LA ISLA DE LAS MUJERES

En la tradición y la mitología de la isla de Cerdeña en el siglo pasado, prima una sociedad matriarcal, donde conviven el cristianismo y la espiritualidad pagana ancestral. Un relato de la realizadora Marisa Vallone sobre el miedo y la superstición que dominan la vida de Fidela, quien nace séptima después de otras seis niñas y se convierte, a su pesar, en la bruja del pueblo quien no puede tener contacto con hombres y por lo tanto no puede tener hijos, pero ayuda a otras mujeres a darlos a luz. 

Cuando ya ha decidido aceptar su destino, el párroco del pueblo le confía a Bastiana, también nacida como séptima hija. Fidela descubre la alegría de sentirse madre, pero mientras tanto debe seguir manteniendo su papel en la sociedad tradicional donde rebelarse es imposible y al mismo tiempo ayudar a su hermana Marianna, que no puede cumplir su sueño de ser madre.

Un cuento visual, lleno de realismo mágico, contado a través de la naturaleza, los colores contrapuestos, la vegetación, el paisaje, los trajes y el folklore coral sardo, en la Cerdeña más rural y atávica. Hasta aquí podría resultar interesante La Isla de las Mujeres.

Pero se vuelve inconexa y sincrética, excesivamente naturalista e irreverente en alguno de los pasajes, con personajes tangenciales poco dibujados y de largo metraje que hace que se pierda el interés.

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=F651-pSwVfA

 

EL AMOR DE ANDREA***

Andrea, una joven de 15 años, quiere recuperar el amor de su padre, que desapareció de su vida cuando se divorció de su madre. Andrea recuerda a un padre amoroso y no puede entender por qué ahora no quiere ver a sus hijos. Tomás y Fidel, sus dos hermanos pequeños, son sus compañeros infatigables en esta aventura que habla de amor, familia y desencanto.

Este drama esperanzado y luminoso sobre la paternidad ha recibido premios a la mejor dirección (Manuel Martín Cuenca) y al mejor guion (Manuel Martín Cuenca y Lola Mayo)en el Festival Black Nights 2023 de Tallin (Estonia). Rodada hace un año en la Bahía de Cádiz, está ambientada en la ciudad y la mayoría de sus actores son gaditanos debutantes: Lupe Mateo, Fidel Sierra, Cayetano Rodríguez Anglada, Agustín Domínguez, Jesús Ortiz, Irka Lugo.

Andrea (Lupe Mateo) es una chica genial y normal, que desafía la situación; una chica que lee libros, que tiene sus amigos, su bicicleta, la playa, que redacta un diario en el que posiblemente no escriba grandes cosas... Es una chica de verdad. Es una pequeña heroína que tiene en sus dos hermanos, los niños, dos escuderos. Ver pasear, jugar, comer, charlar, mirar a los niños es pura transparencia. Andrea sufre con la separación de sus padres al ver cómo se enredan en batallas y guerras sin darse cuenta de que los hijos se percatan de todo y lo sienten como verdadero drama, con una emoción más limpia y pura que la de los adultos.

La película plantea abiertamente las últimas generaciones de hombres algo desconcertados y perdidos desde los 60, educados en el machismo, en un mundo en el que había unos roles muy claros para cada uno, y con el reto hoy de reaprender muchas cosas, un reto difícil pero también muy rico. El padre es un retrato de la incapacidad, siendo un buen tipo; pero con sus bloqueos emocionales. Su guerra con la mujer lo ha confundido y ha llevado su guerra hasta los hijos.

Martín Cuenca no hace una película oscura, y precisamente es eso lo que más engancha. Andrea tiene a los hermanos y al amigo, y todo se limita a su obsesión por recuperar el trato con el padre y al enfrentamiento con la madre. Y todo esto contado en Cádiz, y en otoño, sin dejar de contar el juego y la vida. El director en esta ocasión intenta no repetirse, encontrar su voz y seguir buscando: “yo no soy la misma persona que hace 30 años, ¿cómo va a ser igual mi cine? No reniego de lo que he hecho antes, pero sí creo que las películas tienen que reflejar tu evolución. El amor de Andrea es mi película más personal. Podía haber elegido a Antonio de la Torre para que hiciera del padre, pero me gustaba este proyecto con rostros anónimos”.

La banda sonora original de la película corre a cargo de Vetusta Morla, en la que es ya la segunda colaboración de la reconocida banda de rock madrileña con el director tras el film La Hija, y realmente se goza, junto a las imágenes de Cádiz, que se te meten en el alma.

La película se grabó entre 2021 y 2022 sin aparataje, con luz natural, cronológicamente, para poder seguir el orden de la historia,con palabras de Martín Cuenca “y sin que ninguno de los intérpretes conociera el guión realmente, el final de la película. Había escenas en que los actores controlaban lo que tenían que decir, pero desconocían la réplica que les iban a dar... El rodaje me permitió ir viendo la manera de trabajar de cada uno e ir afinando el guión para sacarles partido, reescribí la segunda parte a partir de ahí”. Esta apertura, dejando que entre el azar y la vida en la película, le otorga un sabor especial.

Manuel Martín Cuenca, tras varios cortometrajes y documentales, ha hecho tres películas: La flaqueza del bolchevique (con dos nominaciones a los Goya), Malas temporadas, La mitad de Óscar, Caníbal (con ocho nominaciones a los Goya), El autor (con dos premios Goya y Gran Premio FIPRESCI de la Crítica en el Festival de Toronto), y La Hija(nominada a dos premios Goya).

El amor de Andrea es una producción de La Loma Blanca PC, Lazona, Nephilim y El amor de Andrea AIE, en coproducción con Alebrije Cine y Video, con la participación de RTVE y Canal Sur Radio y TV y financiación de ICAA-Gobierno de España, así como el apoyo de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales y el patrocinio de la Diputación Provincial de Cádiz.

LA ISLA ROJA***

Entre 1971 y 72, el pequeño Thomas vive bajo el mando colonial francés en Madagascar en una de las bases aéreas de su ejército, donde las familias de los militares viven los últimos coletazos del colonialismo. Es un niño de 8 y 9 años durante ese tiempo, que está muy influenciado por la lectura de los relatos de la intrépida heroína Fantomette, y observa con fascinación todo cuanto le rodea mientras el mundo se abre gradualmente a otra realidad.

