THE RAILWAY MAN****

Esta película presentada en el 61 Festival de Cine de San Sebastián se basa en la historia real de Eric Lomax, un oficial británico de cuerpo de ingenieros fascinado desde su infancia por los ferrocarriles, y que dejó escrito en sus memorias y conservadas por su esposa, que le sobrevive.

Durante la Segunda Guerra Mundial fue capturado por los japoneses y enviado a un campo de trabajo en la línea férrea entre Birmania y Tailandia, tras la toma de Singapur. Condiciones extremas y maltratos continuos marcarán para siempre sus vidas, teniendo que sobrevivir en condiciones extremas a las torturas de sus captores, las cabezas desquiciadas y el trabajo inhumano de construir una línea férrea a través de la selva, el calor y la humedad. Décadas después, Lomax vive en el norte de Inglaterra retirado junto a su esposa Patricia y centrado en su pasión por los trenes, cuando descubre que el soldado japonés responsable de gran parte de su sufrimiento sigue vivo...

                       Colin Firth es Eric Lomax

¿Cómo perdonar cuando se ha sido sometido a innumerables e inconfesables torturas? ¿Cuando sus consecuencias, muchos años después, siguen marcando tu vida? A estas preguntas se enfrenta Eric Lomax, en The Railway man (Un largo viaje), una película basada en hechos reales. Los recuerdos de la II Guerra Mundial en el frente contra los japoneses todavía martillean la cabeza de Lomax décadas después, incapaz de superar las traumáticas vivencias que sufrió en ella. El tiempo no cura, el silencio tampoco; pero la presencia de su mujer será uno de los detonantes para volver a transitar el pasado.

 

Décadas después, sólo la nube que rodea a su romance con Patti ahuyenta esos recuerdos oscuros e íntimos. Sin embargo, tras esa primera época de enamorado, las pesadillas del pasado vuelven. Se hacen más persistentes. Venganza, memoria y perdón se entrelazan en la batalla personal de Lomax, cuarenta años después del conflicto bélico.

Dirigida por Jonathan Teplitzky, The Railway man cuenta con un reparto de lujo encabezado por Colin Firth (Lomax) y Nicole Kidman (Patti). Ante la ausencia de ambos en el Festival de San Sebastián, la película ha sido presentada por la viuda de Lomax, fallecido el pasado año. The Railway man se adentra en los demonios de los combatientes de cualquier guerra. La aceptación del pasado y la memoria como expiación de los recuerdos. Hasta los más dolorosos.

Jonathan Teplitzky estudió Cine y TV en la Universidad de Middlesex (Londres). Después de pasar más de una década trabajando en el extranjero, volvió a Australia para escribir y dirigir su primera película, Better Than Sex (2000), nominada a ocho premios AFI. Su segundo largometraje, Gettin’ Square (2003), recibió doce nominaciones a los AFI, y Burning Man (2011), su tercer título, fue nominado a diez de las categorías de los Premios de la Academia Australiana y obtuvo el Premio al Mejor Guión de la Asociación Australiana de Escritores. Ha dirigido, además, más de 100 anuncios y vídeos musicales.

 

THE RAILWAY MAN****

Título original: The railway man. Director: Jonathan Teplitzky. Guión: Frank Cottrell Boyce, Andy Paterson, Basado en las memorias de Eric Lomax. Intérpretes: Colin Firth, Nicole Kidman, Stellan Skarsgård, Jeremy Irvine, Hiroyuki Sanada. Producción: Railway Man Ltd. Andy Paterson, Chris Brown, Bill Curbishley. Fotografía: Garry Phillips. Montaje: Martin Connor. Música: David Hirschfelder. País: Reino Unido-Australia. Duración: 110 min.

IRONÍAS DE DESPACHOS POLÍTICOS: QUAY D’ORSAY****

Magnífica sátira política del veterano director Bertrand Tavernier, presentada en la Sección Perlas de la 61 Edición del Festival de San Sebastián, inspirada en un cómic galo sobre un político francés llamado Dargaud.

Alexandre Taillard de Vorms (Thierry Lhermitte) es alto y de impresionante aspecto, un hombre con estilo que atrae a las mujeres (parafraseando a Dominique de Villepin). También es el Ministro de Asuntos Exteriores del país de la Ilustración, Francia. Un charlatán inseguro, que maneja frases hechas de un libro de Heráclito sin empacharse. Con su melena plateada y su cuerpo bronceado y atlético se mueve en el gran escenario del mundo, desde la tribuna de las Naciones Unidas en Nueva York hasta el polvorín de Oubanga. Allí se dirige a los poderosos y pide a los grandes que traigan la paz y calmen a los gatillos fáciles, a la vez que cimenta su candidatura para el Premio Nobel de la Paz.

