados Unidos. 

Un día al volver del trabajo, Roger descubre que Ah Tao ha sufrido un derrame cerebral. La lleva sin tardar al hospital, donde ésta anuncia que quiere dejar su trabajo y marcharse a una residencia de ancianos. Allí sigue desplegando su bondad y atención con todos, y allí irá a visitarla Roger, que ante los demás es “su yerno”, o ella “su tía”, porque resulta inusual el trato y el cuidado que se tienen.

Cuando a Ah Tao le llega la hora de jubilarse y sin ningún familiar que pueda hacerse cargo de ella, Roger decide que es el momento de devolver tantos años de servicio y se vuelca en ella como si se tratara de su propia madre. Buscará diferentes opciones hasta encontrar una habitación en un centro dirigido por un viejo amigo. La meterá en su vida haciéndole partícipe de los estrenos de sus películas, de sus amistades, etc. Al dedicar cada vez más tiempo y atención a las necesidades y antojos de Ah Tao, Roger descubre todo lo que ella significa para él.

                     Andy Lau y Deani Ip en Una vida sencilla 

Una vida sencilla ha recibido múltiples premios: en la edición de 2011 del Festival de Venecia: la Copa Volpi a la Mejor actriz; Mejor Películo y Mejor Actriz en el Hong Kong Film Critics, Mejor Actriz en Asian Film Awards, Mejor Actor, Mejor Actriz y Mejor Director en el Golden Horse y Premio del Público en el Cines del Sur. Una historia deliciosa sobre amor, dedicación y gratitud.

María Molina

UNA VIDA SENCILLA****

Título original: Tao Jie/A simple life. Director: Ann Hui. Guión: Susan Chan. Intérpretes: Andy Lau, Deani Ip, Anthony Wong. Productores: Roger Lee, Ann Hui, Chen Pui Wah, Zhang Hao, Sze Yeung Ping. ISAAN Enterteinment. Director de fotografía: Yu Lik Wai. Música: Law Wing Fai. País: China (Hong Kong). Año: 2012. Duración: 118 min. Todos los públicos.

UN CERDO EN GAZA****

Jafar (Sasson Gabay, La banda nos visita, 2007), es un pescador palestino de Gaza, que encuentra un cerdo después de una tempestad en sus redes, probablemente caído de un carguero. Como buen musulmán, se propone librarse rápidamente de ese animal impuro y, dada su penosa situación económica, decide venderlo o ejecutarlo. Esta operación pondrá de manifiesto la precariedad en la que vive la población de Gaza, atrapada entre el bloqueo de Israel y de los islamistas que controlan la zona. Jafar comienza así una inverosímil aventura en su intento por intercambiar el animal sin ser descubierto por sus vecinos y familiares.

Sasson Galay, actor de origen iraquí, encarna un personaje tan tierno y delicioso que sólo él genera las situaciones más inverosímiles y llenas de humor. Una historia que, desde un punto de vista cómico, refleja  la complicada y delicada situación del pueblo de Gaza, atrapado entre los soldados israelitas y los yihadistas. Un lugar en el que sólo existe la pobreza y donde Jafaar está dispuesto a hacer todo lo posible por sobrevivir.

Sylvain Estibal, periodista francés convertido en cineasta, es ganador  del Premio del Público en el Festival de Tokio 2011 y el César 2012 al Mejor Primer Film. En esta ocasión escribe y dirige éste histriónico y honesto film del que se le ocurrió la idea al ver en Montevideo, la ciudad donde nació, grandes barcos cargados de ganado ovino. Recuerda con bastante buen humor cuando se imaginó que, en lugar de ovejas, viajaran cerdos y el olor que irían dejando a su paso, asociando su idea al conflicto político entre Israel y Palestina que sufre la población local.