El director y guionista Robin Campillo se asoma a la mirada de un niño imaginativo y sensible que, vive fascinado en un lugar como la llamada “Isla Roja” con sus padres Robert y Colette y sus dos hermanos. Madagascar, aunque ya declarado país independiente, intenta desligarse de la presencia y la influencia francesa. El desmantelamiento de la base militar parece inminente.

Resulta interesante el acercamiento a la vida cotidiana de una base militar colonial, conviviendo entre distintas familias, lo que va bien y lo que va mal, sus pareceres acerca del destino, su forma de amarse, su cultura, sus dudas acerca de su regreso a Francia, y el futuro que les espera, etc. Gran parte de la trama proviene de la mirada del pequeño Thomas, que quisiera mirar sin ser visto y ver lo que nadie ve, como su heroína infantil. Su lectura y perplejidad del mundo de los adultos, a quienes observa ocultamente con curiosidad, sus historias románticas, su modo de relacionarse, de perder y de ganar, de conversar, de sufrir. Esa mirada infantil es la protagonista del relato cuando, a la realidad de la isla se unen con su desbordante imaginación los magníficos insertos de las aventuras de Fantômette, la “wonder girl” de los comics juveniles creada por Georges Chaulet y que el pequeño lee -algo así como un trasunto de todas nuestras infancias- con especial devoción.

Esos pocos años transcurridos en la “Isla Roja”, que marcarán de por vida a sus protagonistas, sirven de espejo del final de un lugar diverso y bello, de una época, idílica para unos y dolorosa para otros. Porque lo que sucede más allá del recinto militar, es la lucha por la independencia definitiva de Madagascar de facto, lo que retrata también la huella de una ocupación colonialista, y sus situaciones de injusticia y tensiones sociales propias de un país en busca de su liberación.

Madagascar tuvo su primer asentamiento humano en torno al siglo IV, aunque sin pruebas de presencia humana antes del siglo I de nuestra era. Curiosamente, a pesar de que la distancia entre Madagascar y el punto más cercano de África es de 416 km (cerca de Lumbo, en Mozambique) y que la distancia al punto más cercano de Indonesia (en la isla de Siberut) es de más de 5500 km, Madagascar fue colonizado por los indonesios antes que por los africanos. Predominan los rasgos asiáticos, costumbres típicas del sureste de Asia y una lengua del tronco malayo-polinesio entre la población.

Después de haber sido colonia portuguesa, fue saqueada por piratas, convertida en isla-prisión y sometida al comercio de esclavos, para finalmente ser colonia francesa hasta su independencia en 1960 y su liberación completa de la presencia francesa en 1972.

Muy bien cuidada la estética y la luz de época, destaca entre el reparto la presencia del español Quim Gutierrez en el papel del padre de familia y de la actriz en alza Nadia Tereszkiewicz, como esposa y madre de Thomas. 

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=1OX8-uNIWdQ

SOUNDS OF FREEDOM*****

Tim Ballard (Jim Caviezel) trabaja como agente especial para el gobierno de los Estados Unidos. Como parte del Departamento de Seguridad Nacional, se centra en la ciberdelincuencia contra menores víctimas de delitos sexuales. Se ocupa desde la trata de seres humanos al turismo sexual. Con su experiencia, Ballard ha conseguido infiltrarse y desmantelar decenas de organizaciones delictivas que secuestraban a niños y los obligaban a prostituirse. Sin embargo, su mayor esfuerzo y contribución a la lucha contra la delincuencia comienza con la fundación de Operation Underground Railroad (conocida por las siglas OUR): una organización sin ánimo de lucro que ayuda a gobiernos de todo el mundo a rescatar a víctimas del tráfico sexual.

Basada en la historia real de Tim Ballard, un ex Agente de Seguridad Nacional de Estados Unidos que dejó su trabajo para dedicar su vida, sumergiéndose en el submundo del tráfico de personas a lo largo de Latinoamérica, a intentar salvar las vidas de cientos de niños.

El mundo de la abyección y del mal más profundo y oscuro, el abuso sexual de menores, la compra-venta de niños y niñas, el entramado creado y silenciado a nivel mundial para su esclavitud sexual y explotación…La profanación de lo más sagrado e inocente. La sentencia cantada y repetida tan cierta "Los hijos de Dios no están en venta".

Un tema evitado habitualmente en el cine, se propone en las carteleras de cine mundiales con el método “boca a boca” y llega a número 1 en EE.UU y en otros países como Finlandia, México, Colombia, etc. Una película necesaria, producida por un equipo dirigido por Eduardo Verástegui además de alentada comercialmente por Mel Gibson y dirigida por Alejandro Monteverde. Está protagonizada por Jim Caviezel, Bill Camp, Mira Sorvino, Kurt Fuller, Gary Barasaba, Eduardo Verastegui, Scott Haze, Javier Godino, José Zúñiga, Gustavo Sánchez Parra, Manny Pérez, Yessica Borroto, James Quattrocci, Cristal Aparicio, Gerardo Taracena, entre otros.

Se narra especialmente la búsqueda denodada y arriesgada de dos hermanos hondureños, Miguel y Rocío, secuestrados y trasladados a Colombia y de allí vendidos a diferentes partes del mundo gracias a la red de tráfico y extorsión sexual de menores que se extiende en Estados Unidos, Asia, América Latina y Europa. Un gran drama tratado como thriller que pone de relieve la pedofilia como delito de lesa humanidad, y que logra sensibilizar a lo largo de sus 135 minutos de metraje.

La película gana con la presencia de Jim Caviezel, Bill Camp, Kurt Fuller y Mira Sorvino. Vale la pena verla, invitar a muchos y difundir su contenido hasta que de la vuelta al mundo.

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=UwSBQWI-bek

CERRAR LOS OJOS*****

Un célebre actor español, Julio Arenas, desaparece durante el rodaje de una película. Aunque nunca se llega a encontrar su cadáver, la policía concluye que ha sufrido un accidente al borde del mar. Muchos años después, esta suerte de misterio vuelve a la actualidad a raíz de un programa de televisión que pretende evocar la figura del actor, ofreciendo como primicia imágenes de las últimas escenas en que participó, rodadas por el que fue su íntimo amigo, el director Mikel Garay.

