LA BANDA PICASSO, DE FERNANDO COLOMO


París, 1911. El Paris-Journal informa: La Gioconda desaparece del Louvre. La prensa habla de una banda internacional llegada a Francia para desvalijar los museos. La noticia le llega a Pablo Picasso y Georges Braque en Cèret -donde investigan y profundizan de la mano en el cubismo análitico y sintético-, en compañía de Manolo Hugué y Fernande Olivier, la amante de Pablo. 

  La magnífica película de Fernando Colomo recrea el París de la efervescencia creativa, de la conjunción de tantos genios en una única meca: París. Desde finales del siglo XIX han ido llegando muchos artistas españoles en busca de inspiración, de modernidad y vanguardia. El Salón de los Independientes reúne a los grandes artistas y atrae a grandes mecenas y coleccionistas. Pablo Picasso, el joven español que lleva afincado en París desde 1902 de forma estable, ha sabido lo que es empezar sin nada, visitar cafés, tugurios y bohemia. Pero en 1911 ya va siendo un reconocido pintor que rivaliza con Matisse y se reta con él. Ya ha pintado en 1907 “Las señoritas de Avignon” aunque no se lo ha enseñado a casi nadie, y cuando lo enseñó le tacharon de brutal y estafador, o se rieron de él a sus anchas.

Picasso vive y trabaja rodeado de sus amigos: Guillaume Apollinaire, de origen polaco, literato, traductor, crítico e introductor de Picasso ante los grandes coleccionistas de entonces en París como Leo y Gertrud Stein; Manolo Hugué, otro español y escultor, biografiado con maestría por el gran Josep Pla en Vida de Manolo, quien le descubre las cabezas ibéricas del Louvre, y un atlético joven a quien llaman «el Barón», belga e inspirador de una de las obras de Apollinaire,"Las aventuras del Barón d'Ormessan", por su vida errática y disoluta. También está Max Jacob, poeta, artista y místico, George Braque, pintor francés que se disputa el origen del cubismo con Picasso, Marie Laurencin, pintora joven que será apoyada por Apollinaire y Fernande Olivier, la amante de Picasso. La apodada “banda Picasso” se reunía en el Bateau-Lavoir, antiguo almacén de pianos donde muchos artistas que empezaban tenían sus casas-estudio.


La noticia que en primera plana muestra el Paris-Journal "LA GIOCONDA HA SIDO ROBADA DEL LOUVRE", viene acompañada de un telegrama en clave que les llega a Cèret, firmado por su amigo Guillaume Apollinaire, que les inquieta profundamente: "EL BARÓN HA ROBADO EL CORAZÓN DE LA MADONNA ¡VOLVED!". Y vuelven Picasso y Fernande atropelladamente a Paris por la noticia.
 
Fernando Colomo ha realizado una película coral, de grupo, impregnada de una ironía suave, que está basada en la historia real del robo de La Gioconda del Museo del Louvre en 1911. A raíz de aquel hecho, Pablo Picasso y Guillaume Apollinaire fueron detenidos, interrogados y acusados de cometer el delito. Pablo recuerda cómo Guillaume (magnífica la interpretación de Pierre Bénézit!) le había presentado al Barón y que, al enterarse de su fascinación por unas estatuas ibéricas, decide robarlas del Louvre y vendérselas a un precio ridículo. Aquellas estatuas fueron cuatro años antes la inspiración del primer cuadro cubista, Las señoritas de Avignon.

En la estación le está esperando un enloquecido Guillaume que le cuenta cómo el Barón, animado por el éxito de su anterior robo de las estatuas, ha decidido robar algo más: La Gioconda, por ejemplo. La prensa habla de una "Banda internacional llegada a Francia para desvalijar nuestros museos".

Apollinaire fue llevado a la prisión de La Santé, donde permaneció una semana a la espera del juicio que le otorgaría la libertad condicional. Su nombre apareció repetidamente en todos los diarios y fue sometido a escarnio público por su condición de extranjero, crítico y poeta. Picasso, sin embargo, fue inmediatamente puesto en libertad y nadie citó este incidente en su biografía hasta muchos años después.