Finalmente Jafaar comienza a hacer negocios clandestinos con una colona rusa-judía, Yelena, que cría a los cerdos no por su carne, sino por razones de seguridad y que sólo está interesada en el esperma del susodicho para tener más ganado con el que automantenerse. Jafaar andará todo el día sufriendo para pasar desapercibido como puede en compañía de este animal “prohibido” entre palestinos, los soldados israelíes y la amenaza de los fundamentalistas islámicos, pasando verdaderas desventuras llenas de humor, a veces negro y cruel.

Un cerdo en Gaza refleja las dificultades políticas y complejos problemas que experimentan ciudadanos anónimos como Jafaar en su día a día, condicionados constantemente por el bloqueo israelí, obligados a convivir con militares instalados en sus casas, evitando el contacto con los judíos y lidiando con las exigencias de los islamistas que controlan la zona. A través de la historia de Jafaar, Estibal, ofrece una visión fresca y humanista de ambos lados del conflicto en la que tanto los colonos judíos como los ciudadanos palestinos e incluso los soldados israelíes se muestran como personajes amables, llenos de rasgos y debilidades humanas (resulta especialmente tierna la relación establecida entre la mujer de Jafaar, Fátima, y uno de los soldados que acampa en su azotea, y que se sienta con ella a ver telenovelas brasileñas).

                  Sasson Galay (Jafaar) en una escena memorable

Una película sobre la añoranza de paz y convivencia a través de la absurda historia de encontrarse con un cerdo en Gaza. Una idea recogida en las palabras que el soldado dirige a Fátima comentando la telenovela: “Al final, dejan de discutir y acaban juntos. Si eso funciona en Brasil, ¿por qué no podemos hacerlo nosotros?”.

María Molina

UN CERDO EN GAZA

Título original: Le cochon de Gaza (When Pigs Have Wings). Director: Sylvain Estibal. Guión: Sylvain Estibal. Intérpretes: Sasson Gabay, Baya Belal, Myriam Tekaia, Ulrich Tukur,  Gasson Abbas. Producción: Coproducción Francia-Bélgica-Alemania; Marilyn Productions / StudioCanal / Saga Films / Rhamsa Productions / Barry Films. Fotografía. Romain Winding. Música: Aqualactica, Boogie Balagan. Duración: 93 min. 2011. Género: Comedia. Conflicto árabe-israelí. Público: Adultos.

STOCKHOLM****

En Stockholm, Rodrigo Sorogoyen cuenta una historia de chico (simpático, insistente, ocurrente) que encuentra chica (hermética, intensa) en las calles de Madrid. Un relato generacional e hiperrealista. Pero Stockholm puede situarse junto a los mejores estrenos del año de un joven director (antes había codirigido 8 citas) que ha realizado una película de una factura impecable, con un guión construido con inteligencia, en el que la atención no decae nunca, unos personajes construidos a conciencia, consigue un duelo interpretativo casi perfecto y una (dolorosa) coherencia para terminar la historia no según lo esperado.

La dirección de actores es magnífica: consigue que Aura Garrido, sobre todo, pero también Javier Pereira se luzcan a su modo. Sorprende la estilizada elegancia en la construcción del espacio, en los movimientos de cámara, en la fotografía tanto nocturna como diurna, en la cadencia del tiempo. Presentada en la sección oficial del XVI Festival de Cine de Málaga, ha ganado Biznaga de Plata al mejor Director, Biznaga de Plata a la Mejor Actriz, Biznaga de Plata al Mejor Guionista Novel “Premio Alma”, y se ha presentado en el Montreal World Film Festival y en el Warsaw Film Festival. Su director Rodrigo Sorogoyen, es también co-director de series como La Pecera de Eva o Frágiles. Stockholm es una cinta donde solo hay dos personas. Ella y él. Dos chicos diferentes que actúan por impulso. Él está enamorado de ella. Ella no lo está de él. ¿Que tiene que hacer el chico para ganársela  Ser su esclavo, andar desnudo por la calle. Quizás así tenga una oportunidad...