La película dentro de la película del director Mikel Garay se titula “La mirada del adiós”, y la que ahora presenta Víctor Erice “Cerrar los ojos”. La nostalgia y la memoria como eje conductor de su último largometraje, que son capaces de recuperar a la vida algo que fue tan real como lo protagonizado. La dependencia memoria-identidad, tan necesaria en la vida humana, de la sociedad, de la historia y de las cosas.

La nostalgia del cine, tal y como lo crearon los Lumiere. La nostalgia de las salas de cine como único lugar para ser sentido y vivido. La nostalgia de lo amado. La nostalgia de lo vivido. La nostalgia de lo que se fue. La nostalgia de lo creado. La nostalgia de lo protagonizado. La nostalgia de los antiguos actores. Y al anhelo de encontrar el alma, la consciencia.

Desde su magnífico cortometraje Alumbramiento (2002), el episodio Vidrios rotos, parte de un film rodado con Pedro Costa, Manoel de Oliveira y Aki Käurismaki (2012); su fresca correspondencia con el excelso Abbas Kiarostami, y alguna videoinstalación confirman que el director Erice no ha detenido su actividad. 

Cerrar los ojos comienza en Francia, en una villa llamada Triste le Roi. Un adinerado judío, a punto de morir, pide a un personaje tan misterioso como él que vaya a buscar a su hija, que está en Shanghái; no puede cerrar los ojos a este mundo ver una vez más los de ella, a fin de que le recuerden quién es en realidad. Erice realiza en 169 minutos un tratado de metafísica de la mirada, en relación con la memoria y la identidad. La primera secuencia -cuyo contraluz inicial recuerda a El espíritu de la colmena (1973)- pertenece a otro film inconcluso, del director y escritor Garay (Manolo Solo); último plano que interpretase el actor desaparecido Julio Arenas (José Coronado). Otra evidencia y recuerdo del proyecto truncado de Erice de adaptar El embrujo de Shanghái de Juan Marsé (recuerdo leer con fuición el guión hecho libro en La promesa de Shanghái). Y la idea que rezuma todo de refulgir con mayor esplendor ante el fracaso aparente. Convertir la falta y lo imperfecto en un bien aún mayor, conseguir que lo inconcluso cierre su peculiar círculo.

Tras esa primera secuencia aparece Garay, el director convertido en detective en busca de su amigo y actor Julio Arenas, de la misma forma que el personaje debía buscar a la hija desaparecida del magnate sefardí en el film sin terminar. Sus investigaciones son la excusa para una serie de encuentros: con Ana (Ana Torrent), la hija de Arenas; con Max (Mario Pardo), de profesión cinéfilo existencial; con Lola (Soledad Villamil), antiguo amor compartido de los amigos Julio y Miguel; con sus vecinos del pequeño camping andaluz junto al mar en el que vive, con Belén (María León), sanitaria del asilo de monjas regentado por sor Consuelo (Petra Martínez), y finalmente con Gardel, ese personaje entrañable y trágico que custodia, inconsciente, lo que queda de Julio Arenas. Una antigua sala de cine, donde se visiona la última secuencia de la película de Garay, como en Ordet (1955) de Dreyer tendrá la clave.

De no perderse el homenaje a Rio Bravo con la canción "My Rifle, my pony, and Me" a pelo del gran Manolo Solo, que interpreta a Mikel Garay en la película.

La película de Erice, larga, poética, pausada, tiene un gusto estético muy cuidado, un guion escrito con pausa y conciencia, preocupado por abordar de forma sencilla los grandes temas existenciales, y un gran elenco. Mikel Garay, Julio Arenas, Max, Ana Arenas...Todos interpretados por actores memorables, como memorable es y será esta película.  

“De entre las múltiples lecturas que puede suscitar una obra tan profundamente poética, tan rica y polisémica, Rubén de la Prida propone la hipótesis de que el personaje de Julio Arenas sea trasunto del mismo cine; el cine como espectáculo del pueblo, el cine como arte inefable. El cine como lo concibe Max, que se queja de la imagen digital en su diálogo con Miguel, mientras rebusca entre las latas de celuloide los rollos de la película inconclusa de este. No es, por ello, baladí, que Julio desaparezca en aquellos años 90 en los que el vídeo obligó a cerrar tantísimas salas, ni que un director al modo de Erice como es Garay se haga en su búsqueda, por si el recuerdo de lo que fue consigue resucitarlo, por si el esplendor de una sala polvorienta obra el prodigio de traerlo de vuelta. Desde esta perspectiva, la oda al cine que es sin duda Cerrar los ojos adquiere un carácter elegíaco, convirtiéndose en cierto modo en un sonoro réquiem de la misma obra de Erice y del medio que la sustenta. Y, al mismo tiempo, es señal de la vitalidad de ambos, de su subsistencia indoblegable”. 

 JEANNE DU BARRY

Jeanne, una joven de clase trabajadora hambrienta de cultura y consciente de su vitalidad y hermosura, usa su inteligencia y encanto para subir los peldaños de la escala social. Se convierte en la favorita del rey Luis XV, que, desconociendo su condición de cortesana, recupera a través de ella su apetito por la vida. Se enamoran perdidamente y, contra todo decoro y etiqueta, Jeanne se muda a Versalles, donde su llegada escandaliza a la corte. Será la última amante oficial de Luis XV.

Maïwenn Aurélia Nedjma Le Besco, actriz, guionista y directora de cine francesa, con nombre artístico de Maïwenn, quería desde hace tiempo dirigir una película sobre Madame du Barry desde 2006, después de ver la película de Sofía Coppola de María Antonieta. Atraída por el personaje de Madame du Barry, interpretada en la película de Coppola por Asia Argento, empezó a leer biografías sobre ella. De 2006-2016, Maïwenn jugó con la idea de dirigir algún día alguna cuya protagonista fuera Madame du Barry, pero todavía estaba insegura al temer no ser capaz de realizar una película histórica comparable a otras realizadas sobre el tema.​ Después de ver muchas películas de época, como Barry Lindon, de Stanley Kubrick, María Antonieta de Sofia Coppola y La muerte de Luis XIV de Albert Serra, comenzó a crear el esquema de su propia película, llegando a la conclusión de que las tres tienen en común la cantidad mínima de diálogos.