Picasso llegaría a ser el personaje más famoso del siglo XX. La documentación sobre estos hechos es escasa y contradictoria, y ha fascinado a Fernando Colomo, que ya lo estaba por los grandes artistas españoles exiliados en París, pero no pretendía hacer un biopic, en esta película que hace el número 20 de su filmografía y con el que celebra -a lo grande- su 50 aniversario detrás de la cámara. Colomo ha conseguido una película deliciosa, una comedia con tensión dramática de una narrativa y potencia visual sencilla, que recrea la eclosión de varios artistas memorables de la cultura española de todos los tiempos, con enredo y con guiños históricos y de ficción, que se ve con orgullo por el talento español.

LA BANDA PICASSO****
http://www.labandapicassolapelicula.com/index.html

EL FRAUDE: CÓMO SE FABRICA UN CORRUPTO


Un corrupto tiene su génesis. En un momento dado, comienzan las componendas, las mentiras y las miserias encadenadas. En "El fraude" (Arbitrage), tenemos por fin una película con multitud de preguntas éticas valientes. Varios relatos se entrecruzan: un “patriarca” financiero que únicamente se mueve por la presión de hacer sobrevivir el éxito, su imagen de éxito ante todos, utilizando a las personas de forma execrable para salvar su imperio, su ego y su doble vida; y los relatos de la rebelión de las personas a las que va catapultando al infierno.

Robert Miller (Richard Gere) es un magnate neoyorquino con evidentes resonancias y referencias a Madoff, en un mundo que aunque sea doloroso -por fin- ha estallado el sistema de bluff y de corrupción generalizado que contamina las finanzas y las vidas de tantos. Al final, todo estalla porque nada encaja y se construye sobre el abuso. Miller, el día de la víspera de su 60 cumpleaños, parece el perfecto retrato del éxito americano en los negocios y en la vida familiar. Pero está con el agua al cuello, desesperado por completar la venta de su imperio a un gran banco antes de que quede expuesto un fraude -de 450 millones de dólares, nada más y nada menos- que ha cometido y que solo conocen tres o cuatro personas.  

 

 
El abismo llama al abismo. Los fraudes y componendas en su negocio y en su vida se multiplican. Luchando para esconder este secreto a su fiel mujer Ellen (Susan Sarandon) y a su brillante hija y heredera Brooke, Miller también está manteniendo un romance con una artista francesa, Julie Côte (Laetitia Casta). Justo cuando se dispone a deshacerse de su problemático imperio con engaño en auditorías, favores para hacer callar, órdagos a sus compradores, algo se le va de las manos. Ocurre “algo”, así: considerado como cosa, objeto, cuando es un homicidio. Gere expresa con convicción la tremenda angustia ante lo inesperado y descontrolado en un hombre experto hasta la exasperación en controlar absolutamente todo y habitualmente sometido a la presión de sus enjuagues mentales y de la construcción y reconstrucción de mentiras en todo lo que toca.

Se trata de un sangriento e inesperado error que le obliga a hacer malabares con la familia, los negocios y el crimen con la ayuda de Jimmy Grant, un fantasma de su pasado. En los peores momentos se reconoce la catadura moral y la consistencia humana y personal de alguien. Miller nunca se ha preguntado por la ética, la pregunta sobre si lo que puedo hacer lo debo hacer, simplemente no la conoce. Miller se ve obligado a enfrentarse a los límites de su doble y triple moral.

Los personajes cercanos a Miller demuestran tener distancia sobre las cosas que le importan a él, y emiten juicos certeros. Por muchos lazos familiares, personales, deudas del pasado, la verdad resplandece y ha de resplandecer a todos los niveles, por mucho o poco poder que tenga el que actúa.