Implacable retrato de un Ministro en el teatro de la política, de los afanes de ponerse medallas, de las intuiciones que llevan al éxito -por casualidad-, de los contra-principios que mueven a los gobernantes y de sus equipos. Alexandre Taillard de Vorms es una fuerza a tener en cuenta, que libra su propia guerra con el respaldo de tres  valores diplomáticos: legitimidad, lucidez y eficacia. Trata por igual con neo-conservadores americanos, rusos corruptos y chinos ávidos de dinero. Entra en escena el joven Arthur Vlaminck (un joven pero lùcido Raphaël Personnaz), graduado de la elitista Escuela Nacional de Administración, que ha sido contratado como jefe del departamento de "lenguaje" del Ministro. En otras palabras, tiene que escribir los discursos del Ministro. Pero también tiene que aprender a tratar con la sensibilidad de su jefe y su entorno.

            Bertrand Tavernier con Thierry Lhermitte y Raphaël Personnaz

Bertrand Tavernier es uno de los grandes maestros del cine francés y ha tenido una dilatada relación con el Festival de San Sebastián, que le dedicó una retrospectiva en 1999, año en que fue presidente del Jurado. Su película Capitaine Conan (Capitán Conan) logró una Mención Especial del Jurado en 1996, Ça commence aujourd'hui (Hoy empieza todo) obtuvo el Premio del Público en 1999 y Holy Lola (La pequeña Lola) repitió el mismo premio en 2005. Otros éxitos internacionales suyos han sido L'Horloger de Saint-Paul (El relojero de Saint-Paul, 1974), Round Midnight (Alrededor de la medianoche, 1986), La vie et rien d'autre (La vida y nada más, 1989), La fille de d'Artagnan (La hija de d'Artagnan, 1994), L'appât (La carnaza, 1995) y La princesse de Montpensier (La princesa de Montpensier, 2010).

QUAY D’ORSAY****

Título original: Quay d’Orsay. Director. Bertrand Tavernier. Guión: Antonin Baudry, Christophe Blain, Bertrand Tavernier. Intérpretes: Thierry Lhermitte, Raphaël Personnaz, Niels Arestrup, Bruno Raffaelli. Música:  Olivier Dô Hùu, Fanny Weinzaeplfen. Producción: Pathé Distribution. Jérôme Seydoux, Frédéric Bourboulon.Montaje. Guy Lecorne. Fotografía: País:Francia.Duración: 113 min.

VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS GANA 6 GOYAS

Una historia sencilla y optimista, llena de corazón, que gana seis premios, entre ellos los de mejor director y mejor guión original para Trueba, mejor actor protagonista para Javier Cámara y mejor actriz revelación para Natalia de Molina.

En 1966, John Lennon atraviesa una crisis existencial, decidido a terminar definitivamente con Los Beatles y convencido de poder lanzarse a la carrera de actor. Llega a Almería para rodar a las órdenes de Richard Lester una película antibelicista, que fue todo un hito para la historia de la música y del cine en la España de 1966: Cómo gané la guerra.

Por otra parte, Antonio (Javier Cámara), fanático de Los Beatles y que recibe de sus alumnos el mote de “quinto Beatle” profesor de inglés en un humilde colegio de Albacete, decide emprender el viaje para conocerlo y hacerle una curiosa petición. En la ruta, se cruza con Belén (Natalia Molina), que se ha escapado de la turbia reclusión a la que está sometida por su familia y por el entorno social del país. Tiene apenas 20 años, pero carga con un pasado del que huye. Ambos se tropezarán con Juanjo, un adolescente de 16 años, que se ha fugado de casa en plena rebeldía juvenil y por enfrentamiento con su padre.

          Javier Trueba con Natalia Molina, Javier Cámara, y Francesc Colomer 

     

 Una sencilla historia de encuentros entre personajes llenos de ternura, que desean volar, en la España de los años sesenta. Javier Cámara, que llena la pantalla, desarrolla un papel clave, atento con todos y empático, sencillo, ingenuo. Un retrato de la España de los Planes de Desarrollo, de las tradiciones y de los atavismos sociales. Un guión bien trabado, con toques de humor y de drama.