Jeanne fue presentada ante la corte de Versalles el 22 de abril de 1769, ocasión largamente esperada por la multitud agolpada a las puertas del palacio y por los cortesanos reunidos en la Galería de los Espejos. En las descripciones de corte se habla de ella llevando un vestido blanco plateado brocado con oro, encargado por Richelieu específicamente para ella. Del mismo modo, apareció ante la corte engalanada con joyas enviadas por el rey la noche anterior, portando además un gran tontillo o armazón interior para llevar las faldas, muy ala moda de la época, junto a un elaborado peinado. Jeanne du Barry se habituó al lujo, a los regalos del rey (desde joyas a un criado bantú, Zamor). Entre las intrigas de la corte se recuerda la problemática relación con la futura esposa del Delfín y reina, María Antonieta.

Con Johny Depp en el papel de Luis XV, la película gana tantos por su expresividad y capacidad camaleónica para transformarse en un personaje, y el hecho de que Depp actuara por primera vez en francés. Maïwenn (Madame du Barry) y Benjamin Lavernhe (como Jean-Benjamin de La Borde, el premier valet de la chambre del rey), o el sobrino del Duque de Richelieu, el poderoso Duque de Aiguillon (Pascal Greggory), le acompañan con talento.

El retrato de la corte francesa es acertado, las facciones, los rumores, el arribismo y las disputas. También el retrato del degrado moral, del cristiano sinvergüenza consciente de que lo es, y que se arrepiente y pide confesión, renunciando al escándalo. Los verdaderos apoyos del rey, sus leales y los que no; los celos entre sus hijas y las crisis existenciales por las que atraviesan los personajes son verosímiles y bien tratadas.

Se trata de una buena película clásica y a la vez muy contemporánea, una historia de corte y amor trágicos, filmada en varios castillos de Francia y en el estudio, recién presentada en el Festival de Cannes 2023.

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=mRD-AfnolL8

BASTARDEN/THE PROMISE LAND (FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN SSIFF 71)****

En 1755, el capitán Ludvig Kahlen (Mads Mikkelsen), que vive en la residencia de veteranos del Ejército, se dispone a conquistar los duros e inhóspitos páramos inundados de tierra yerma daneses de Jutlandia, con un objetivo aparentemente imposible: crear una colonia en nombre del rey. A cambio, recibirá un título real que anhela con desesperación. Sin embargo, el único gobernante de la zona, el despiadado y arrogante Frederik De Schinkel, cree que esa tierra le pertenece. 

El capitán Ludvig Kahlen quiere a toda costa seguir la llamada del rey para cultivar la tierra y conseguir así riqueza y honor para sí mismo. Arcel dibuja un relato de Kahlen como alguien marcado por la superación de su propia historia de hijo bastardo de un gran señor, abandonado a su suerte, que se repite en muchas vidas en esa época, por el estilo dominador, abusador y violento de los señores propietarios daneses en el siglo XVIII.

Cuando De Schinkel se percata de que su criada Ann Barbara (Amanda Collin) y su marido han escapado para refugiarse con Kahlen, el privilegiado y rencoroso gobernante jura venganza y promete hacer todo lo que esté a su alcance para ahuyentar al capitán de su intento. Pero Kahlen no se deja intimidar y emprende una batalla tan desigual que pondrá en riesgo no solo su vida, sino también a la familia de personas marginadas que se ha formado a su alrededor.

El capitán Kahlen, con su carácter denodado y persistente, se ha ganado el peor enemigo, despiadado y caprichoso, el terrateniente Frederik De Schinkel, único gobernante de la zona, cree que el brezal le pertenece a él y no al rey. Pero a pesar de todo, no se doblega, sino que emprende obstinadamente la desigual batalla y ahora arriesga tanto su vida como el vínculo con la pequeña y problemática familia que ha surgido a su alrededor en el brezal.

Una película de drama histórico épico con un protagonista de lujo con Mads Mikkelsen, que acaba descubriendo poco a poco cómo su individualista propósito cambiará radicalmente cuando aparecen otras personas implicadas y descubre que la pertenencia y el apego personal conmueven y remueven completamente su perspectiva vital.

Se trata de una película dirigida por Nikolaj Arcel y escrita por el propio director Arcel y Anders Thomas Jensen. Protagonizada por Mads Mikkelsen, Amanda Collin y Simon Bennebjerg, junto a Kristine Kujath Thorp, Gustav Lindh, Jakob Lohmann, Morten Hee Andersen, Magnus Krepper y Felix Kramer.​ Está basada en el libro The Captain and Ann Barbara de Ida Jessen.

La fotografía y la música son magníficas, logrando acentuar la dureza de la tierra y del clima, el trabajo persistente y un resentimiento latente que lo tiñe todo.

DISPARARON AL PIANISTA/THEY SHOT THE PIANO PLAYER (FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIAN, SSIFF 71)*****

Un periodista musical de Nueva York comienza una trepidante investigación detrás de la misteriosa desaparición del pianista brasileño, Tenorio Jr, habitual de Vinicius de Moraes, entre otros. Este thriller de animación al ritmo de jazz y bossa-nova supone un punto de inflexión justo antes de que el continente latinoamericano fuera envuelto por regímenes totalitarios.

El tándem Fernando Trueba-Javier Mariscal vuelven a aliarse para hablar de música e indagar sobre músicos, una pasión contagiada del uno para el otro y viceversa. Quince años de investigación y de recopilación de entrevistas que también ve la luz con un libro del mismo título. La pulsión de un piano originalísimo que podría haber revolucionado la música brasileña de los años 70, junto a la pulsión del color y del dibujo, y del guión.

