DE LA RAPIÑA CONTEMPORÁNEA VISTA POR COSTA-GAVRAS

El director Costa-Gavras sigue siendo un activista nato. Desde su cine político y social, nos tiene acostumbrados a la denuncia de las cosas que no van, aunque sean especialmente graves y procelosas: ya lo hizo en Missing (Desaparecido, 1982), Palma de Oro en Cannes y Oscar al Mejor Guión, o en Music Box (La caja de música, 1989), Oso de Oro en Berlín 1990, por ejemplo, recriminando montajes y crímenes que no pueden quedar en la impunidad. 

               

Esta vez lo ha vuelto a hacer, añadiendo al relato un sarcasmo notable, que hace que la bofetada sea aún más sonora.

Le Capital cuenta una historia real y sangrante del ascenso de un banquero joven, que por enfermedad grave del Presidente, ha de ocupar su lugar. Costa-Gavras ha creado un personaje que se desdobla imaginariamente, para reventar el montaje que se ha ceñido contra él designándole como “presidente de paja” de un gran grupo bancario francés, el Phoenix, con capital y accionistas norteamericanos mayoritariamente, lo que también ofrece a Gavras una ocasión perfecta de crítica incluída a la presión de las finanzas salvajes de EE.UU. sobre todo el sistema europeo.

La película narra el imparable ascenso de Marc Tourneuil (espléndido el actor Gad Elmaleh, acostumbrado a papeles cómicos, en este caso resulta de un cinismo y una ironía notables en su seriedad y su sarcasmo), un prescindible operario del Capital que se convierte en su indiscutible amo y señor, porque sabe cómo funciona el sistema corrupto desde principio a fin. En palabras del director: "Somos esclavos del Capital. Nos tambaleamos cuando se tambalea. Nos regocijamos cuando crece y triunfa. ¿Quién nos liberará? ¿Deberíamos liberarnos nosotros? Deberíamos conocer al menos a los que lo sirven y cómo lo hacen".

El análisis de Gavras pretende hacer ver, retratar y describir al banquero como “el Robin Hood que roba a los pobres para dárselo a los ricos”, o poner en boca de un familiar de Marc Tourneil la frase más demoledora y real que hemos oído en estos momentos de crisis económica brutal: "fastidian de manera triple al ciudadano": engañándole en la Bolsa, abusando de él como cliente en las sucursales y presionando a los Gobiernos para que paguen sus deudas con dinero público. Pero su postura no es ni negativa ni positiva, y eso es lo que hace al filme más explosivo. Tourneuil lo sabe, y lleva una vida paradójicamente de dispendio y abuso, para salvarse únicamente él al final. Y lo peor es que ha tenido en su mano la honestidad de denunciarlo públicamente, tener fama una semana y después desaparecer en la vorágine de las cosas que no cambian. Y decide que seguirá como Presidente de Phoenix. Tremenda radiografía.

Costa-Gavras afirmó en la rueda de prensa posterior al estreno de la película en el 60 Festival de Cine de San Sebastián: “Los políticos han creado Europa como si se tratara de un supermercado, solo pensando en el aspecto económico y sin tener en cuenta lo social”. Una espeluznante crítica a la “rapacidad” que ha dominado y domina en mundo de las finanzas, y de la errática e injusta deriva de los bancos, que han perdido la razón por la que fueron creados.

EL CAPITAL****

Título original: Le capital. Director: Costa-Gavras. Guión: Costa-Gavras, Jean-Claude Grumberg, Karim Boukercha. Intérpretes: Gad Elmaleh, Gabriel Byrne, Natacha Regnier, Céline Sallette, Liya Kebede, Hyppolite Girardot, Daniel Mesguich, Bernard Le Coq. Producción: Michele Ray-Gavras (KG Productions), France 2 Cinéma. Fotografía: Eric Gautier. Montaje: Yannick Kergoat, Yorgos Lamprinos. Música: Armand Amar. Género: Drama. Crítica político-social. Duración: 114 min. País: Francia. Público: Adultos.