Lennon será para ellos un símbolo de libertad, una aspiración. Los tres comparten los días y la aventura convertidos en la expresión de un país que aspira a un futuro mejor en la hermosa y atrasada Almería de los años 60, en los mismos lugares y días en que Lennon compuso la canción “Strawberry Fields Forever”.

                         John Lennon en Almeria de rodaje

David Trueba comenzó su carrera como director en 1996 con La buena vida, presentada en la Quincena de los Realizadores de Cannes. Dirigió a continuación Obra maestra (2000), Soldados de Salamina (2003), presentada en la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes, Bienvenido a casa (2006), premio al Mejor Director en el Festival de Málaga, y el documental La silla de Fernando (2006). En 2010, creó y dirigió la serie de televisión ¿Qué fue de Jorge Sanz?, y en 2011 dirigió y escribió Madrid, 1987, que participó en la Sección Oficial del Festival de Sundance y fue mostrada en Zabaltegi del Festival de San Sebastián.

VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS***

Título original: Vivir es fácil con los ojos cerrados. Director: David Trueba. Guión: David Trueba. Intérpretes: Javier Cámara, Natalia de Molina, Francesc Colomer. Producción: Fernando Trueba P.C., S.A. Cristina Huete. Montaje: Marta Velasco. Fotografía: Daniel Vilar. Duración: 108 min. País: España.

OKTOBER,NOVEMBER

En una pequeña población de los Alpes austríacos hay un hotel ya cerrado, que se abre para alojar a pequeños grupos de peregrinos por la espiritualidad del lugar y la espectacularidad de la naturaleza.

 

Dos hermanas crecieron aquí: Sonja (Nora von Waldstätten) vive ahora en Berlín. Se ha convertido en una actriz de éxito, con una carrera muy rápida, solo tiene 30 años, pero algo falta en su vida. Su hermana Verena (Ursula Strauss), un poco mayor que ella, nunca abandonó el pueblo. Después de que su madre muriera en un accidente, se mudó con su marido y su hijo al hotel, ahora muy grande para ellos. El padre de las dos hermanas también vive en el hotel, y se ha vuelto un hombre anciano y arisco. Un ataque al corazón lo lleva cerca de la muerte. Sobrevive, pero ahora es un hombre enfermo.

                    Nora von Waldstâtten como Sonja

Sonja considera que es el momento de visitar a su familia y los escenarios de su infancia. Un nuevo capítulo comienza, se reconfiguran las relaciones. La reunión saca a la luz, poco a poco pero de manera implacable, viejos conflictos, reproches, recelos  y verdades nunca confesadas entre las dos hermanas, que van a afectar a la médula de sus identidades. El director Spielmann hace un retrato generacional, visita temas como la vida y la muerte, el más allá y el cielo, el amor y las relaciones filiales, la fidelidad, la sinceridad, la mentira y la farsa.

El tono de frialdad y nihilismo, la estética cuidada, remiten al teatro de Ibsen.

Götz Spielmann nació en 1961 en la población austríaca de Wels y creció en Viena, donde reside. Ha dirigido varias películas para cine y televisión, siendo Revanche (2008) la que alcanzó más proyección internacional porque fue nominada al Oscar a la Mejor Película Extranjera y obtuvo premios en los festivales de Berlín, Palm Springs y Monterrey. Otras películas suyas conocidas son Der nachbar (1994), Die fremde (2000), Spiel im Morgengrauen (2004) y Antares (2004).

OKTOBER,NOVEMBER***

Título original:Oktober, November. Director: Götz Spielmann. Guión: Götz Spielmann. Intérpretes: Nora von Waldstätten, Ursula Strauss, Peter Simonischek, Sebastian Koch, Johannes Zeiler.Producción: Coop99 Filmproduktion, SpielmannFilm. Antonin Svoboda, Martin Gschlacht, Bruno Wagner, Götz Spielmann. Fotgrafía: Martin Gschlacht. Montaje: Karina Ressler. País: Austria. Duración:114 min.

GRAVITY SE ALZA CON 7 OSCARS****

Gravity ha sido la película de inauguración del reciente Festival de Venecia, y se presenta fuera de concurso en la 61 edición del Festival de Cine de San Sebastián. Globo de Oro a mejor director en los Golden Globes Awards, y nada menos que diez nominaciones a los Óscars, de las cuales se han transformado en premio siete de ellas: Mejor Director, Mejor Montaje, Mejor Dirección de Fotografía, Mejor Banda Sonora Original, Mejor Mezcla de Sonido, Mejor Edición de Sonido, Mejores Efectos Especiales. ¡¡¡Enhorabuena a Cuarón y a todo su equipo!!!