                         Aura Garrido y Javier Pereira

Stockholm se presenta como un romance, pero también es un agudísimo análisis de las relaciones interpersonales. Una historia sobre el intento de besar a una guapísima chica, interpretada de forma brillante por Aura Garrido, su actuación y su belleza algo gélida forman en conjunto una atracción que invade al espectador dejándolo pegado a la butaca. Javier Pereira le da la réplica adecuada.Y parece que va a ser una historia diferente, consistente, única.

En Stockholm la pantalla es una pared y la pared es un espejo. Los protagonistas se han sentado en un sofá a beber un gin tonic y juegan al tira y afloja de las primeras citas en un plano fijo. La secuencia, de tempo espeso y textura turbadora, nos interpela porque nos vemos reflejados. Hace un año Sorogoyen, al frente de su productora Caballo Films (montada con sus amigos Borja Soler, Eduardo Villanueva y Alberto del Campo para “hacer de una vez la película que nos apetecía hacer”), puso su casa al servicio de un rodaje. Como el crowdfunding que les permitió alcanzar los 60.000 euros –14.000 fueron conseguidos en el portal de financiación colectiva Verkami gracias a 220 mecenas– que necesitaban para hacer Stockholm, como la capitalización de sueldos de todo el equipo, como el pase casero en el salón, en el sofá en el que se rodó la película. Pero no es éste el único juego de espejos. Afirma el director: “es una peli de dos mitades, de dos géneros”, de dos actitudes, de dos respuestas y de dos preguntas sin respuesta.

Parecía sin más una historia romántica tradicional pero acotada en esa generación de jóvenes entre los 25 y los 40, efímera y caprichosa, de amores inconsistentes, que mira con miedo al verdadero amor, y que encuentran el amor un sábado sí y otro también en cualquier garito de Malasaña, esos amantes de un amor desechable que el martes con suerte miran con recelo al que hace dos días les parecía el hombre o la mujer de sus vidas. Una mirada realista, pero irónica y cínica. Es ésa la generación caprichosa del personaje al que da vida Javier Pereira (Tu vida en 65'), un treintañero sin nombre, uno de esos tíos que ven a alguien una noche en una fiesta y a las bravas aseguran que se han enamorado perdidamente de la chica. Es ésa también la generación de ella (Aura Garrido, El cuerpo),  la chica que no cree en las declaraciones de amor express pero a la que seguramente al final de la noche consigas llevarte a tu casa a base de ingenio y constancia. Las referencias a Antes del amanecer y  parecidas, o la trilogía de Richard Linklater sobre el amor de pareja, sobrevuelan en toda la película.

Sorogoyen lo ha dicho: “Lo que más me gusta de la película es ese microcosmos que vivimos muchas noches los de nuestra generación y del que no se hacen películas, o si se hacen, son fantasiosas o edulcoradas”, la generación del mañana será otro día también aplicado al amor y a las relaciones.

De repente, sobreviene la segunda mitad: los personajes se rompen. Por la mañana son otros, son ellos mismos pero la realidad que los rodea los ha transformado –y aquí es cuando se revela el talento inmenso de los intérpretes, capaces de ser varios personajes dentro de uno solo–. Y viene el thriller blanco, frío, y todo sucede y golpea a la luz de la mañana, y todo recuerda también a Hanecke. Una película que impresiona y toca adentro.

STOCKHOLM*****

Título original: Stockholm. Director: Rodrigo Sorogoyen. Guión: Isabel Peña, Rodrigo Sorogoyen. Intérpretes: Javier Pereira, Aura Garrido, Jesús Caba. Fotografía: Alejandro de Pablo. Fecha de estreno: 08-11-2013. Duración: 93 min. País: España Año: 2013

María Molina

EL SER CREATIVO

Madrid acogerá los próximos 7, 8 y 9 de noviembre la IV edición del Congreso de Mentes Brillantes. Se trata de un encuentro del saber  y la creatividad, que reunirá un año más a los 21 cerebros mundiales para defender en 21 minutos, tiempo estimado que el cerebro presta la máxima atención, sus mejores ideas sobre diversos temas que afectan a la Humanidad.