Tenorio Jr. es otro de los hallazgos de este documental animado, todo un delirio de música, color, trazo y una investigación sobre el genial y prístino pianista desaparecido en la execrable operación Cóndor, nombre que se le dio al terrorismo de Estado en Argentina. Un flechazo por la bossa nova y un obituario por el que muere injusta y violentamente, con la etiqueta de “desaparecido”, que se ve con avidez, con voces inolvidables como la de Jeff Goldblum como el periodista de Nueva York que indaga en Tenorio Jr , recuperación de audios y videos históricos de contemporáneos del músico y con testimonios actuales de sus coetáneos. Hay más de 150 horas de documentación grabada que forma parte del guión y del material que se entregó al diseñador Javier Mariscal para que lo convirtiera en dibujo para la animación posterior.

Según Trueba, hacer una historia en animación en vez de con actores “realmente no lo planeé. Chico y Rita sí, por la amistad con Mariscal y por pasarlo bien, meter a Bebo, hacer una cosa de música. Y esta surge por haber descubierto las ventajas que tiene la animación para ciertas cosas y darme cuenta de que a esta historia lo que le convenía es la animación porque la hacía más rica: podía ver a Tenorio vivo de joven y aquellos bares donde nace la bossa nova y de samba jazz que ya no existen, como tantas cosas bonitas que se van cerrando y desapareciendo. Y me animé tanto que acabé reviviendo hasta a Bebo Valdés”.

Con música nada más y nada menos que de Joao Gilberto, Carlos Jobim, Vinicius de Moraes, Gaetano Veloso, Milton Nascimento, Gilberto Gil, Pablo Moura, Toquinho, Mutinho. Y con recuerdos al cine dentro del cine, la nouvelle vague, Truffaut, la ESMA argentina, las dictaduras…una película homenaje y memoria que trasluce lo bien que se o han pasado Trueba y Mariscal, además de legarnos un testimonio único que se disfruta casi como los que lo han recreado.

EL NIÑO Y LA GARZA/KIMITACHI WA DO IKIRUKA (PREMIO DONOSTIA SSIFF 71)

Un joven llamado Mahito, que añora a su madre, se aventura en un mundo compartido por los vivos y los muertos. Allí, la muerte llega a su fin y la vida encuentra un nuevo comienzo. Una fantasía semiautobiográfica sobre la vida, la muerte y la creación, en homenaje a la amistad, de la mente de Hayao Miyazaki.

Parece que, a sus 82 años, llega el adiós de Mizayaki (aunque tiene otra película en ciernes). El chico y la garza es otra de las muestras de su cosmogonía anárquica, trágica y especial.

Una vida dentro de la vida, un viaje a través de su peculiar espejo lleno de referencias culturales japonesas, que tanto seguidores tiene en todo el mundo. La vida que sueño, la vida que vivo y cómo la vivo. Una película de animación del estudio Ghibli, fundado por Hayao Miyazaki, que sigue siendo artesano, empresario y genio del cine, pionero del cine de animación y 'padre' de Totoro, Mononoke y Chihiro.

Se publica también un nuevo libro a modo de ayuda para desentrañar su proceso creativo y las claves de su éxito mundial. Ganador de dos Oscar, uno de ellos honorífico, del Oso de oro de Berlín y del León de Oro a toda su carrera en Venecia.

El universo del manga, son historietas fantásticas y caóticas en las que se refugió durante una niñez particularmente difícil, postrado en cama durante largas temporadas debido a una grave enfermedad. Afirma Mizayaki: «Me enamoré por primera vez del anime cuando vi La leyenda de la serpiente blanca. Todavía recuerdo la sensación de angustia que sentí ante la increíble belleza de la joven protagonista femenina y cuánto deseé ver la película una y otra vez».

Su particular estética mezcla el hiperrealismo en los escenarios y el diseño de los personajes humanos con el derroche de imaginación de criaturas y seres fantásticos. Sus personajes están marcados por emociones y pérdidas, por anhelos y búsquedas. «El animador debe crear una mentira que parezca real para que los espectadores piensen que un mundo dibujado podría existir», dejó escrito en 1979.

Más allá de los colores, los trazos y el trasfondo fantástico de la mayoría de sus películas, las constantes creativas de Miyazaki se mantienen inalteradas en el tiempo. A lo largo de 124 minutos, vuelve a trazarnos un nudo dentro de muchos nudos, con un sentido de interconexión de los mundos reales e irreales, lleno de fantasía desbordante: «Las películas fáciles de entender son aburridas, las tramas lógicas sacrifican la creatividad», e invita a sumergirse en un mundo de cuento y leyenda, de personajes y animales antropomórficos interminable.

Como niños ávidos de historias de ficción, nos lleva de la mano a su cosmovisión donde se dan la mano la ecología, otros mundos posibles, la lucha entre el bien y el mal.

Para los seguidores de Mizayaki, una película imperdible; para los que lo descubren por primera vez, su fantasía te atrapa como un imán.

LA SOCIEDAD DE LA NIEVE*****(FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÄN SSIFF 71)

En 1972, el vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya, fletado para llevar a un equipo de rugby a Chile, se estrelló en el corazón de los Andes. Solo 29 de sus 45 pasajeros sobrevivieron al accidente. Atrapados en uno de los entornos más hostiles e inaccesibles del planeta, deberán recurrir a medidas extremas para seguir vivos.

Juan Antonio Bayona se hace cada vez más y más grande. Lo es por acercarse a las historias de supervivencia en Lo Imposible y ahora en La sociedad de la nieve, y lo es porque su cine es valiente para atreverse a narrar la carne, la sangre, la conciencia herida, la fe, las dudas, las lágrimas, la risa y los sollozos de esos pasajeros. En 144 minutos. Y se entiende que vaya a representar a España en la próxima edición de los Oscars.

A pesar de que ya conocemos el suceso y hemos visto la película Viven donde se narra la tragedia, consigue acercarnos al palimpsesto de emociones detalladas que compuso el puzle encadenado de dificultades y peligros ingentes de pasar aislados, heridos y sin fuerzas en mitad de la nada en una cumbre de los Andes, entre Chile y Argentina. Esta vez se basa en el relato de Paolo Vierci titulado "La sociedad de la nieve", al igual que el filme.

