ARRASA GANANDO 10 GOYAS LA ISLA MÍNIMA
CONCHA DE PLATA AL MEJOR ACTOR (JAVIER GUTIERREZ) Y PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR FOTOGRAFÍA (ALEX CATALÁN)

El sur de Atín Aya, el fotógrafo sevillano que inspira esta película de Alberto Rodríguez, es un sur pobre, deprimido y oscuro aunque la deslumbrante luz se lo coma todo. Paisaje desolado y sobrecogedor, salado y caliente, de aquellos pocos que se quedaron en las marismas a raiz de la mecanización agraria; ese mismo paisaje es casi retrato de sus personajes.

Alberto Rodríguez (Grupo 7) regresa al cine negro con este thriller protagonizado por Raúl Arévalo, Javier Gutiérrez y Antonio de la Torre. Principios de los 80. Desde Madrid, dos policías, ideológicamente opuestos, y con metodologías dispares, son expedientados y castigados a desplazarse a un remoto pueblo de las marismas del Guadalquivir a investigar la desaparición de dos adolescentes. Allí se enfrentarán a un salvaje asesino en una comunidad anclada en el pasado.

Una huelga amenaza la cosecha del arroz y dificulta la investigación de los policías, que reciben presiones para solucionar el caso cuanto antes. Sin embargo, la investigación pone en evidencia que han desaparecido varias jóvenes más y que existe otra fuente de riqueza: el tráfico de drogas.

Raúl Arévalo y Javier Rodríguez persiguen a un furtivo en las marismas

El guión es magnífico, sutil y sin fisuras, y va esculpiendo a los protagonistas a golpe de miradas, frases cortas, gestos e imágenes. El personaje de Juan (Javier Gutiérrez), ha ganado merecidamente la Concha de Plata, así como el Premio a la Mejor Fotografía de Alex Catalán. El cine negro parece que ha encontrado de nuevo su lugar, y muy alto, en el 62 Festival de Cine de San Sebastián, donde además ha demostrado con creces que el cine español está en uno de sus mejores momentos creativos: vayan a verla. 

Javier Gutiérrez y Raúl Arévalo en La Isla Mínima

Además de ganar la Concha de Plata al mejor Actor (Javier Gutierrez), y Premio del Público a la Mejor Fotografía (Álex Catalán)en el Festival de Cine de San Sebastián, ha arrasado en los Goya ganando 10 estatuillas: Mejor Película, Mejor Director (Alberto Rodríguez), Mejor Actor Protagonista (Alberto Rodríguez), Mejor Actriz revelación (Nerea Barros), Mejor Guión Original (Rafael Cobos, Alberto Rodríguez), Mejor Música Original (Julio de la Rosa), Mejor Dirección de Producción (Edmon Roch, Toni Novella), Mejor Dirección de Fotografía (Älex Catalán), Mejor Montaje (José M.J. Moyano), Mejor Dirección Artística (Pepe Domínguez), y Mejor Diseño de Vestuario (Fernando García). El cine español es muy bueno, como lo es La isla mínima. 

Alberto Rodríguez, tras codirigir junto a Santi Amodeo El factor Pilgrim (2000), participó en el Festival de San Sebastián y en la Berlinale con su primer largometraje en solitario, El traje (2002). El siguiente, 7 vírgenes (2005) compitió en San Sebastián, donde el joven actor Juan José Ballesta se hizo con la Concha de Plata, y se convirtió además en un éxito de público. Su cuarto largometraje, After (2009), recibió tres nominaciones a los Goya. Su siguiente película, Grupo 7 (2012), se estrenó internacionalmente en el Festival de Tribeca, donde recibió una Mención Especial del Jurado, y fue nominada en 16 categorías de los Goya.

   La isla mínima se inspira en las fotografías de Atín Aya (1955-2007)

LA ISLA MÍNIMA****

Director: Alberto Rodríguez. Guión: Alberto Rodríguez, Rafael Cobos. Intérpretes: Javier Rodríguez, Raúl Arévalo, Nerea Barros, Antonio de la Torre, Jesús Castro, Jesús Carroza,Manolo Solo, Cecilia Villanueva, Salvador Reina. Productora: Atresmedia Cine, Atípica Films, Sacromonte Films. Música: Julio de la Rosa. Montaje: Jose M. G. Moyano. Fotografía: Alex Catalán. País: España. Género: Thriller. Duración: 105 min. Público: Adultos.  

LA ENTREGA/THE DROP: PREMIO DEL JURADO DEL 62 FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN AL MEJOR GUIÓN

The Drop, es una rotunda película con un guión sin fisuras y potentísimo, una mirada a fondo de la utilización, por parte del crimen organizado, de los bares de barrio de Nueva York como “buzones” para el blanqueo de dinero. Cuando Bob Saginowski (Tom Hardy), un solitario barman de Brooklyn, descubre una entrega de un tipo distinto bajo la forma de un aporreado cachorro de pitbull al que salva de una muerte cierta, entra en contacto con Nadia (Naomi Rapace), una misteriosa mujer que oculta un tenebroso pasado.