Constantin Costa-Gavras nace en Grecia en 1933, estudió Literatura en La Sorbona y Cinematografía en el IDHEC (Institut des hautes études cinématographiques). Tras graduarse, decide quedarse en Francia. Su filmografía incluye: Z (1969), Premio Especial del Jurado en Cannes y dos nominaciones al Oscar, État de siège (Estado de sitio, 1972), Missing (Desaparecido, 1982), Palma de Oro en Cannes y Oscar al Mejor Guión, Music Box (La caja de música, 1989), Oso de Oro en Berlín 1990, Amen (Amén, 2002), premio César al mejor guión, Le couperet (Arcadia, 2005) y Eden à l'Ouest (2009).

OSEA QUE TAMBIÉN BOSTEZAS

                                         Leonardo da Vinci


Algo tan cotidiano para cualquier humano como un bostezo. También bosteza un feto. Algo que suele ser señal de sueño, de aburrimiento, pero también de tranquilidad. Ahora los científicos han visto que el feto también bosteza y que eso es una buena señal, un síntoma de buena salud. Se trataría de un proceso de desarrollo humano -no reptil o de otra especie- que podría dar a los médicos otro índice de salud. ¡Si lo hubiera sabido el gran Leonardo!

Pero los fetos no bostezan por contagio ni por sueño. Desde hace tiempo, la ciencia médica se preguntaba si los fetos bostezaban o si solo se trataba de una apertura bucal.

Un equipo de investigadores de las Universidades de Durham y Lancaster (Reino Unido) asegura haber comprobado que los fetos bostezan dentro del útero. A la cabeza Nadja Reissland,
del Departamento de Psicología de la Universidad de Durham.
Según Reissland, "a diferencia de nosotros, los fetos no bostezan por contagio ni por sueño, sino que la frecuencia de los bostezos en el útero puede estar relacionada con la maduración temprana del cerebro en la gestación".

La doctora concretó que teniendo en cuenta que la frecuencia de bostezos en la muestra de fetos sanos se redujo desde las 28 semanas a 36 semanas de gestación, parece que el bostezo y la apertura bucal también están relacionados con la maduración de la gestación, por ejemplo del sistema nervioso central. Una personita que bosteza, una personita ya.Lo han publicado en la revista Plos One, afirmando que se distingue claramente el bostezo, del no bostezo o la boca abierta, y lo han hecho centrándose en la duración de la apertura de la boca. Los investigadores analizaron las secuencias de vídeo 4D de 15 fetos sanos (ocho femeninos y siete masculinos) de entre 24 semanas(168 días de vida) a 36 semanas(252 días de vida) de gestación.

Han examinado de cerca todos los acontecimientos del embarazo en un tramo de aftosa en el feto y han encontrado que más de la mitad de las aberturas de la boca observadas fueron bostezos, sin diferencias significativas entre niños y niñas en la frecuencia del bostezo.

AMOUR
de Michael Haneke

Un matrimonio de octogenarios, Anne (Emmanuelle Riva) y Georges (Jean-Louis Trintignant), cultos y refinados, son dos profesores de música clásica jubilados. Su hija también se dedica a la música y vive fuera de Francia con su familia. Tienen buena posición económica, intereses comunes y toda una vida juntos. Haneke va describiendo la relación de complicidad y entendimiento que tienen,  el ritmo acorde de compartir la vida durante ya más de cuarenta años.

Un día, Anne sufre un infarto y se le paraliza el lado izquierdo, deteriorándose día a día. Esto es algo inesperado y difícil para los dos. El oscarizado y superpremiado director Haneke nos muestra paso a paso y de forma minuciosa, la degradación de la enfermedad, el desconcierto de cada uno al enfrentarse al sufrimiento,  los cuidados continuos y la emocionante protección que Georges dispensa a Anne.

Una película de ritmo lento, casi real, como la vida, vamos sintiendo el peso de los días junto a Georges y Anne, su dolor, su pérdida, con un guión sin fisuras, bien llevado, administrando en el tiempo casi detenido conversaciones, temas de interés, visitas de personas, situaciones nuevas entre los dos. Sin forzar la lágrima o la tragedia, metiéndonos en la cotidianidad y en el cansancio de la situación. Los actores, Trintignant y Riva, magníficos, humanos, desoladores, irónicos, duros e ingenuos a la vez.