Se merecían estos 29 que reviviéramos y sintiéramos su tragedia en una película larga y blanca, emocionante y negra como lo que vivieron. La iniciativa final de sumarse al viaje de Numa, su conciencia, su ira creativa que empuja a querer sobrevivir a otros, su heroísmo y la clave de “dar la vida por sus amigos”, una máxima del propio Jesucristo que llevó hasta el extremo y que guía silenciosamente esta película magnífica y aterradora, que conmueve porque nos retrata a todos.

Magníficos actores, guión muy consistente, los efectos especiales apabullantes.

Y Gustavo Cervino, y Roberto, y los hermanos Strauch….qué gente tan maravillosa y llena de vida y de ansia de sobrevivir, que lograron constituir unos lazos más allá de la tristeza, de la tragedia, de la fe sometida a unas pruebas extremas y de la muerte.

En San Sebastián está Juan Antonio Bayona, Gustavo Cervino (uno de los supervivientes reales) y el actor que da vida a Numa, Enzo Vogrincic, que borda su papel, lleno de una integridad y consistencia maravillosas. Qué cerca estaba Dios de cada uno y qué grandes esos héroes cada uno a su modo, en esa tragedia gélida y blanca.

Larga vida a esta película impactante y larga, que es la mirada enciclopédica sobre las emociones y el día a día del accidente del vuelo 571 de la Fuerza Uruguaya.

Para no perdérsela.

Trailer: https://youtu.be/bTTueL7eRuY

 

FALLEN LEAVES**** (FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÄN (SSIFF 71)

La historia de dos personas solitarias que se encuentran por casualidad en la noche de Helsinki e intentan encontrar el primer, único y último amor de sus vidas. Su camino hacia esta honrosa meta se ve empañado por el alcoholismo del hombre, números de teléfono perdidos y la tendencia general de la vida a poner obstáculos en el camino de quienes buscan su felicidad.

Aki Kaurismaki fascina por su ironía, simplicidad y universalidad de sus personajes. No son una mujer y un hombre de Helsinki, sino cualquier persona agotada por la monotonía y la soledad de sus vidas.

El universo de color, de luz, de minimalismo, de anticipar sonidos sin que veamos las escenas para sorprendernos y llevarnos de la mano a su personal modo de ver la vida. Una marca fílmica de la casa Kaurismaki que encanta cuando retrata la vida cotidiana, la de todos los días. Los códigos cromáticos calientes o fríos según el momento y el personaje, los guiños de amor al cine, las elipsis, el retrato del mundo del trabajo obrero y del alma humana sin meterse en jardines, esencialista.

Fallen Leaves es una historia de amor llena de anhelos y emoción, una historia de amor grandiosa e ingenua, llena de ternura.

Envuelven las escenas las versiones finlandesas de canciones de los 70 y 80, que se entremezclan con los móviles de finales de los 90 y 2000, en un intento genial de descontextualizar el momento.

En el Festival de Cannes recibió el Premio del Jurado y el tercer premio de FIPRESCI, y en SSIFF de San Sebastián en su edición 71 seguramente recibirá premio, aunque sólo sea por las carcajadas que nos arrancó a todos en su estreno.

 EL ZORRO***1/2

Basada en la historia real del soldado Franz Streitberger, bisabuelo de Adrian Goiginger, director de la película. Tiene la frescura de un relato atesorado en familia y el realismo de la cruda verdad. 

Franz Streitberger fue el pequeño de una familia numerosa de granjeros de las montañas de Pinzgau, Austria. Su infancia fue muy dura debido a la pobreza y a la dolorosa decisión de sus padres -al no poder mantenerlo- de que creciera en una casa de acogida. Quedó marcado de por vida por este trauma desde los siete años. Con su familia adoptiva, donde aprende a leer y a escribir, estuvo hasta los 18 años cuando dejó de tener la obligación de permanecer bajo el cuidado de sus tutores y decide unirse al ejército austriaco con la finalidad de obtener un trabajo seguro como funcionario.

Por desgracia, al poco tiempo Austria se anexiona al Imperio Alemán y entra en guerra. Franz se convierte -forzado por las circunstancias- en un soldado austriaco que cumple la función de mensajero en moto del tercer Reich durante la Segunda Guerra Mundial. El sin sentido de la guerra, el miedo y la dureza de la vida militar es para él un dolor continuo. Un día, el joven soldado encuentra un cachorro de zorro solitario y malherido en el campo de batalla y decide cuidarlo, ofreciéndole el hogar que él nunca tuvo. Desde ese momento ambos se hacen inseparables y Franz, arriesga hasta su vida por el pequeño animal, y el zorro, que podría escapar en cualquier momento, decide quedarse a su lado.

En la película, de magnífica fotografía, con ritmo lento y contemplativo, se nos muestra al zorro como a Franz de niño, solo e indefenso; y al propio Franz, más mayor e introvertido, como la familia y el hogar, que responde de diferente manera a como lo vivió él en su infancia. Lo lleva consigo a la Francia ocupada, y a través de esta amistad única, su propio pasado como hijo de un granjero pobre y sus enseñanzas para la vida lo alcanzan lentamente. 

El bisabuelo de Goiginger pudo contarlo, y se convierte en el relato más increíble de emoción contenida en medio de una de las guerras más lacerantes del siglo XX.

El zorro tiene 5 Nominaciones a los Austrian Film Awards 2023 (Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz Secundaria, Mejor Actor y Mejor Maquillaje).

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=Ub84FKqn3WI

HOURIA (LIBERTAD)

Houria (Lyna Khoudri) es una joven, apasionada y bella bailarina de Argelia. Para luchar por sus sueños y conseguir algo de dinero, participa en apuestas clandestinas. Pero una noche, tras haber ganado una fortuna, es atacada. Tras este inesperado acontecimiento, su mundo cambiará para siempre.

Como para Simbad(marinero de Bagdad que vive durante el Califato abasí, protagonista del cuento tradicional árabe originario del Medio Oriente), “por cada muerte hay una vida”. Tras las primeras consecuencias del ataque y de su trauma, parece que ha muerto en su interior, pero aprende que no es el final del viaje, sino el comienzo de una nueva vida.

Todo se le hace cuesta arriba, la rehabilitación, el silencio. Va abriéndose a otras personas que también sufren, o que se han quedado sin habla después de terribles sucesos. Va retrocediendo hacia su genuino horizonte de vida, y en sus sueños, al mirar lo que otros sienten y sus heridas.