Durante tres días, la IV Edición del Congreso de Mentes Brillantes reunirá en el Teatro Price de Madrid a 21 destacados expertos nacionales e internacionales para compartir las últimas tendencias sobre ciencia, sostenibilidad, creatividad, genética, salud, biología, alimentación, educación, deporte, futuro… 

El Congreso abrirá con un bloque temático titulado: “Los secretos de la nueva educación” que contará con la presencia de Toni Segarra (Desaprender), Vicepresidente creativo de *S, C, P, F, considerado uno de los mejores creativos publicitarios del mundo, Fernando Savater (Educación en defensa propia), uno de los filósofos más influyentes del mundo, José Antonio Marina (Neurociencia educativa), probablemente el pensador más conocido, Jorge Ruiz cantante de Maldita Nerea (El adolescente tranquilo), logopeda, cantante y compositor y Fernando Trías de Bes (Sin creatividad no hay innovación), reconocido escritor y economista español, especializado en marketing, creatividad e innovación. Tras las ponencias, los cinco expertos debatirán sobre: “La necesaria educación del futuro”.

 “Ideas para cambiar el mundo” es el segundo boque temático para esta nueva edición que propone iniciativas transformadoras contadas en primera persona por sus protagonistas: Javier Cacho (Pisadas sobre la nieve), miembro de la Primera Expedición Científica Española a la Antártida, Robert Gupta (La música es medicina),  violinista de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles quien asegura que la música cura, Mario Alonso Puig (Lo mejor de nosotros), médico, científico y experto en el comportamiento humano, Dr. Manuel Elkin Patarroyo (Lo más grandioso es salvar una vida), creador de la vacuna contra la malaria, Pablo Iraburu, fundador y CEO de Arena Comunicación Audiovisual, productor de Pura Vida/The Ridge, Parag Gupta (La basura de una persona es el tesoro de otra), fundador de Waste Ventures, que ha revolucionado el sistema de recogida de basura en la India, Yoani Sánchez, periodista cubana crítica con la realidad de su país y Carlos Rebate, responsable de estrategia BPO en Indra y autor de La rueda mágica de la realidad (Cómo transformar un día normal en un acontecimiento extraordinario). Tras la charlas, se organizará un debate liderado por Borja Prieto, director para España y Latinoamérica de MyMajorCompany, una plataforma de "crowdfunding" recientemente lanzada por PRISA Radio en España.

El tercer bloque para esta cuarta edición: “El futuro empieza hoy” acogerá a George Church (Reviviendo un Neandertal), padre de la biología sintética quien actualmente trabaja en traer al mundo al primer bebé neandertal, Evan Henshaw-Plath (La historia secreta de Twitter), uno de los desarrolladores de Twitter, Javier Sirvent (El presente fue Ciencia Ficción) Técnico y Tecnólogo en la investigación de nuevos servicios y aplicaciones con más de 15 años de experiencia en el área de Wireless Devices y Steve Wozniak (iFuture), cofundador, junto a Steve Jobs, de Apple y creador del primer PC.

El deporte también tendrá cabida en la IV edición del Congreso de Mentes Brillantes. Así, Patricia Ramírez (Futbolistas o princesas),  Psicóloga deportiva y autora del libro top ventas Entrénate para la vida, Teresa Perales (Superación), nadadora paralímpica española, ganadora de 22 medallas paralímpicas, ex política y escritora,  Ana Muñoz Merino, directora de la Agencia Estatal Antidopaje (La salud en el deporte) y el Dr. Andy Miah, Director del Instituto de Futuros Creativos (Avances Biomédicos para la mejora humana) serán los protagonistas del bloque “Las dos caras del deporte”. Tras las ponencias, los expertos participarán en un debate dirigido por Michael John Robinson, director y presentador del INFORME ROBINSON, espacio mensual de CANAL+ que muestra el lado más humano del deporte, y que cuenta con numerosos reconocimientos como el Premio Ondas 2009.