 

 

Pero esta película es de Haneke: fría, calculadora. Por una lado, junto a la espiritualidad y la estética a la que han dedicado su profesión, la música, no hay señal alguna de trascendencia, no hay ventanas abiertas para dar sentido al dolor, a la enfermedad, al deterioro. ¿por qué buscarlo? Porque lo tiene. Y quizá si Haneke hubiera contado la misma historia sin cerrar la ventana de la trascendencia, se hubiera contado una historia de amor de verdad hasta el final. La trascendencia no es sólo estética. La estética solamente no da sentido a todos los estadios de la vida, los más duros cuando llegan. La estética se puede convertir en cinismo estético.

Porque el desenlace desconcierta por completo: frente a la comprensión, humanidad y paciencia que muestra Georges, día a día, sin hacer mención a forzar el final, a la eutanasia, sin ninguna rebeldía frente a la situación en ningún momento, no acabamos de creernos ése final. ¿O es que Georges enloquece tras esos intensos meses de cuidado? ¿Es éso amor? No sé si esa reacción que es ruptura con su actitud y dedicación hacia su esposa hasta el final, es una manifestación racionalista y calculadora de la “cultura de la muerte” europea. Nadie espera ese final, pero es un final Haneke, es un final de la Europa muerta.

 

AMOR**

Título original: Amour. Director: Michael Haneke. Guión: Michael Haneke. Intérpretes: Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert, Alexandre Tharaud. Producción: Margaret Menegoz, Stefan Arndt, Veit Heiduschka, Michael Katz. Fotografía: Darius Khondji. Montaje: Monika Willi, Nadine Muse. Músiac: Alexandre Tharaud. País: FRANCIA-ALEMANIA-AUSTRIA. Duración: 127 min. Género: Drama. Público: Adultos.

Michael Haneke nace en Munich, 1942. Su película Das Weisse Band (La cinta blanca, 2009) obtuvo el Gran Premio FIPRESCI a la mejor película del año (entregado en el Festival de San Sebastián 2009), además de ganar la Palma de Oro y el Premio FIPRESCI del Festival de Cannes. Ha recibido además innumerables galardones, entre los que se encuentran el Premio al Mejor Director por Caché (Escondido, 2005) y el Gran Premio del Jurado por La pianiste (La pianista, 2001), ambos en Cannes, así como el FIPRESCI en varios festivales, ya desde la época de Benny’s Video (1992) y Funny Games (1997). Amour (Amor) ganó la Palma de Oro en la pasada edición del Festival de Cannes. Premios del Cine Europeo: Fuera de la Sección Oficial, el público concedió el Premio EFA (Academia Europea de Cine), a pesar de tener 6 nominaciones, incluído. mejor película, director y guión.

 

 

 

FOCO EN LO POSITIVO PARA SALIR DE LA CRISIS

Mira y toma nota

 

 

 

 

DE ARTE Y DE CINE
El artista y la modelo, de Fernando Trueba

 Una película de arte y de cine, del artista artesano, en la línea de El cuaderno de barro sobre el artista Barceló, o de películas sobre artistas y su obra, como la de Clouzot (1956) sobre Picasso en Le mystère Picasso, o la de Maybury (1998) sobre Francis Bacon Love is the devil. Trueba en esta ocasión revisita el blanco y negro, confiriéndole una fuerza plástica innegable, que le ha hecho ganar la Concha de Plata a la Mejor Dirección en el 60 Festival de Cine de San Sebastian.

En la Francia ocupada por los nazis de 1943, viven un viejo escultor y su esposa en un pequeño pueblo cercano a la frontera española. De esos pueblos que acogieron a tantos exiliados españoles, muchos de ellos catalanes por la proximidad de la frontera, y que hicieron gala de su generosidad.