La doctora Ryan Stone es Sandra Bullock

La doctora Ryan Stone (Sandra Bullock) es una brillante ingeniera especializada en medicina en su primera misión en un transbordador, con el veterano astronauta Matt Kowalsky (George Clooney). En un paseo espacial aparentemente de rutina, a 600km sobre la Tierra, se desencadena el desastre. El transbordador queda destruido, dejando a Stone y Kowalsky completamente solos, unidos el uno al otro y dando vueltas en la oscuridad más temible. El terrible silencio les indica que han perdido cualquier vínculo con la Tierra... y cualquier posibilidad de rescate. A medida que el miedo se va convirtiendo en pánico, cada bocanada de aire consume el poco oxígeno que queda. Pero el único camino a casa solo puede encontrarse adentrándose más y más en la aterradora extensión del espacio.

Sandra Bullock aguanta con solidez la responsabilidad del metraje, dominando las emociones, el control físico y mental que exige una situación de tantísimo riesgo. El papel de George Clooney resulta un contrapunto de serenidad, empuje y humor francamente magnífico. Una tremenda lección de cine en un lugar complejo como el espacio, donde se cuenta una tremenda historia de superación contra toda esperanza. Y sobre todo, el silencio, la soledad, la inmensidad y la resiliencia para resistir la crisis y resolver situaciones de altísimo riesgo.

   Una misión de rutina que se convierte en desastre para Bullock y Clooney

El recurso a la técnica en 3D hace más trágica la tragedia y más real: increíble toda la basura cósmica que se echa encima del espectador y todos los objetos gravitando dentro de la cápsula espacial.

Alfonso Cuarón debutó en 1991 con Solo con tu pareja. Se estrenó en el cine estadounidense con A Little Princess (La princesita, 1995), nominada a los Oscar a Mejor Fotografía y Mejor Dirección Artística, a la que siguió Great Expectations (Grandes esperanzas,  1998). Cuarón regresó a México para dirigir Y tu mamá también (2001), por la que obtuvo una nominación al Oscar a Mejor Guión Original. Dirigió después Harry Potter and the Prisoner of Azkaban (Harry Potter y el prisionero de Azkaban, 2003) y Children of Men (Hijos de los hombres, 2006), que le granjeó dos nominaciones a los Oscar a Mejor Guión Original y Mejor Montaje.

GRAVITY****

Título original: Gravity. Director: Alfonso Cuarón. Guión: Alfonso Cuarón, Jonás Cuarón. Intérpretes: Sandra Bullock, George Clooney. Fotografía: Emmanuel Lubezki. Montaje: Mark Sanger. Música: Steven Price. País: EE.UU. Duración: 93 min.

LE WEEK-END

LE WEEK-END****

La Concha de Plata del 61 Festival de Cine de San sebastián ha ido a parar a Jim Broadbent, veterano actor británico de la película Le week-end. Un retrato cercano sobre la erosión del amor a cuenta del tiempo y de las puertas cerradas a la comunicación, que se salda con el estado al que han llegado Nick y Meg. Una pareja de profesores británicos que regresa a París muchos años después de su luna de miel para intentar revitalizar su matrimonio.

                       Jim Broadbent, Lindsay Duncan

El declive de la vida trae consigo sus propias inseguridades, sospechas y recelos de uno mismo y del otro. Volver a París, a solas, hará brotar conversaciones, situaciones y antiguas amistades, que pondrán encima de la mesa malentendidos, debilidades y miserias, además de un amor más fuerte que la muerte y que se comprueba capaz de absoluta fidelidad. Meg se siente atacada, hastiada, y anhela una vida mejor, pero se muestra insegura y desamparada sin su marido Nick. Nick oculta una prejubilación forzada, inseguridad económica y desconfianza en sí mismo.

 

El reencuentro casual en París con un antiguo amigo de Oxford de Nick, pondrá en bandeja confesiones inesperadas y un contraste entre la ansiedad de sentirse alabado, de la novedad como escape, y asumir la propia realidad, que siempre puede revitalizarse. Magnífico guión y magnífica interpretación de tres actores veteranos, como lo son Jim Broadbent, Lindsay Duncan y Jeff Goldblum, con tintes de humor y de tragedia, como la vida misma.

