JEANNE DU BARRY

Jeanne, una joven de clase trabajadora hambrienta de cultura y consciente de su vitalidad y hermosura, usa su inteligencia y encanto para subir los peldaños de la escala social. Se convierte en la favorita del rey Luis XV, que, desconociendo su condición de cortesana, recupera a través de ella su apetito por la vida. Se enamoran perdidamente y, contra todo decoro y etiqueta, Jeanne se muda a Versalles, donde su llegada escandaliza a la corte. Será la última amante oficial de Luis XV.

Maïwenn Aurélia Nedjma Le Besco, actriz, guionista y directora de cine francesa, con nombre artístico de Maïwenn, quería desde hace tiempo dirigir una película sobre Madame du Barry desde 2006, después de ver la película de Sofía Coppola de María Antonieta. Atraída por el personaje de Madame du Barry, interpretada en la película de Coppola por Asia Argento, empezó a leer biografías sobre ella. De 2006-2016, Maïwenn jugó con la idea de dirigir algún día alguna cuya protagonista fuera Madame du Barry, pero todavía estaba insegura al temer no ser capaz de realizar una película histórica comparable a otras realizadas sobre el tema.​ Después de ver muchas películas de época, como Barry Lindon, de Stanley Kubrick, María Antonieta de Sofia Coppola y La muerte de Luis XIV de Albert Serra, comenzó a crear el esquema de su propia película, llegando a la conclusión de que las tres tienen en común la cantidad mínima de diálogos.

Jeanne fue presentada ante la corte de Versalles el 22 de abril de 1769, ocasión largamente esperada por la multitud agolpada a las puertas del palacio y por los cortesanos reunidos en la Galería de los Espejos. En las descripciones de corte se habla de ella llevando un vestido blanco plateado brocado con oro, encargado por Richelieu específicamente para ella. Del mismo modo, apareció ante la corte engalanada con joyas enviadas por el rey la noche anterior, portando además un gran tontillo o armazón interior para llevar las faldas, muy ala moda de la época, junto a un elaborado peinado. Jeanne du Barry se habituó al lujo, a los regalos del rey (desde joyas a un criado bantú, Zamor). Entre las intrigas de la corte se recuerda la problemática relación con la futura esposa del Delfín y reina, María Antonieta.

Con Johny Depp en el papel de Luis XV, la película gana tantos por su expresividad y capacidad camaleónica para transformarse en un personaje, y el hecho de que Depp actuara por primera vez en francés. Maïwenn (Madame du Barry) y Benjamin Lavernhe (como Jean-Benjamin de La Borde, el premier valet de la chambre del rey), o el sobrino del Duque de Richelieu, el poderoso Duque de Aiguillon (Pascal Greggory), le acompañan con talento.

El retrato de la corte francesa es acertado, las facciones, los rumores, el arribismo y las disputas. También el retrato del degrado moral, del cristiano sinvergüenza consciente de que lo es, y que se arrepiente y pide confesión, renunciando al escándalo. Los verdaderos apoyos del rey, sus leales y los que no; los celos entre sus hijas y las crisis existenciales por las que atraviesan los personajes son verosímiles y bien tratadas.

Se trata de una buena película clásica y a la vez muy contemporánea, una historia de corte y amor trágicos, filmada en varios castillos de Francia y en el estudio, recién presentada en el Festival de Cannes 2023.

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=mRD-AfnolL8

BASTARDEN/THE PROMISE LAND (FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN SSIFF 71)****

En 1755, el capitán Ludvig Kahlen (Mads Mikkelsen), que vive en la residencia de veteranos del Ejército, se dispone a conquistar los duros e inhóspitos páramos inundados de tierra yerma daneses de Jutlandia, con un objetivo aparentemente imposible: crear una colonia en nombre del rey. A cambio, recibirá un título real que anhela con desesperación. Sin embargo, el único gobernante de la zona, el despiadado y arrogante Frederik De Schinkel, cree que esa tierra le pertenece. 