Arbitrage (El fraude) es una gran película muy bien construida y magnífica dirección de actores, veteranos que brillan por sí mismos y han creído en la necesidad de mostrar esta historia de dilemas éticos. El director Jarecki es un joven con talento y con mucha vida por delante, supone el debut en el largometraje de ficción del que saltó a la fama gracias a su libro Breaking In: How 20 Film Directors Got Their Start, un best-seller publicado en 2002. Ha dirigido también el documental The Outsider (2005), ha escrito la adaptación para la pantalla de la novela de Bret Easton Ellis The Informers (Los confidentes, 2008) y ha producido el documental de James Toback Tyson (2008), que obtuvo un Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes en 2008.

EL FRAUDE****

Título original: Arbitrage. Director: Nicholas Jarecki. Guión: Nicholas Jarecki. Producción: Laura Bickford, Kevin Turen, Justin Nappi. Fotografía: Yorick Le Saux. Montaje: Douglas Crise. Música: Cliff Martinez. Intérpretes: Richard Gere, Susan Sarandon, Tim Roth, Laetitia Casta, Brit Marling. Duración: 106 min. País: EE.UU. Género: Drama.

ARGO, PREMIO 70 GOLDEN GLOBES MEJOR PELÍCULA Y MEJOR DIRECTOR 

                                                 Ben Affleck como el exagente Tony Méndez


Argo es la tercera película como director de Ben Affleck, después de Gone Baby, Gone (Adiós pequeña, adiós, 2007) y The Town (Ciudad de ladrones, 2010). En su faceta de guionista, logró el Oscar y el Globo de Oro, ambos compartidos con Matt Damon, por Good Will Hunting (El indomable Will Hunting, 1997). Como actor, ganó la Copa Volpi en el Festival de Venecia de 2006 por Hollywoodland y ha cosechado buenas críticas y éxitos de taquilla en todos los papeles que ha interpretado. Esta noche ha ganado dos premios: Mejor Director y Mejor Actor en la 70 edición de los premios Golden Globes, compartiendo protagonismo con la adaptación al cine de "Los miserables".

Muchos dirán visitando el tópico que Argo es la típica película de cine americano, que quizá no hace resonar del todo acertadamente la novela de Dennis Lehane, y que además llega en un momento de recrudecimiento en las relaciones Irán- EE.UU, por la controversia de las armas nucleares, y la terrible represión a los disidentes en Irán. Pero se trata de una película con buen ritmo, bien rodada, que obviamente no ha sido rodada en tierra iraní por razones evidentes.

El 4 de noviembre de 1979, mientras la revolución iraní frente a los excesos del Sha –que acabó derrocado y exiliado a EE.UU- alcanzaba su punto álgido, algunos militantes irrumpieron en la embajada de Estados Unidos en Teherán y tomaron cincuenta y dos prisioneros estadounidenses. Sin embargo, en mitad del caos, seis de ellos logran escapar y encuentran refugio en casa del embajador canadiense. Sabiendo que es solo cuestión de tiempo que los encuentren y, muy probablemente, los maten, un especialista de la CIA en operaciones especiales llamado Tony Mendez urde un arriesgado plan para sacarlos del país de forma segura.

El plan consiste en idear una ficción. Cómo no, la fábrica de ficción por excelencia, el cine, va a servir de plan. Se trata de viajar a Teherán, en medio de ejecuciones y fusilamientos diarios, con una vigilancia brutal por parte de los militares que han accedido al poder, como productor falso de una película canadiense, para buscar localizaciones y ubicar el rodaje con seis actores falsos, que son los seis funcionarios y directivos de la Embajada americana que están recluídos en la de Canadá.

Increíble e inverosímil para el Estado Mayor USA, pero Tony Méndez (Ben Affleck) es el que de veras se lo cree y lo va a llevar a cabo. Acción trepidante, riesgos, contraórdenes y miedo, mucho miedo y adrenalina.Se percibe la producción de George Clooney en el tipo de historia filmada, en la preferencia por ciertos temas. Desplat contribuye al gran tono de la película con su música.

Magníficos los papeles de Goodman y Arkin, como jefazos de Hollywood, describiendo con sorna el ambiente del cine, pero plenamente involucrados en salvar seis vidas, creando una productora falsa, un cartel y material de promociones falso, una noticia-cobertura del rescate- falsa.