Roger Michell nació en 1956 en Pretoria (Sudáfrica) y reside en el Reino Unido. Después de dirigir episodios de series televisivas como The Buddha of Suburbia (1993), su primer trabajo para el cine, Persuasion (1995), ganó el premio BAFTA. En 1999 dirigió su primer gran éxito, Notting Hill, que fue candidata a tres Globos de Oro y además recibió su tercera candidatura a los BAFTA. Después vinieron Changing Lanes (Al límite de la verdad, 2002), The Mother (2003), Enduring Love (El intruso, 2004), Venus (2006), por la que Peter O'Toole fue nominado al Óscar al mejor actor, Morning Glory (2010) y Hyde Park on Hudson (2012).

LE WEEK-END****

Título original: Le week-end. Director: Roger Michell. Guión: Hanif Kureishi. Intérpretes: Jim Broadbent, Lindsay Duncan, Jeff Goldblum. Montaje: Kristina Hetherington. Fotografía: Nathalie Durand. Música: Jeremy Sams. Producción: Film4. Kevin Loader. País:Reino Unido. Duración: 92 min.

MI ALMA POR TI CURADA/MON ÁME PER TOI GUÉRIE

MI ALMA POR TI CURADA/MON ÁME PER TOI GUÉRIE****

Sobre la condición humana y sus heridas. ¿Y quién no está enfermo, no tiene heridas, a veces incurables? Pero, ¿y si la ciencia omnipoderosa a la que se le rinde total credibilidad, no fuera la protagonista ni la eficaz ante esta realidad? Francois Dupeyron hace saltar el sistema con su nueva película Mon áme per toi guerie.

Cuando Frédi (Grégory Gadebois) pierde a su madre, su epilepsia regresa por primera vez desde que era niño. Su madre era una curandera, sanaba con sus propias manos, con su tacto y su don,  que ahora le ha transmitido a él. En un principio, Frédi lo rechaza por completo, inmerso en su propia infelicidad, un fracaso matrimonial y profesional... hasta que un fatal accidente lo cambia todo. Frédi, el antihéroe, el "estrellado", se ve obligado a reconocer que tiene manos que pueden curar, capacidad de escucha y de devolver confianza en ellos mismos, y se va a dedicar a escuchar, tocar y sanar. Algo que no encaja en el sistema convencional, pero que resulta una metáfora de muchos de los vacíos e impotencias para sanar y sanarse hoy. Uno no puede curarse a sí mismo.

 

                    Grégory Gadebois y Marie Payen

Pero también Fredi tiene sus propias heridas, que no puede curarse a sí mismo. Conocerá a una mujer, de la que se enamora por fin, y que provocará la sanación de ambos.

 

François Dupeyron ganó la Concha de Oro y la Concha de Plata al Mejor Actor (Jacques Dufilho) en el Festival de San Sebastián de 1999 por C'est-quoi la vie? (¿Qué es la vida?). Tras escribir y dirigir las multipremiadas La chambre des officiers (El pabellón de los oficiales, 2001), Monsieur Ibrahim et les fleurs du Coran (El señor Ibrahim y las flores del Corán, 2003) e Inguélézi (Clandestino, 2004), que compitió en la Sección Oficial de San Sebastián de ese año, regresa ahora a la 61 edición del Festival con la adaptación de una de sus novelas protagonizada por Grégory Gadebois y Céline Sallette, dos prometedores actores galos.

 

MI ALMA POR TI CURADA/MON ÁME PER TOI GUÉRIE****

Título original:  Mon áme per toi guérie. Director: François Dupeyron. Guión: François Dupeyron. Intérpretes: Grégory Gadebois, Céline Sallette, Jean-Pierre Darroussin, Marie Payen, Philippe Rebbot. Montaje: Dominique Faysse. Fotografía: Yves Angelo. Producción: Alfama Films. Paulo Branco. País: Francia. Duración: 124 min.

SOSHITE CHICHI NI NARU / LIKE FATHER, LIKE SON

SOSHITE CHICHI NI NARU / LIKE FATHER, LIKE SON****

Una película que deja en evidencia qué es ser padre y madre. ¿Sólo la sangre? ¿La convivencia, el roce, el afecto? ¿Qué son los hijos, mera prolongación de lo que nosotros somos, de nuestro status, de nuestras carencias, o sujetos individuales que sienten y padecen? El director nipón Hirokazu Kore-Eda retoma las vivencias de la infancia y de la paternidad con una película de nuevo magistral, que merece premio como lo mereció hace dos años Kiseki/I wish (2011).