El capitán Ludvig Kahlen quiere a toda costa seguir la llamada del rey para cultivar la tierra y conseguir así riqueza y honor para sí mismo. Arcel dibuja un relato de Kahlen como alguien marcado por la superación de su propia historia de hijo bastardo de un gran señor, abandonado a su suerte, que se repite en muchas vidas en esa época, por el estilo dominador, abusador y violento de los señores propietarios daneses en el siglo XVIII.

Cuando De Schinkel se percata de que su criada Ann Barbara (Amanda Collin) y su marido han escapado para refugiarse con Kahlen, el privilegiado y rencoroso gobernante jura venganza y promete hacer todo lo que esté a su alcance para ahuyentar al capitán de su intento. Pero Kahlen no se deja intimidar y emprende una batalla tan desigual que pondrá en riesgo no solo su vida, sino también a la familia de personas marginadas que se ha formado a su alrededor.

El capitán Kahlen, con su carácter denodado y persistente, se ha ganado el peor enemigo, despiadado y caprichoso, el terrateniente Frederik De Schinkel, único gobernante de la zona, cree que el brezal le pertenece a él y no al rey. Pero a pesar de todo, no se doblega, sino que emprende obstinadamente la desigual batalla y ahora arriesga tanto su vida como el vínculo con la pequeña y problemática familia que ha surgido a su alrededor en el brezal.

Una película de drama histórico épico con un protagonista de lujo con Mads Mikkelsen, que acaba descubriendo poco a poco cómo su individualista propósito cambiará radicalmente cuando aparecen otras personas implicadas y descubre que la pertenencia y el apego personal conmueven y remueven completamente su perspectiva vital.

Se trata de una película dirigida por Nikolaj Arcel y escrita por el propio director Arcel y Anders Thomas Jensen. Protagonizada por Mads Mikkelsen, Amanda Collin y Simon Bennebjerg, junto a Kristine Kujath Thorp, Gustav Lindh, Jakob Lohmann, Morten Hee Andersen, Magnus Krepper y Felix Kramer.​ Está basada en el libro The Captain and Ann Barbara de Ida Jessen.

La fotografía y la música son magníficas, logrando acentuar la dureza de la tierra y del clima, el trabajo persistente y un resentimiento latente que lo tiñe todo.

DISPARARON AL PIANISTA/THEY SHOT THE PIANO PLAYER (FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIAN, SSIFF 71)*****

Un periodista musical de Nueva York comienza una trepidante investigación detrás de la misteriosa desaparición del pianista brasileño, Tenorio Jr, habitual de Vinicius de Moraes, entre otros. Este thriller de animación al ritmo de jazz y bossa-nova supone un punto de inflexión justo antes de que el continente latinoamericano fuera envuelto por regímenes totalitarios.

El tándem Fernando Trueba-Javier Mariscal vuelven a aliarse para hablar de música e indagar sobre músicos, una pasión contagiada del uno para el otro y viceversa. Quince años de investigación y de recopilación de entrevistas que también ve la luz con un libro del mismo título. La pulsión de un piano originalísimo que podría haber revolucionado la música brasileña de los años 70, junto a la pulsión del color y del dibujo, y del guión.

Tenorio Jr. es otro de los hallazgos de este documental animado, todo un delirio de música, color, trazo y una investigación sobre el genial y prístino pianista desaparecido en la execrable operación Cóndor, nombre que se le dio al terrorismo de Estado en Argentina. Un flechazo por la bossa nova y un obituario por el que muere injusta y violentamente, con la etiqueta de “desaparecido”, que se ve con avidez, con voces inolvidables como la de Jeff Goldblum como el periodista de Nueva York que indaga en Tenorio Jr , recuperación de audios y videos históricos de contemporáneos del músico y con testimonios actuales de sus coetáneos. Hay más de 150 horas de documentación grabada que forma parte del guión y del material que se entregó al diseñador Javier Mariscal para que lo convirtiera en dibujo para la animación posterior.

Según Trueba, hacer una historia en animación en vez de con actores “realmente no lo planeé. Chico y Rita sí, por la amistad con Mariscal y por pasarlo bien, meter a Bebo, hacer una cosa de música. Y esta surge por haber descubierto las ventajas que tiene la animación para ciertas cosas y darme cuenta de que a esta historia lo que le convenía es la animación porque la hacía más rica: podía ver a Tenorio vivo de joven y aquellos bares donde nace la bossa nova y de samba jazz que ya no existen, como tantas cosas bonitas que se van cerrando y desapareciendo. Y me animé tanto que acabé reviviendo hasta a Bebo Valdés”.