El ritmo de la película te mantiene en vilo hasta la última escena, el thriller se entremezcla con los excelentes gags de los guionistas de mentira, y la recreación de la historia es muy buena.


ARGO****
Título original: Argo. Director: Ben Affleck. Guión: Chris Terno. Intérpretes: Ben Affleck, John Goodman, Alan Arkin, Bryan Cranston. Producción: Grahan King, Grant Heslov, George Clooney. Fotografía: Rodrigo Prieto. Montaje: William Goldenberg. Música: Alexandre Desplat. País: EE.UU. Duración: 120 min. Productora: Warner Bros. Pictures. Género: Drama.

　
ACORDES Y DESACUERDOS DE WOODY ALLEN

Sorprende el estreno de un documental sobre Woody Allen con la aprobación de Woody Allen: o su temor a la muerte le hace querer inmortalizarse con urgencia -por si acaso- o es que el genio está aumentando o tal vez perdiendo sarcasmo sobre sí mismo. De todas formas siempre es divertido saber más de Woody Allen. Ver cómo guarda en papeles arrugados amarillos y amontonados sus ideas hasta que toman cuerpo, ver la máquina de escribir con la que empezó a los 15 años enviando 50 chistes diarios a los periódicos de mayor tirada de Nueva York, o conocer fragmentos de una entrevista con Charles H. Joffe, productor y estrecho colaborador de Allen hasta su muerte en 2008.

Saber de él desde su infancia y adolescencia, su odio a la escuela de Brooklyn, sus primeros trabajos profesionales, este documental repasa la larga trayectoria de Allen desde su labor como guionista y monologuista en programas de televisión durante los años 50 y 60, a sus primeros proyectos como director con Toma el dinero y corre (Take the Money and Run, 1969), Bananas (1971), El dormilón (Sleeper, 1973) y La última noche de Boris Grushenko (Love and Death, 1975), pasando por sus películas más admiradas y premiadas como Annie Hall (1977), Manhattan (1979), Zelig (1983), Broadway Danny Rose (1984), La rosa púrpura de El Cairo (Purple Rose of Cairo, 1985), Delitos y faltas (Crimes and Misdemeanors, 1989), Maridos y mujeres (Husbands & Wives, 1992), Balas sobre Broadway (Bullets Over Broadway, 1994) y Poderosa Afrodita (Mighty Aphrodite, 995), hasta su más reciente periplo europeo con Match Point (2005), Vicky Cristina Barcelona (2008) o Midnight in Paris (2011) y A Roma con amor (2012).

Robert Wiede, director de Woody Allen: el documental, ha sido ganador de un Emmy con una historia sobre Lenny Bruce, el genial cómico, con el que también consiguió una nominación al Óscar en el 2003. En esta ocasión ha tenido acceso total a Allen durante un año y medio, que ha aceptado por primera vez que una cámara documente el proceso creativo que construye cada una de sus películas, y a que retraten a Woody Allen escritor, director, actor, comediante y músico. No ahonda el documental en temas tan espinosos como la relación amorosa con su hijastra, Soon-yi, y la batalla legal de Mia Farrow contra él. De todas formas se te queda corto. El montaje original de tres horas era para la televisión pública americana, que ha quedado reducido a 112 min, pero arranca carcajadas como su cine, sobre todo cuando podemos ver sus tempranas apariciones en televisión como monologuista o cómico.
El documental cuenta con la participación de los actores Antonio Banderas, Josh Brolin, Penélope Cruz, John Cusack, Larry David, Seth Green, Mariel Hemingway, Scarlett Johansson, Julie Kavner, Diane Keaton, Martin Landau, Louise Lasser, Sean Penn, Tony Roberts, Chris Rock, Mira Sorvino, Naomi Watts, Dianne Wiest, y Owen Wilson; de sus colaboradores Marshall Brickman, Mickey Rose y Doug McGrath; de los directores de fotografía Gordon Willis y Vilmos Zsigmond; de su hermana y productora, Letty Aronson; de los productores Robert Greenhut y Stephen Tenenbaum; de sus representantes Jack Rollins y Charles H. Joffe; de su directora de casting Juliet Taylor; de su amigo Dick Cavett; y de Martin Scorsese, entre muchos otros.