La danza volverá a canalizar su energía y sus ganas de vivir, entendiendo el sentido de lo que le ha pasado, porque todo sucede por una razón y le hace reflexionar sobre su vida. El hilo de lo emocional pasa por la amistad, la naturaleza, el mar, la música (Felicitá, Casta Diva, Gloria…), ser feliz aunque se sufra.

Pero retrata también muy bien la situación de muchos argelinos, los absueltos de terrorismo que vuelven sin cumplir penas a la vida normal, la impotencia de no poder crecer en tu tierra, el drama y los peligros de la emigración como única salida.

La escena coral “bailando por la esperanza, bailando por la vida” cierra con broche de oro la conquista de la libertad de Houria.

Una gran película, sugerente y diferente a la vez, de Mounia Meddour, que nos muestra un viaje por los anhelos de mujeres argelinas, un viaje que trasciende de manera poética los sufrimientos, y que atesora energía para seguir adelante apoyadas unas en otras.

Tailer: https://www.youtube.com/watch?v=9uMiqPVkZ2s

LA PECERA

Buena. Adultos.

Primer largometraje escrito y dirigido por Glorimar Marrero Sánchez, llega a las salas de cine después de participar en las secciones oficiales del Festival de Cine de Sundance, el Festival de Cine de Göteborg y el Festival de Málaga.

Noelia, una artista visual puertorriqueña de 40 años, descubre que tiene metástasis tras pasar varios años en remisión de su cáncer. Estar en la flor de la vida e interiorizar el dolor, los tratamientos y la espada de Damocles. “La pecera” relata de forma conmovedora y en primera persona -y primeros planos-, la enfermedad terminal de una mujer, a quién da vida una actriz con talento, Isel Rodríguez (Picando Alante, 2022), que decide volver a la isla caribeña de su infancia, Vieques, tras rechazar el tratamiento de la enfermedad que padece.

Decidir regresar a Vieques, la pequeña isla caribeña al este de Puerto Rico donde creció y donde vive su madre, Flora, es querer regresar a su origen. A sus aguas celestes, a los olores de la comida de siempre, al abrazo de su madre, a los amigos. Una vez allí, mantiene en secreto el estado de su salud para poder vivir con la libertad que ha perdido debido a su enfermedad y reencontrarse con cosas esenciales. Reconecta con la belleza de su tierra y con su comunidad, pero también se involucra con un grupo ambientalista que denuncia la contaminación dejada por el ejército estadounidense tras años de prácticas militares en la isla, buscando sentirse útil hasta el final.

Allí, se encuentra con la dura realidad sanitaria, ambiental y cultural a la que se siguen enfrentando su madre y amigos desde que la Marina de Guerra de EE.UU. realizó prácticas militares. Una película intimista, dolorosa y llena de un realismo mágico tan reconocible como el forjado en las tierras latinoamericanas.

Completan el reparto Modesto Lacén, Magali Carrasquillo y Maximiliano Rivas.

“La pecera” ha recibido el Premio Guión Inédito del Festival de Cine Latinoamericano 2017, Tribeca Film Institute Latin America Fund Grant 2018, y Premio EAVE en el MAFIZ del Festival Internacional de Cine de Málaga 2018.

Se trata de un proyecto de cine coproducido por la empresa puertorriqueña Canica y la empresa española Solita Films, en asociación con GILL Engineering Group, PJ Gaffers Camera and Lighting, Filmes Zapatero y The Pimienta Film Co. Financiado por el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales, el Ayuntamiento de Madrid, el Programa Ibermedia, el Departamento de Desarrollo Económico y Comercio de Puerto Rico a través del Programa de Desarrollo de la Industria Cinematográfica y la participación de RTVE.

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=DOi2dTGZ2zw

SCARLET (L'ENVOL)

Muy buena

Todos los públicos.

Juliette creció sola con su padre Raphaël en el norte de Normandía, a la vuelta de la Primera Guerra Mundial. Nació mientras él combatía en las trincheras y encuentra que su esposa Marie murió. La niña, apasionada por el canto y la música, conoce un verano a una bruja que le promete que unas velas escarlatas algún día la sacarán de su pueblo. Juliette nunca dejó de creer en esta profecía.

Un pequeño cuento mágico, un cuento de hadas de estética impecable y añeja. Los atavismos y rencillas, las venganzas soterradas, hacen que vivan marginados por el resto del pueblo, pero se apoyarán mutuamente con los lazos fuertes del cariño. Él ahora se dedica a trabajar la madera con enorme talento, con verdadero don. Raphaël cuida con ayuda de Madame Adeline, una valiente y generosa viuda, a su hija hasta que crece y se convierte en una mujer con sus propios deseos.

La frase del escritor ruso Aleksandr Grin “cualquiera puede hacer milagros con sus propias manos” impregna este pequeño gran cuento, desde las creaciones de juguetes de madera de Raphaël, hasta su gran obra. No dejar de soñar como motor que impulsa la vida lograda, buscar el aprendizaje y nuevos retos, son los pequeños mensajes de este cuento mágico-lírico que se disfruta de principio a fin.

Después de Martín Edén, que adaptaba la novela de Jack London, el realizador italiano Pietro Marcello inspira a su manera el relato infantil titulado “El velero rojo”, de Grin. La película se hace grande con su tono poético, que visita también el género musical con las canciones que entona Scarlet. La película está rodada con un estilo de documental, con luz natural y en 16 mm, donde de hecho se entremezclan imágenes reales del fin de la guerra, de los exiliados, de la posguerra.

Magnífica la Juliette crecida interpretada por Juliette Jouan, así como Raphaël su padre, el actor Raphaël Thiéry, que borda su personaje, además de conmover.

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=-Tw8mcUSqAU

LA INSPIRACIÓN. EL GRAN PIRANDELLO

Luigi Pirandello (1867-1936), el gran escritor italiano, vivió en una época histórica convulsa, entre el Risorgimento italiano y el partido fascista de Mussolini, viviendo en Sicilia, Palermo Bonn y Roma. Así queda reflejado en su novela Los viejos y los jóvenes, que Pirandello definía como "la muy amarga y poblada novela de Sicilia en 1870, en la que está encerrado el drama de mi generación". Algo que generó una forma de ver la vida, de hablar, de sentir, llena de extrañeza y decepción.