Con un reparto encabezado por el gran Gandolfini, que interpreta al primo Mark, personaje oscuro que reincide en operaciones negras de la más abyecta naturaleza, bajo una tapadera de aparente normalidad. Tanto la dirección como el guión responden a un ritmo trepidente de thriller y cine negro, que responde a un género casi periodístico que logra enganchar por su brillantez y perfecta estructura.

                James Gandolfini y Tom Hardy en The Drop

Lo grande de esta película es que no te esperas el final ni la verdadera historia que hay detrás de cada personaje hasta que avanza la acción: y eso supone una verdadera lección de cine. Es la primera película que supone el salto a Hollywood de Roskam, que se ha basado en el relato corto Animal Rescue del maestro de la novela negra Dennis Lehane, guionista de The Wire y Boardwalk Empire y autor de títulos tan imprescindibles como Mystic River, Shutter Island y la saga protagonizada por los detectives Kenzie y Gennaro. En él, Tom Hardy se mete en la piel de Bob Saginowski, el camarero inocente -y casi idiota- de un bar propiedad de la mafia chechena, que está empleado como lugar de entrega para los negocios de sus temibles jefes. Película heredera del thriller de los años 70 y de la llamada generación de la violencia, La entrega recuerda por momentos a Mátalos suavemente.

                Gran interpretación la de Tom Hardy en The Drop

Como pudimos disfrutar en el 62 Festival de San Sebastián y ya en las salas españolas desde el viernes 26 de septiembre, el filme cuenta las triquiñuelas y dobles morales de unos hombres de barrio, hechos a sí mismos y acostumbrados a lidiar con situaciones violentas. La historia tiene fuerza y trasciende el prototipo de 'thriller de multisala'. James Gandolfini brinda una gran interpretación, al igual que Hardy y Naomi Rapace, caleidoscópica. Deja poso y merece nuevos visionados, además de este nuevo Premio del Jurado al Mejor Guión en el 62 Zinemaldia. 

  Naomi Rapace y Michael Roskam en el photocall junto al Kursaal, San Sebastián

Michaël R. Roskam trabajó como periodista en el periódico belga de lengua flamenca De Morgen y escribió y dirigió los cortometrajes Carlo (2004), The One Thing to Do (2005) y Today Is Friday (2007). Hizo su debut en los largometrajes con Rundskop (Bullhead, 2011), que le valió la nominación al Oscar a la Mejor Película Extranjera y su inclusión en la lista de "Diez directores a seguir" de la revista Variety. Recibió además el Premio Magritte al mejor guión, escrito también por Roskam, y el Premio André Cavens a la mejor película belga del año.

THE DROP/LA ENTREGA/RUNDSKOP*****

Director: Michaël R. Roskam. Guión: Dennis Lehane. Intérpretes: Tom Hardy, Noomi Rapace, James Gandolfini, Matthias Schoenaerts. Productora: Chernin Entertainment.  Fotografía: Nicolas Karakatsanis Música: Marco Beltrami. Montaje: Christopher Tellefsen. País: EE.UU. Duración: 107 min. Público: Adultos.  

CRÓNICA DE LA 62 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN (XIV): 
HAEMU/HAEMOO

Un relato espeluznante de un barco pesquero en alta mar basado en hechos reales. El patrón y la tripulación de un pesquero de 69 toneladas decide transportar inmigrantes ilegales chinos hasta suelo coreano, para poder conservar sus puestos de trabajo: la pesca se resiste y el barco tiene muchos años encima y empieza a dar problemas. En la primera hora de metraje asistimos a una descripción de personajes con una leve crítica social,con un guión potente y lleno de ritmo. 

El plan se va a pique al sucederles un trágico accidente cuando llevan a treinta inmigrantes a través de un mar cubierto de niebla. En medio del caos, el miembro más joven de la tripulación, Dong-sik, trata de proteger del enloquecido capitán Kang y sus hombres a una joven inmigrante de la que se enamora.

Ante el desastre, se desencadena la fatalidad, la desesperación, la presión, la locura que se va apoderando de toda la tripulación, que resulta una metáfora del aferrarse a un clavo ardiendo, del abismo que llama al abismo, produciéndose situaciones que rayan lo más gore. 

Shim Sung-bo es uno de los más destacados guionistas coreanos, conocido sobre todo por la famosa cinta Memories of Murder (Crónica de un asesino en serie, 2003), cuyo guión escribió junto con su director Bong Joon-ho y que les valió numerosos galardones, entre ellos la Concha de Plata y el Premio Altadis-Nuevos Directores del Festival de San Sebastián, además del Premio al Mejor Guión de los Premios del Cine Coreano. Haemusupone su debut como director, con un guión co-escrito también junto a Bong Joon-ho.