El artista Marc Cros (Jean Rochefort), de 80 años, dejó de esculpir hace ya tiempo. Ha visto dos guerras y, desilusionado, no espera gran cosa de la vida y de la especie humana, es uno de estos artistas comprometidos y orgullosos con su propia idea de Dios, de las cosas y del mundo. Recuerda a los literatos Zweig, Calvino, o Marai, tan marcados por el pesismismo sobre el ser humano y tan severos con el arte y con ellos mismos, que les lleva a un terrible final. Un día su mujer, Léa (espléndida veterana Claudia Cardinale), recoge de la calle a una joven campesina española, Mercè (Aida Folch), que huye del ejército franquista, porque es conocedora de todos los pasos fronterizos, y se dedica a pasar gente de una frontera a otra.

Mercè es joven, vital, atrevida y bella. El matrimonio le ofrece a Mercè que viva en el taller del escultor y, mientras dure su estancia allí, que sea su modelo en la que será la última obra del viejo Cros. El artista se halla en plena crisis creativa, en la sequía de “la idea”, en la terrible depresión de la espera de la inspiración, que es tan intermitente, y que es una chispa divina, un regalo inesperado. La convencen porque no tiene nada que perder, y se acostumbra a posar desnuda para él. Poco a poco, nace una relación entre la joven que acaba de empezar a vivir y el artista que ve cercano su horizonte final. En el taller de la montaña, mientras trabajan, modelo y artista hablan de la vida y de la muerte.

El tratamiento de un tema frecuentado en el arte contemporáneo, lo aborda Trueba con delicadeza y a la vez con naturalismo: parece francés en esta película. La fotografía es magnífica y la elección del blanco y negro para el filme es todo un acierto, que matiza las escenas de desnudo, y le confiere dignidad y respeto. El contrapunto de humor lo da la siempre oportuna Chus Lampreave, en su papel de criada.

Fernando Trueba ha obtenido un Oscar (Belle Epoque, 1993), un Oso de Plata (El año de las luces, 1986) y varios premios Goya. Entre sus películas están Opera prima (1980), Mientras el cuerpo aguante (1982), Sal gorda (1983), Sé infiel y no mires con quién (1985), El sueño del mono loco (1989), Two Much (1995), La niña de tus ojos (1998), Calle 54 (2000), El embrujo de Shanghai (2002), El milagro de Candeal (2004), El baile de la Victoria (2009, en Sección Oficial del Festival de San Sebastián) y Chico y Rita (2010). Fundó la revista de cine Casablanca, es autor del Diccionario de Cine y editor del Diccionario del Jazz Latino. En su faceta de productor musical, ha ganado 8 premios Grammy.

FICHA TÉCNICA:
EL ARTISTA Y LA MODELO***

Título original: El artista y la modelo. Director: Fernando Trueba. Guión: Fernando Trueba, Jean-Claude Carrière. Intérpretes: Jean Rochefort, Aida Folch, Claudia Cardinale, Götz Otto, Chus Lampreave, Christian Sinniger, Martin Gamet, Mateo Deluz. Producción: Fernando Trueba P.C., S.A. Fotografía: Daniel Vilar. Montaje: Marta Velasco. Distribuidora: 6 Sales. Duración: 104 min. País: España. Público: Adultos

MI CASA DEL LECTOR
El hilo de Ariadna

La Casa del Lector es mi casa. Inaugurada el pasado miércoles 17 de octubre, no había podido visitar sus Naves en Matadero Madrid de Legazpi hasta ayer. Y se nota el placer de leer y el amor por los libros de Germán Sánchez Rupérez, promotor desde su Fundación de esta Casa. Y me he sentido en mi casa.

 

Una casa que muestra también textos, hipertextos, palabras fugaces como pájaros,alfabetos propios y comunes a través de El hilo de Ariadna, exposición organizada por Casa del Lector y Acción Cultural Española (AC/E) y comisariada por Francisco Jarauta.  Obras de Gema Álava, Theo Angelopoulos, Eugeni Bonet, Jorge Luis Borges, Constant, Julio Cortázar, Rosó Cusó, Daniel García Andújar, Adolph Gottlieb, Ramon Llull, Josué Moreno, Robert Morris, Antoni Muntadas, Jaume Plensa, Santiago Ramón y Cajal, Charles Sandison, Robert Smithson e Imogen Stidworthy.