Como cierre, el Congreso presentará el bloque temático que lleva el nombre de la empresa organizadora del Congreso de Mentes Brillantes: “El Ser Creativo”, que contará con David J. Peterson (Juego de Tronos), creador del lenguaje Dorthraki de la conocida serie que emite en España CANAL+, Javier Mariscal (Creatividad aplicada), diseñador, ilustrador y pintor, conocido popularmente por crear al personaje Cobi, mascota de los Juegos Olímpicos Barcelona 92 y Steve McCurry: (Untold, la historia detrás de las fotografías), fotoperiodista estadounidense, mundialmente conocido por ser el autor de la fotografía “La niña afgana” publicada en la revista National Geographic, liderarán este último bloque que finalizará con el debate titulado: “Potencia tu creatividad". 

creatividad" creatividad”. 

METRO MANILA, DE SEAN ELLIS

El director británico Sean Ellis aborda el tema de la fatalidad, la ingenuidad y el autosacrificio de un hombre para salvar a su familia de la miseria en su última producción 'Metro Manila', Premio del Público en Sundance Film Festival 2013, y candidata al Óscar a la mejor película de habla no inglesa. El contexto de la historia es la migración de una familia desde el medio rural y del cultivo del arroz hasta la gran capital filipina, superpoblada y asfixiante.

Ellis, ha presentado este pasado miércoles su largometraje en la Sección Oficial de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci), en cuya sección oficial compite por la Espiga de Oro, explicando en su comparecencia ante los medios que el germen de la historia nace de una vivencia personal durante unas vacaciones en Filipinas en el año 2007.

Óscar Ramírez y su familia dejan los campos de arroz del Norte de Filipinas para mudarse a la ciudad de Manila y su peligroso cinturón metropolitano. Allí, Oscar cree tener un golpe de suerte cuando le ofrecen un trabajo estable en una compañía de camiones blindados, pero se trata de un trabajo peligroso con un alto índice de mortalidad. Tras su llegada, no tarda en encontrarse con varios personajes cuyos engaños y extorsiones son parte de la supervivencia diaria en la gran ciudad y desde la empresa de vehículos blindados.

Esta producción británica-filipina es una instantánea sobre las duras condiciones de vida y supervivencia en una megalópolis, que comienza con lenguaje casi documental describiéndonos de forma sensorial lo que perciben Óscar y su familia a su llegada: las miserias, la violencia, la intensidad y la saturación de precariedad.

Una película donde contrasta la inocencia y honestidad de Óscar con las dentelladas de los bajos fondos, la prostitución, el robo y la violencia. Una película dura, intensa y a ratos poética, que pone el dedo en la llaga en las lacras sociales de la miseria, la inseguridad y la inmoralidad como medio de subsistencia.

El director Sean Ellis nació en 1970 en Brighton (Reino Unido), y en la segunda mitad de los años 90 trabajó como fotógrafo de moda en revistas como 'iD', 'The Face', 'Visionaire', 'Dazed & Confused' o las ediciones de 'Vogue' en Francia, Japón y Estados Unidos. Su primer contacto con el audiovisual llegó de mano de videoclips y anuncios para firmas como Jean-Paul Gaultier, 02, Land Rover o Rimmel, además de publicar en 1999 el libro '365, A Year in Fashion' y colaborar con David Lynch en una serie de fotografías que fue publicada en 'Harper's Bazaar'. En 2001 se estrenó como director con el cortometraje 'Left Turn', y tres años después volvió a ponerse tras la cámara con 'Cashback', que acabó convirtiendo en su primer largometraje en 2006. En 2008 estrenó en Sundance su segundo largo, 'The Broken' y 'Metro Manila' es su tercer largometraje.