Es francamente brillante cómo se va forjando el gran director de cine que empezó haciendo chistes de 140 palabras o simples gags cómicos, y comprobar que su cabeza es única y creativa. Cuenta las historias sobre los temas que le interesan de verdad. El genial director de joyas como Annie Hall o Manhattan ha dicho de sí mismo: «Yo no quería ser Bogart, tampoco quería ser John Wayne. Yo sólo quería ser el capullo de la clase, quería ser ese chico con gafas que nunca consigue a la chica, pero que es divertido y cae bien a todo el mundo».
Woody Allen en viñetas (Tusquets)

Casi simultáneo al documental de Wiede sale a la venta Ponte en lo peor. Ofrece una selección de las mejores viñetas que, a lo largo de nueve años, publicó el escritor y dibujante Stuart Hample en la tira cómica titulada Inside Woody Allen. Pone así al alcance de los lectores los episodios más brillantes y divertidos de la serie protagonizada por el polifacético Woody Allen, convertido aquí en personaje de cómic, con su particular y pesimista filosofía, sus neurosis galopantes y sus complejas relaciones con mujeres, parientes y... psicoanalistas. Más de trescientas tiras organizadas por temas y reproducidas en sus pruebas de imprenta originales, revela todos los matices del proceso de edición, desde los bocetos a lápiz hasta correcciones y enmiendas.

En el Prólogo, Hample confía a los lectores los secretos del proceso creativo y cómo concibió la idea de transformar a Woody Allen en protagonista de una viñeta. Así, relata por qué al principio decidió firmar con pseudónimo, en qué circunstancias conoció al cineasta y cómo ambos trabajaron codo con codo para conducir esa genial idea a buen puerto. Y, en busca de inspiración, Hample siguió atentamente la carrera de Allen desde 1976, año en que filmaba Annie Hall, hasta el estreno de Broadway Danny Rose, en 1984, un fructífero periodo que cambió la historia de la comedia cinematográfica moderna.

SPAIN IS DIFFERENT/ESPAÑA ES DIFERENTE
MARCA ESPAÑA

FORO DE MARCAS RENOMBRADAS ESPAÑOLAS

Míra y míranos

EL ARTE DE SUPERARSE EN CLAVE DE NIÑO
Dos historias: Bestias de los mares del sur y La vida de Pi

                                                                                 La pequeña Hushpuppy

Bestias de los Mares del Sur es una de las películas más profundamente humanas de la sección Zabaltegui Perlas en el 60 Festival de Cine de San Sebastián. Una historia de la relación de un padre con su hija, de iniciación a la dura vida y de supervivencia. La acción transcurre en una olvidada y resistente comunidad afincada en una zona pantanosa formada por los meandros del Mississippi, llamada “La Bañera”, apartada del mundo por un inmenso dique.

La pequeña Hushpuppy (gran descubrimiento la niña Quvenzhané Wallis), de seis años, está a punto de quedarse huérfana. Hace tiempo que su madre se fue del inhóspito y sin futuro territorio de La Bañera, y su adorado y bebedor padre también parece que está enfermo. Hushpuppy debe arreglárselas como puede en medio de la nada, rodeada de animales semisalvajes, inundaciones, tornados y miseria. Con sus seis años, tiene la imaginación, los miedos y las eternas preguntas de una niña de su edad. Percibe la naturaleza como una frágil red poblada de cosas que viven, respiran comen y beben, y que el universo depende de que todo encaje a la perfección. Su padre, analfabeto, sin embargo le enseña la autonomía y la fortaleza, “sé bestia”, que es el mejor legado para una niña en el mundo que le rodea. Hay algo en esta relación casi primitiva entre padre e hija que la hace plenamente humana. Cuando algo falla en su existencia ella siente que ha roto algo, en una inocencia que emociona.