Con música nada más y nada menos que de Joao Gilberto, Carlos Jobim, Vinicius de Moraes, Gaetano Veloso, Milton Nascimento, Gilberto Gil, Pablo Moura, Toquinho, Mutinho. Y con recuerdos al cine dentro del cine, la nouvelle vague, Truffaut, la ESMA argentina, las dictaduras…una película homenaje y memoria que trasluce lo bien que se o han pasado Trueba y Mariscal, además de legarnos un testimonio único que se disfruta casi como los que lo han recreado.

EL NIÑO Y LA GARZA/KIMITACHI WA DO IKIRUKA (PREMIO DONOSTIA SSIFF 71)

Un joven llamado Mahito, que añora a su madre, se aventura en un mundo compartido por los vivos y los muertos. Allí, la muerte llega a su fin y la vida encuentra un nuevo comienzo. Una fantasía semiautobiográfica sobre la vida, la muerte y la creación, en homenaje a la amistad, de la mente de Hayao Miyazaki.

Parece que, a sus 82 años, llega el adiós de Mizayaki (aunque tiene otra película en ciernes). El chico y la garza es otra de las muestras de su cosmogonía anárquica, trágica y especial.

Una vida dentro de la vida, un viaje a través de su peculiar espejo lleno de referencias culturales japonesas, que tanto seguidores tiene en todo el mundo. La vida que sueño, la vida que vivo y cómo la vivo. Una película de animación del estudio Ghibli, fundado por Hayao Miyazaki, que sigue siendo artesano, empresario y genio del cine, pionero del cine de animación y 'padre' de Totoro, Mononoke y Chihiro.

Se publica también un nuevo libro a modo de ayuda para desentrañar su proceso creativo y las claves de su éxito mundial. Ganador de dos Oscar, uno de ellos honorífico, del Oso de oro de Berlín y del León de Oro a toda su carrera en Venecia.

El universo del manga, son historietas fantásticas y caóticas en las que se refugió durante una niñez particularmente difícil, postrado en cama durante largas temporadas debido a una grave enfermedad. Afirma Mizayaki: «Me enamoré por primera vez del anime cuando vi La leyenda de la serpiente blanca. Todavía recuerdo la sensación de angustia que sentí ante la increíble belleza de la joven protagonista femenina y cuánto deseé ver la película una y otra vez».

Su particular estética mezcla el hiperrealismo en los escenarios y el diseño de los personajes humanos con el derroche de imaginación de criaturas y seres fantásticos. Sus personajes están marcados por emociones y pérdidas, por anhelos y búsquedas. «El animador debe crear una mentira que parezca real para que los espectadores piensen que un mundo dibujado podría existir», dejó escrito en 1979.

Más allá de los colores, los trazos y el trasfondo fantástico de la mayoría de sus películas, las constantes creativas de Miyazaki se mantienen inalteradas en el tiempo. A lo largo de 124 minutos, vuelve a trazarnos un nudo dentro de muchos nudos, con un sentido de interconexión de los mundos reales e irreales, lleno de fantasía desbordante: «Las películas fáciles de entender son aburridas, las tramas lógicas sacrifican la creatividad», e invita a sumergirse en un mundo de cuento y leyenda, de personajes y animales antropomórficos interminable.

Como niños ávidos de historias de ficción, nos lleva de la mano a su cosmovisión donde se dan la mano la ecología, otros mundos posibles, la lucha entre el bien y el mal.

Para los seguidores de Mizayaki, una película imperdible; para los que lo descubren por primera vez, su fantasía te atrapa como un imán.

LA SOCIEDAD DE LA NIEVE*****(FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÄN SSIFF 71)

En 1972, el vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya, fletado para llevar a un equipo de rugby a Chile, se estrelló en el corazón de los Andes. Solo 29 de sus 45 pasajeros sobrevivieron al accidente. Atrapados en uno de los entornos más hostiles e inaccesibles del planeta, deberán recurrir a medidas extremas para seguir vivos.