La inspiración. El gran Pirandello es la nueva colaboración entre el director Roberto Andò y el prestigioso actor Toni Servillo (La Gran Belleza). Una nueva comedia de personajes históricos que revisita con humor y brillantez la cooperación entre dos actores de teatro amateur y el afamado maestro dramaturgo Luigi Pirandello.

Durante un viaje a Sicilia en 1920, Luigi Pirandello conoce a Onofrio Principato y Sebastiano Vella, dos actores que ensayan un nuevo espectáculo con su grupo de teatro amateur. Este encuentro trae grandes sorpresas, y se convierte en el hilo narrativo de la película.

El escritor que recibió el Premio Nobel en 1934, fue novelista, poeta y dramaturgo. En el título italiano de la cinta, (La estrannezza), se contiene la sensación que debió provocar en el año 1920 la obra Seis personajes en busca de autor. Enmarcada dentro del “teatro de lo absurdo”, destila un concepto de ser humano como contradictorio y complejo.

La extrañeza. Uno, nessuno, centomila. Ficción y verdad, ideales y realidad, drama y comedia. Fluir, nada es para siempre. Su propuesta y la de Andó está al límite de lo real y lo ficticio. Un logradísimo acercamiento a la psicología de los personajes, como en la obra titulada El difunto Matías Pascual (1926), inspirada en el desastre sucedido en la mina de azufre de su padre y en los problemas económicos derivados del accidente. La obra supuso un tipo de relato en el que lo fundamental era también la psicología. Cuenta la historia de un hombre que se hace pasar por muerto con la intención rehacer su vida. Al final acaba por volver con su antigua familia y vive una existencia marginal y más triste aún que la que había dejado. 

Sicilia y Roma. Actores amateurs y profesionales, dentro y fuera de la escena. Desde 1919, los problemas mentales de la esposa de Pirandello por la ruina en el negocio de minas de azufre, se habían agravado de tal manera que Pirandello se vio obligado a ingresarla en un sanatorio mental a pesar de que él creía que aún era capaz de cuidarla en su casa. María Antonietta pasó el resto de su vida en el sanatorio (donde moriría el 20 de diciembre de 1959). En 1921, Pirandello estrenaría una de sus obras más famosas, Seis personajes en busca de autor, y que tuvo tanto defensores como detractores.

En esta ocasión, la comedia resulta ser el ángulo del relato, interpretado por dos actores de reparto como son Luigi Lo Cascio (El traidor) y Salvatore Ficarra, que dan vida a los a los “amateurs profesionales” con los que Pirandello inicia un nuevo y original proyecto.

Luigi Pirandello, más adelante en el tiempo, se afilia al partido fascista en 1924, fecha en la que ya había logrado fama internacional, y como coronamiento fue nombrado Académico de Italia en 1929, y en 1934 recibió el Premio Nobel de Literatura. El escritor declaró públicamente su respaldo a la anexión de Abisinia por parte de Italia, y como muestra de su apoyo a la causa entregaría la medalla que acompañaba a la concesión del Premio Nobel al gobierno fascista para que la fundiera y con las ganancias contribuyera a financiar la campaña de Abisinia. Pero al final, Pirandello no pudo evitar mantener varios desencuentros con algunos líderes fascistas del partido, por lo que acabaría rompiendo el carné y afirmaría: "Soy apolítico, solo soy un hombre en el mundo". A partir de entonces, el escritor estaría constantemente bajo el vigilante punto de mira de la OVRA, la policía secreta fascista. Todo un personaje, con múltiples facetas, que supo crear una escritura y dramaturgia a la altura de un Nóbel.

La tercera película en la que Roberto Andó hace de Toni Servillo el centro de disfrute interpretativo principal. Actor y director trabajaron juntos por primera vez en Viva la libertad (2013). Tres años más tarde volverían a coincidir en Las confesiones (2016), un thriller político con Servillo interpretando a un monje al que el director del FMI le confiesa un terrible secreto justo antes de ser asesinado.

https://www.youtube.com/watch?v=qQ52-OtYFnE

LAS PAREDES HABLAN****

Carlos Saura visualiza una suerte de puente histórico continuo entre muros y paredes en el mundo de la representación artística. Y de tal forma la personaliza que ejerce de entrevistador en esta ocasión, transitando otro género y otro formato.

Los muros de las cuevas paleolíticas de Lascaux, Chauvet, Altamira, Tito Bustillo, pintadas entre los 36.000 y los 15.000 años…y los muros del movimiento grafitero desde los ochenta hasta nuestros días.

Echo de menos aquí al Saura que hacía hablar a las imágenes, la luz, la fotografía, los encuadres, la escenografía…en Bodas de sangre, Amor brujo, Flamenco, Tango, Iberia, Goya en Burdeos…

Aún así Las paredes hablan es un documental muy interesante, que propone el hilo conductor del origen del arte como la consciencia de sí mismo del artista, el afán de trascendencia, la expresión, el grito, la mímesis, lo simbólico, la magia y el rito.

Saura entrevistador de grandes investigadores del arte rupestre como Pedro Saura junto con la fallecida Matilde Múzquiz (gran amiga y con la que trabajé diversos proyectos), y Juan Luis Arsuaga (Atapuerca); y también grandes artistas en búsqueda permanente del gesto, de la textura, de la materia, como es Miquel Barceló, que vuelve y revisita continuamente lo más esencial y lo más originario.

Y Saura que se acerca a descubrir qué es el el grafitti y artistas urbanos y graffiteros: Suso 33, Zeta, Musa71, Cuco, Galleta María, ADN Andrea, Mowcka, etc. Los pigmentos, el significado, las imágenes. Y siempre la mano, la firma, que deja constancia: “yo estuve aquí”.

De las paredes humectantes de las cuevas rupestres pintadas por el ser humano con consciencia…a las paredes hirientes de las ciudades cuyos autores tienen su consciencia e identidad y la expresan en grito, el baile, como otra manera de “estar dentro” de lo que expresan.

 

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=ZlYFgPfzYyQ