Ryota (Masaharu Fukuyama) ha conseguido todo lo que tiene gracias al trabajo duro y cree que nada puede detenerlo en su camino por conseguir una vida perfecta y ser un ganador. Pero un día él y su mujer Midori (Machiko Ono) reciben una llamada inesperada del hospital. Su hijo de 6 años, Keira, no es su hijo, ya que el hospital les entregó un bebé equivocado. Tendrán que conocer después de muchas pruebas a la familia que recibió al bebé de su sangre y decidir unos y otros qué hacer con unos niños "intercambiados", depurar responsabilidades, etc. 

                   Masaharu Fukuyama

El mazazo de dolor desencadena la tragedia y de nuevo las preguntas por la identidad del hijo y de los padres. ¿Qué es ser hijo? ¿Qué es ser padre o madre? Tanto Ryota y Midori como el otro matrimonio, de familia numerosa, otra formación, otros intereses, se verán obligados a tomar una decisión que cambiará sus vidas: elegir entre el hijo natural o el que ha criado.

Hirokazu Kore-Eda (Tokio, 1962) es uno de los nombres más prestigiosos del cine nipón actual desde que su primera película, Maboroshi no Hikari (Maboroshi, 1995), fuera galardonada en Venecia. Otras cintas suyas, como Distance (2001) o Dare mo shiranai (Nadie sabe, 2004), fueron presentadas en Cannes. Cuatro de sus películas han competido en el Festival de San Sebastián: Wandâfuru raifu (After Life, 1998), Hana yorimo Naho (Hana, 2006), Aruitemo, aruitemo (Still Walking, 2008) y Kiseki (I Wish, 2011), que obtuvo el Premio del Jurado al Mejor Guión. Like Father, Like Son ganó el Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 2013.

SOSHITE CHICHI NI NARU / LIKE FATHER, LIKE SON****

Tìtulo original: Soschite chichi ni naru. Director: Hirokazu Kore-Eda. Guión: Hirokazu Kore-Eda. Intèrpretes: Masaharu Fukuyama, Machiko Ono, Yoko Maki, Lily Franky. Fotografìa: Mikiya Takimoto. Montaje: Hirokazu Kore-eda. Producciòn: Fuji Television Network, Inc./Amuse Inc./Gaga Corporation. Kaoru Matsuzaki, Hijiri Taguchi. Paìs: Japòn. Duraciòn: 120 min.

LA MIRADA DEL AMOR/THE FACE OF LOVE

LA MIRADA DEL AMOR/THE FACE OF LOVE****

Una aguda mirada a la ausencia y la pérdida, donde la necesidad de recuperar a alguien que ya no está se hace real. El director israelí Arie Posin reúne a dos veteranos de la interpretación para acercarse a un amor en la madurez de la vida: nada menos que a Ed Harris y Annette Bening, que sostienen la película hecha de puros primeros planos, expresividad y diálogos, y con Robin Williams esta vez con papel secundario. 

Cinco años después de perder el amor de su vida, Nikki (Annette Bening) se enamora de nuevo a primera vista: Tom (Ed Harris) es el hombre de sus sueños, un atractivo profesor de arte con un gran corazón, un amor que defenderá de cualquier amenaza, incluso de sus más cercanos, y al que se aferrará porque la herida del pasado no está cerrada.

                     Annette Bening y Ed Harris

Una reflexión sobre cómo amamos, a quién queremos cuando queremos a alguien, y si sólo la necesidad hace el amor o pide ser de otra materia más alta y más profunda. Magnífica película y magníficas interpretaciones.

El director Arie Posin nació en Israel, donde vivió durante sus primeros años de vida antes de desplazarse a Canadá y posteriormente a Estados Unidos. Se graduó en la Universidad del Sur de California en 1993. Vivió en Irlanda, Israel, Francia y España antes de volver a Los Angeles, donde empezó a trabajar en una agencia de talentos. Después de dedicarse durante diez años a la escritura de guiones, dio el salto a la dirección con The Chumscrubber (Historia de un secuestro, 2005), cinta protagonizada por Jamie Bell, Glenn Close y Ralph Fiennes. The Face of Love ha sido presentada en el Festival de Toronto.

LA MIRADA DEL AMOR/THE FACE OF LOVE****

Tìtulo original: The face of Love. Director: Arie Posin. Guión: Matthew McDuffie, Arie Posin. Intérpretes: Annette Bening, Ed Harris, Robin Williams, Amy Brenneman. Producción: Mockingbird Pictures. Bonnie Curtis, Julie Lynn. Fotografía: Antonio Riestra. Montaje: Matt Maddox. Música: Marcelo Zarvos. Duración: 92 min. País: EE.UU.