Juan Antonio Bayona se hace cada vez más y más grande. Lo es por acercarse a las historias de supervivencia en Lo Imposible y ahora en La sociedad de la nieve, y lo es porque su cine es valiente para atreverse a narrar la carne, la sangre, la conciencia herida, la fe, las dudas, las lágrimas, la risa y los sollozos de esos pasajeros. En 144 minutos. Y se entiende que vaya a representar a España en la próxima edición de los Oscars.

A pesar de que ya conocemos el suceso y hemos visto la película Viven donde se narra la tragedia, consigue acercarnos al palimpsesto de emociones detalladas que compuso el puzle encadenado de dificultades y peligros ingentes de pasar aislados, heridos y sin fuerzas en mitad de la nada en una cumbre de los Andes, entre Chile y Argentina. Esta vez se basa en el relato de Paolo Vierci titulado "La sociedad de la nieve", al igual que el filme.

Se merecían estos 29 que reviviéramos y sintiéramos su tragedia en una película larga y blanca, emocionante y negra como lo que vivieron. La iniciativa final de sumarse al viaje de Numa, su conciencia, su ira creativa que empuja a querer sobrevivir a otros, su heroísmo y la clave de “dar la vida por sus amigos”, una máxima del propio Jesucristo que llevó hasta el extremo y que guía silenciosamente esta película magnífica y aterradora, que conmueve porque nos retrata a todos.

Magníficos actores, guión muy consistente, los efectos especiales apabullantes.

Y Gustavo Cervino, y Roberto, y los hermanos Strauch….qué gente tan maravillosa y llena de vida y de ansia de sobrevivir, que lograron constituir unos lazos más allá de la tristeza, de la tragedia, de la fe sometida a unas pruebas extremas y de la muerte.

En San Sebastián está Juan Antonio Bayona, Gustavo Cervino (uno de los supervivientes reales) y el actor que da vida a Numa, Enzo Vogrincic, que borda su papel, lleno de una integridad y consistencia maravillosas. Qué cerca estaba Dios de cada uno y qué grandes esos héroes cada uno a su modo, en esa tragedia gélida y blanca.

Larga vida a esta película impactante y larga, que es la mirada enciclopédica sobre las emociones y el día a día del accidente del vuelo 571 de la Fuerza Uruguaya.

Para no perdérsela.

Trailer: https://youtu.be/bTTueL7eRuY

 

FALLEN LEAVES**** (FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÄN (SSIFF 71)

La historia de dos personas solitarias que se encuentran por casualidad en la noche de Helsinki e intentan encontrar el primer, único y último amor de sus vidas. Su camino hacia esta honrosa meta se ve empañado por el alcoholismo del hombre, números de teléfono perdidos y la tendencia general de la vida a poner obstáculos en el camino de quienes buscan su felicidad.

Aki Kaurismaki fascina por su ironía, simplicidad y universalidad de sus personajes. No son una mujer y un hombre de Helsinki, sino cualquier persona agotada por la monotonía y la soledad de sus vidas.

El universo de color, de luz, de minimalismo, de anticipar sonidos sin que veamos las escenas para sorprendernos y llevarnos de la mano a su personal modo de ver la vida. Una marca fílmica de la casa Kaurismaki que encanta cuando retrata la vida cotidiana, la de todos los días. Los códigos cromáticos calientes o fríos según el momento y el personaje, los guiños de amor al cine, las elipsis, el retrato del mundo del trabajo obrero y del alma humana sin meterse en jardines, esencialista.

Fallen Leaves es una historia de amor llena de anhelos y emoción, una historia de amor grandiosa e ingenua, llena de ternura.

Envuelven las escenas las versiones finlandesas de canciones de los 70 y 80, que se entremezclan con los móviles de finales de los 90 y 2000, en un intento genial de descontextualizar el momento.

En el Festival de Cannes recibió el Premio del Jurado y el tercer premio de FIPRESCI, y en SSIFF de San Sebastián en su edición 71 seguramente recibirá premio, aunque sólo sea por las carcajadas que nos arrancó a todos en su estreno.