 

Pero donde me he dejado envolver es aquí:

 

 

Magnífica obra de Charles Sandison donde las palabras te envuelven como vuelos de pájaro, fugaces, con inmensa capacidad de ser aprehendidas, interiorizadas, conocidas, y a la vez, viajeras.

 

La imagen del laberinto la llamó Borges “la opacidad del mundo”. El hilo de Ariadna es un recurso poético en esta exposición, que permite seguir tejiendo -ya en el espacio abierto- ese tapiz de formas y signos. La infinita capacidad humana de nombrar, de evocar, de llamar, de inventar...Esta exposición ofrece al espectador el posible viaje de los saberes a través de la lectura mostrando distintos laberintos y dibujando un recorrido desde el territorio del mito a las redes de comunicación actuales, pasando por otras formas como las estructuras biológicas creadas por la Naturaleza.

 

Asociar, juntar, yuxtaponer, borrar, comunicar... Antes y ahora, múltiples lecturas.

La exposición incluye obras que han sido concebidas específicamente para esta exposición como las de Daniel García Andújar, Antoni Muntadas, Imogen Stidworthy, Gema Álava, o una espectacular instalación interactiva sobre el laberinto de la Casa de Lucrecio en Pompeya.

 

Recomiendo ir con tiempo y despacio para saborear tu casa y mi casa.

Se puede visitar hasta el 17 de marzo de 2013 en los siguientes horarios:

Martes - Viernes de 17 a 21 h

Sábados de 11 a 15 h y de 17 a 21 h

Domingos y festivos de 11 a 15 h

Lunes cerrado

NO SALES EN LA FOTO

Una obra de Pieter Bruegel el Viejo (Breda 1525-Brabante 1569), Camino al Calvario (Museo Kunsthistorisches, Viena), inspira El molino y la cruz, película de gran potencia visual dirigida por Lech Majewski, que narra una historia de la Pasión de Cristo situada en Flandes bajo la ocupación española de 1564. Entre los personajes retratados se encuentra el propio Pieter Bruegel (interpretado por Rutger Hauer), su amigo y coleccionista de arte Nicholas Jonghelinck (Michael York) y la Virgen María (Charlotte Rampling).

Excelente fotografía, sobrecogedora luz, teatral puesta en escena, estupendos actores, reducida lectura. 

La película tiene todos los elementos para impactar, pero discrepo de la simpleza de una lectura dialéctica de la escena, por reduccionista. Majewski nos muestra dos mundos contrapuestos: el mundo del trabajo, del progreso y del dominio humano (el molino) y el mundo de la fe (la cruz), que en este caso es injustamente identificado con el inocente que muere a manos del imperialismo, la tiranía, la violencia, la injusticia simbolizada por los soldados de casacas rojas de Felipe II -el rey de la Contrarreforma católica-.

Desprestigio de la fe, giro de la mirada desde Cristo hacia Simón de Cirene, como centro de la interpretación reductiva de una magnífica obra de arte de Bruegel. Sinsentido de la fe. Y todo ello envuelto en el imperceptible manto de la estética flamenca más bella..., heredera de El Bosco, aunque más moderna y realista de concepción, más irónica, más alegre.

Me pregunto si durante veintiún siglos la inteligencia de los cristianos ha creído de forma tan reiterada e impune en un sinsentido,lo que demostraría cerebros castrados -contados por millones, durante siglos-, o si más bien estamos delante de una lectura reductiva de una obra de arte en términos de una dialéctica tan burda y tan antigua como la gnóstica, o tan simple como la de la rebeldía política contra el opresor.


La película El molino y la cruz se presentó ayer en la Semana de Cine Europeo de Mallorca, de Aquelarre Producciones.

Otras obras de Brueguel el Viejo:

La Torre de Babel, 1563

 

 

La caída de los ángeles rebeldes, 1562 (fragmento)