La desproporción entre su edad, su vulnerabilidad y el mundo que le rodea, recuerda a “La potencia de uno” (1992), aquella película de Bryce Courteney. Cuando una tormenta eleva las aguas alrededor de su pueblo, su padre enferma de gravedad y Hushpuppy descubre que el orden natural que tanto ama está a punto de derrumbarse. Le aterra pensar que su padre va a morir y que se quedará sola; no entiende la enfermedad y se rebela. La Bañera es una zona peligrosa donde las autoridades de más allá del dique visitan en redadas para lograr que la población la abandone. En un intento desesperado por reparar la estructura del mundo, y así salvar a su padre y su hogar, esta diminuta heroína deberá aprender a sobrevivir a la catástrofe, madurando como un adulto y creciéndo hasta descubrir que ya no necesita ser cuidada por otros sino cuidar.

La fotografía es sobrecogedora, mostrando la naturaleza terrible e inhóspita; y la música es conmovedora y sublime, como la historia que relata Zeitlin. Una historia que vale la pena disfrutar hasta el final. El director, guionista y compositor Benh Zeitlin es uno de los miembros fundadores de la productora Court 13. Tiene en su haber cortometrajes premiados como Egg (2005), The Origins of Electricity (2006) y Glory at Sea (2008). Su primer largometraje, Beasts of the Southern Wild (Bestias del Sur salvaje), ha ganado el Gran Premio del Jurado en Sundance 2012, y la Cámara de Oro y el Premio FIPRESCI (Un Certain Regard) en Cannes 2012.

BESTIAS DE LOS MARES DEL SUR ****
Título original: Beasts of The Southern Wild. Director: Benh Zeitlin. Guión: Lucy Alibar, Benh Zeitlin, sobre argumento de Lucy Alibar. Intérpretes: Quvenzhané Wallis, Dwight Henry, Levy Easterly, Lowell Landes, Pamela Harper, Gina Montana. Fotografía: Ben Richardson. Montaje: Crockett Doob, Affonso Gonçalves. Música: Dan Romer, Benh Zeitlin. Producción: Philipp Engelhorn, Michael Raisler (Cinereach), Michael Gottwald, Josh Penn (Court 13), Paul Mezey (Journeyman Pictures). País: EE.UU.Duración: 92 min. Género: Drama. Público: Todos.
Y la otra historia, La vida de Pi

                 Pi Patel 
Necesitamos las historias de supervivencia frente a la adversidad. Suelen entusiasmar a todos los públicos, y aún más cuando atravesamos tiempos de dificultad y crisis. La vida de Pi es una película basada en la novela del canadiense Yann Martel, cuyas ventas han superado los siete millones de ejemplares y que durante años ha figurado en las listas de los libros más vendidos (está editada en España por Destino) sobre la historia de un chico soñador y resistente que sobrevive a un naufragio, contada por el director Ang Lee. El sensible y metódico director de 'Brokeback Mountain' (2005), 'Deseo, peligro' (2007) y de 'Tigre y dragón', 'Comer beber, amar', vuelve con una historia increíble de superación, que varios directores desecharon por ser incapaces de llevar a la pantalla con toda su espléndida fuerza.
Tras un naufragio en medio del océano Pacífico, el joven indio Pi Patel, hijo del dueño de zoo que viajaba de la India a Canadá con todos sus habitantes, para afincarse en un lugar más próspero, se encuentra en un bote salvavidas con los únicos supervivientes, una hiena, un orangután, una cebra y un tigre de Bengala al que el joven intentará domar para poder sobrevivir, y con quien labrará una emocionante, increíble e inesperada relación.
La película transmite energía y empuje, casi en un imperceptible lema: “Ármate de valor”, crécete ante las dificultades, es más, cuenta con ellas y sáltatelas. Ang Lee es un cineasta que consigue potencia visual,muestra una versión muy fotogénica de la India y algunas secuencias que parecen coreografiadas. Consigue que acompañemos a Pi en su épico viaje, lleno de aventuras, sorpresas y descubrimientos, en una innovadora experiencia cinematográfica .