METRO MANILA ***1/2

Director: Sean Ellis. Guión: Sean Ellis y Frank E. Flowers. Intérpretes: Jake Macapagal, John Arcilla, Alithea Vega. Fotografía: Sean Ellis. Diseño de producción: Ian Trafalgar. Director de Arte; Alfie Antonio Orseo. Montaje: Robin Mettler. Música Original: Robin Foster. Productor: Matilede Charpentier. País: Reino Unido y Filipinas. Duración: 114 min. Género: Drama. Público: Adultos

EL MAYORDOMO/THE BUTLER

La dirección de esta biografía -basada en una historia real, que protagonizó un artículo de Will Haygood en la prensa norteamericana- tiene tintes de autosuperación y trasfondo de racismo. Esta vez corre a cuenta de Lee Daniels (Precious). Cecil Gaines (Forest Whitaker, 'El último rey de Escocia') es un joven que trata de escapar de la segregación racial del Sur de EE. UU. en busca de una vida mejor. Y huyendo de las atrocidades cometidas contra su familia.

A lo largo de su arduo viaje a la madurez, Cecil adquiere habilidades como “doméstico” que le permiten acceder a una oportunidad única en la vida: un trabajo como mayordomo en la Casa Blanca. Más de treinta años en la Casa Blanca  sirviendo a un total de ocho presidentes, desde Harry Truman en 1952 hasta Ronald Reagan en 1986, año en que se jubiló. 

Allí, Cecil se convierte en testigo directo de la historia y del funcionamiento interno del Despacho Oval, mientras se gesta el movimiento por los derechos civiles para todas las personas, cualesquiera que sean su credo, su color, su procedencia. 
Los asesinatos de John F. Kennedy y Martin Luther King, los movimientos de los Freedom Riders y las Panteras Negras, la guerra de Vietnam y el escándalo de Watergate. Un amplísimo recorrido histórico que en ocasiones se hace muy largo si no fuera por la magnífica interpretación de Forest Whitaker.

La dedicación de Cecil a su trabajo comienza a distanciarlo de su esposa Gloria (Oprah Winfrey) y crea incomprensiones e incomunicación con su hijo Louis (David Oyelowo). Pero Daniels nos cuenta una historia sobre la resistencia de un hombre, la maduración de un país y la fuerza de la familia.

El actor  Forest Whitaker alcanzó su gran momento interpretando al dictador de Uganda, Idi Amin, en la película El último Rey de Escocia. Su actuación le hizo ganador al mejor actor en diferentes festivales de cine: Los Oscars, Los Globlos de Oro, los Premios BAFTA y los Premios del Sindicato de Actores, todos en 2006. También atrae como un imán su personaje de Bird, la película de Clint Eastwood sobre un saxofonista de jazz.

El mayordomo cuenta un reparto secundario estelar que incluye a Yaya Alafia, Mariah Carey, John Cusack, Jane Fonda, Cuba Gooding, Jr., Terrence Howard, Elijah Kelley, Minka Kelly, Lenny Kravitz, James Marsden, Alex Pettyfer, Vanessa Redgrave, Alan Rickman, Liev Schreiber y Robin Williams.

Se trata de un recorrido por la lucha de los derechos civiles de las personas de color, a través de la vida de un personaje íntegro como Cecil Gaines. Película agradable de ver, interesante y con reparto acertado, que gana en los conflictos humanos familiares y en los personajes mejor perfilados que en los políticos efímeros, cuyo boceto resulta muy simplificado y reductivo.