“La vida de Pi” sucede en tres continentes y dos océanos, a lo largo de muchos años, y en un universo imaginativo, de impactante estética. La espiritualidad como roca interior de los personajes hace que sea fácil buscar dentro de uno el valor y la conciencia de no estar solos en el mundo. La emocionante película de Ang Lee, junto con los impresionantes y novedosos efectos visuales, ha convertido una novela considerada durante mucho tiempo imposible de llevar a la pantalla, en una emocionante y audaz combinación de gran historia con potentes y sugerentes temas imaginarios o maravillosos.
 
Una película deliciosa, en la que la imagen se hace protagonista de una ficción que humaniza los colores, los sentimientos, la aventura, la supervivencia, haciendo grande disfrutar del cine. Una película familiar que no despreciará ningún cinéfilo y seguidor de Ang Lee.

LA VIDA DE PI**** Título original: Life of Pi. Director: Ang Lee. Guión: Guillaume Laurant, David Magee (Novela: Yann Martel). Intérpretes: Surai Sharma, Irfan Khan, Rafe Spali, Gérard Depardieu, Tabu. Música: Angelo Badalamenti. Fotografía: Bruno Delbonnel. Productora: Fox 2000 Pictures. Dsitribuidora: Hispano Fox Film. País: EE.UU. Año: 2012. Estreno en España: 30 de noviembre 2012. Duración: 125 min. Género: Aventuras y supervivencia. Público: Todos


 

SUIGUIENDO @BODYGUARDTAHRIR: POR LA DEFENSA DE LAS MUJERES YA SEAN MUSULMANAS, CRISTIANAS O JUDÍAS


Ha sucedido el 5 de diciembre en El Cairo: la acampada levantada en torno al palacio presidencial para protestar contra Mohamed Morsi, su ‘decretazo’ y el borrador de la Constitución, es disuelta a palos por un grupo de hombres. Integrantes y simpatizantes de los Hermanos Musulmanes destrozan las tiendas de campaña, y los echan a empujones. Algunos sufren ataques físicos y verbales. Entre esas víctimas, hay varias mujeres.

Entre los expulsados, la veterana activista Shahenda Mekled, de 74 años, líder del movimiento campesino contra el feudalismo desde los años sesenta, una figura conocida en los movimientos sociales egipcios. Las cámaras del canal Al Watan captan el momento en el que un islamista partidario del presidente Morsi tapa la boca a Shahenda, justo cuando ella está coreando un eslogan: “Somos el pueblo egipcio”. Ella reacciona rápidamente e intenta defender su derecho a expresarse. Después se ve a Shahenda, gritando "el pueblo egipcio no sois vosotros, nosotros somos el pueblo egipcio". En ese momento le tapan la boca.

Otra mujer ataviada con un pañuelo, grita denunciando que ha sido agredida, que a ella y a otras les escupieron en la cara acusándolas de ser cristianas, aclara que es musulmana y reivindica los derechos de todas, "ya sean musulmanas, cristianas o judías". 

 

Ante esta violencia y cualquier violencia contra cualquier mujer, se ha creado la iniciativa Tahrir Bodyguard. Bajo el lema "ninguna mujer debe ser intimidada por protestar", cuenta ya con cientos de personas voluntarias que, ataviadas con chalecos y cascos, se encargan de velar por la seguridad de las mujeres en las protestas.

"El pasado viernes logramos parar tres agresiones sexuales en grupo en la salida del metro en torno a las nueve de la noche", confiesa el joven Omar Magdy, uno de los integrantes de Tahrir Bodyguard. Él mismo fue golpeado el martes cuando intentaba ayudar a cuatro chicas víctimas de ataques sexuales.

 

La noticia sería que la violencia dejase de ser el lugar común donde no se respeta a los seres humanos. La noticia sería que las mujeres no fueran sistemáticamente agredidas como estrategia.