EL MAYORDOMO****


Título Original: The Butler. Director: Lee Daniels. Guión: Danny Strong.  WIl Haygood (Artículo "A Butler Well Served by This Election"). Intérpretes: Forest Whitaker, Oprah Winfrey, David Oyelowo, Yaya Alafia, Mariah Carey, John Cusack, Jane Fonda, Cuba Gooding, Jr., Terrence Howard, Elijah Kelley, Minka Kelly, Lenny Kravitz, James Marsden, Alex Pettyfer, Vanessa Redgrave, Alan Rickman, Liev Schreiber y Robin Williams. Fotografía: Andrew Dunn. Música: Rodrigo Leão. País: EE.UU. Año: 2013. Duración: 132 min. Género: Drama. Público: Todos los públicos

THE RAILWAY MAN****

Esta película presentada en el 61 Festival de Cine de San Sebastián se basa en la historia real de Eric Lomax, un oficial británico de cuerpo de ingenieros fascinado desde su infancia por los ferrocarriles, y que dejó escrito en sus memorias y conservadas por su esposa, que le sobrevive.

Durante la Segunda Guerra Mundial fue capturado por los japoneses y enviado a un campo de trabajo en la línea férrea entre Birmania y Tailandia, tras la toma de Singapur. Condiciones extremas y maltratos continuos marcarán para siempre sus vidas, teniendo que sobrevivir en condiciones extremas a las torturas de sus captores, las cabezas desquiciadas y el trabajo inhumano de construir una línea férrea a través de la selva, el calor y la humedad. Décadas después, Lomax vive en el norte de Inglaterra retirado junto a su esposa Patricia y centrado en su pasión por los trenes, cuando descubre que el soldado japonés responsable de gran parte de su sufrimiento sigue vivo...

                       Colin Firth es Eric Lomax

¿Cómo perdonar cuando se ha sido sometido a innumerables e inconfesables torturas? ¿Cuando sus consecuencias, muchos años después, siguen marcando tu vida? A estas preguntas se enfrenta Eric Lomax, en The Railway man (Un largo viaje), una película basada en hechos reales. Los recuerdos de la II Guerra Mundial en el frente contra los japoneses todavía martillean la cabeza de Lomax décadas después, incapaz de superar las traumáticas vivencias que sufrió en ella. El tiempo no cura, el silencio tampoco; pero la presencia de su mujer será uno de los detonantes para volver a transitar el pasado.

 

Décadas después, sólo la nube que rodea a su romance con Patti ahuyenta esos recuerdos oscuros e íntimos. Sin embargo, tras esa primera época de enamorado, las pesadillas del pasado vuelven. Se hacen más persistentes. Venganza, memoria y perdón se entrelazan en la batalla personal de Lomax, cuarenta años después del conflicto bélico.

Dirigida por Jonathan Teplitzky, The Railway man cuenta con un reparto de lujo encabezado por Colin Firth (Lomax) y Nicole Kidman (Patti). Ante la ausencia de ambos en el Festival de San Sebastián, la película ha sido presentada por la viuda de Lomax, fallecido el pasado año. The Railway man se adentra en los demonios de los combatientes de cualquier guerra. La aceptación del pasado y la memoria como expiación de los recuerdos. Hasta los más dolorosos.

Jonathan Teplitzky estudió Cine y TV en la Universidad de Middlesex (Londres). Después de pasar más de una década trabajando en el extranjero, volvió a Australia para escribir y dirigir su primera película, Better Than Sex (2000), nominada a ocho premios AFI. Su segundo largometraje, Gettin’ Square (2003), recibió doce nominaciones a los AFI, y Burning Man (2011), su tercer título, fue nominado a diez de las categorías de los Premios de la Academia Australiana y obtuvo el Premio al Mejor Guión de la Asociación Australiana de Escritores. Ha dirigido, además, más de 100 anuncios y vídeos musicales.

 

THE RAILWAY MAN****

Título original: The railway man. Director: Jonathan Teplitzky. Guión: Frank Cottrell Boyce, Andy Paterson, Basado en las memorias de Eric Lomax. Intérpretes: Colin Firth, Nicole Kidman, Stellan Skarsgård, Jeremy Irvine, Hiroyuki Sanada. Producción: Railway Man Ltd. Andy Paterson, Chris Brown, Bill Curbishley. Fotografía: Garry Phillips. Montaje: Martin Connor. Música: David Hirschfelder. País: Reino Unido-Australia. Duración: 110 min.

IRONÍAS DE DESPACHOS POLÍTICOS: QUAY D’ORSAY****

Magnífica sátira política del veterano director Bertrand Tavernier, presentada en la Sección Perlas de la 61 Edición del Festival de San Sebastián, inspirada en un cómic galo sobre un político francés llamado Dargaud.

Alexandre Taillard de Vorms (Thierry Lhermitte) es alto y de impresionante aspecto, un hombre con estilo que atrae a las mujeres (parafraseando a Dominique de Villepin). También es el Ministro de Asuntos Exteriores del país de la Ilustración, Francia. Un charlatán inseguro, que maneja frases hechas de un libro de Heráclito sin empacharse. Con su melena plateada y su cuerpo bronceado y atlético se mueve en el gran escenario del mundo, desde la tribuna de las Naciones Unidas en Nueva York hasta el polvorín de Oubanga. Allí se dirige a los poderosos y pide a los grandes que traigan la paz y calmen a los gatillos fáciles, a la vez que cimenta su candidatura para el Premio Nobel de la Paz.

Implacable retrato de un Ministro en el teatro de la política, de los afanes de ponerse medallas, de las intuiciones que llevan al éxito -por casualidad-, de los contra-principios que mueven a los gobernantes y de sus equipos. Alexandre Taillard de Vorms es una fuerza a tener en cuenta, que libra su propia guerra con el respaldo de tres  valores diplomáticos: legitimidad, lucidez y eficacia. Trata por igual con neo-conservadores americanos, rusos corruptos y chinos ávidos de dinero. Entra en escena el joven Arthur Vlaminck (un joven pero lùcido Raphaël Personnaz), graduado de la elitista Escuela Nacional de Administración, que ha sido contratado como jefe del departamento de "lenguaje" del Ministro. En otras palabras, tiene que escribir los discursos del Ministro. Pero también tiene que aprender a tratar con la sensibilidad de su jefe y su entorno.

            Bertrand Tavernier con Thierry Lhermitte y Raphaël Personnaz

Bertrand Tavernier es uno de los grandes maestros del cine francés y ha tenido una dilatada relación con el Festival de San Sebastián, que le dedicó una retrospectiva en 1999, año en que fue presidente del Jurado. Su película Capitaine Conan (Capitán Conan) logró una Mención Especial del Jurado en 1996, Ça commence aujourd'hui (Hoy empieza todo) obtuvo el Premio del Público en 1999 y Holy Lola (La pequeña Lola) repitió el mismo premio en 2005. Otros éxitos internacionales suyos han sido L'Horloger de Saint-Paul (El relojero de Saint-Paul, 1974), Round Midnight (Alrededor de la medianoche, 1986), La vie et rien d'autre (La vida y nada más, 1989), La fille de d'Artagnan (La hija de d'Artagnan, 1994), L'appât (La carnaza, 1995) y La princesse de Montpensier (La princesa de Montpensier, 2010).

QUAY D’ORSAY****

Título original: Quay d’Orsay. Director. Bertrand Tavernier. Guión: Antonin Baudry, Christophe Blain, Bertrand Tavernier. Intérpretes: Thierry Lhermitte, Raphaël Personnaz, Niels Arestrup, Bruno Raffaelli. Música:  Olivier Dô Hùu, Fanny Weinzaeplfen. Producción: Pathé Distribution. Jérôme Seydoux, Frédéric Bourboulon.Montaje. Guy Lecorne. Fotografía: País:Francia.Duración: 113 min.