HAEMU/HAEMOO***

Director: Shim Sung-bo. Guión: Shim Sung-bo y Bong Joon-ho. Intérpretes: Kim Yoon-seok, Park Yu-chun, Han Ye-ri. Productora: Haemoo Co. Ltd. Fotografía: Hong Kyeong-pyo. Montaje: Kim Sang-bum, Kim Jae-bum. Música: Jung Jae-il. País: Corea del Sur. Duración: 111 min.

CRÓNICA DE LA 62 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN (XIII):
THE DISAPEAREANCE OF ELEANOR RIGBY

Dos personas que se aman “con dulce magnetismo” –que diría Drexler- , pero tienen el corazón roto por una pérdida que no pueden superar. Cada uno lo siente a su manera y cada uno trata de acercarse y reconstruir su vida. Eleanor y Conor forman una pareja que todos admiran. Parecen muy enamorados, pero un día un golpe del destino afecta su matrimonio. Esta pareja neoyorquina debe tratar de comprenderse a la vez que sobrellevan su duelo e intentan resucitar su amor y recuperar su vida.

Esta película compitió en la sección A certain regard en Cannes,y ahora viene a la sección perlas del 62 Festival Internacional de Cine de San sebastián; pero son varias historias. La diseappearance of Eleanor Rigby habla del sueño roto de una pareja de enamorados. Sin embargo se realizó al menos durante diez años desde que Jessica Chastain y Ned Benson se conocieran en la Universidad y seis desde que el director propusiera a la actriz ser Eleanor en la que iba a ser su primera película: la vida de un chico que rompe con el amor de su vida. Chastain, productora de la película, aceptó, pero proponiendo que también se contara la separación desde el punto de vista de la chica. Nacieron así un segundo guión y un segundo filme. Resultado: La desaparición de Eleanor Rigby se puede ver en las versiones Él (89 min.) y Ella (100 min.), presentadas el año pasado en el Festival de Toronto. O las dos, durante más de cinco horas.

El reparto es de altísimo nivel: junto a Jessica Chastain actúan James McAvoy, William Hurt, Isabelle Huppert, Viola Davis, Bill Hader. Y te dan ganas irresistibles de acompañarles esas 5 horas sin ningún otro compromiso. Seguir a esa chica con nombre de canción de los Beatles y descubrir qué sea lo que siente, o lo mismo con su chico con el que tiene y tuvo tanta complicidad.

La desaparición de Eleanor Rigby es un nuevo regreso de la actriz a las producciones indies. Porque alterna a menudo películas con grandes nombres (El árbol de la vida, de Terrence Malick, o La noche más oscura, de Catherine Bigelow) con otras de directores apenas conocidos: por ejemplo Jolene, de Dan Ireland o Take shelter, de Jeff Nichols. La actriz que muchos críticos consideran la más brillante de su generación puede permitirse el lujo de escoger. De ahí que sorprendan las dificultades que afrontó en sus comienzos, cuando conseguía pocos castings y menos papeles. Entre otras cosas, Chastain lo atribuye a su look “poco convencional” y a su rebeldía. Justo lo que nos gusta.

      Conor (McAvoy) y El (Chastain)en The diseappearance of Eleanor Rigby

Al Pacino apostó por ella en Salomé, ambiciosa producción teatral basada en la obra de Oscar Wilde que el intérprete iba a dirigir y protagonizar. Incrédula, le preguntó a su agente cómo había sido posible. Pacino se convirtió en su “mentor, casi un segundo padre”: el actor decidió representar el espectáculo por las noches y rodar un filme sobre la misma historia y un documental de todo el proceso.

Y después llegó Malick, que dio también un espaldarazo a la carrera de Chastain. Porque en 2011 pocos conocían todavía a esa pelirroja que actuaba con Brad Pitt y Sean Penn por la alfombra roja de Cannes para la proyección de El árbol de la vida. Pero el filme ganó la Palma de Oro y ese mismo año Chastain monopolizó las salas: estrenó Criadas y señoras, Take shelter, La deuda y Coriolanus. Jessica Chastain afirma sin embargo “tengo dudas sobre mi trabajo todo el tiempo”. 

       Jessica Chastain junto al Kursaal, en el 62 Festival de San Sebastián

Este año volverá a estar nominada al Oscar, ya sea por La desaparición de Eleanor Rigby, La señorita Julia, A most violent year o por la superproducción de Christopher Nolan Interstellar. “Suelo escoger las películas por los directores, pero si te llama Nolan, ni pides el guion. Normalmente, leo el papel y me planteo si es distinto respecto a lo que ya he hecho. Como actriz quiero desafíos”.

Actuará también en la última película de Guillermo del Toro para Crimson peak (se verá en 2015) y ha aceptado ser Marilyn Monroe en Blonde, de Andrew Dominik. Al principio no estaba muy interesada, pero entre su pasión por el director y el libro de Joyce Carol Oates en el que se basa el filme, se dejó convencer: “No es una biografía. El objetivo es una metáfora de lo rubio en la sociedad, en Hollywood, y de cómo ella acabó devorada. Me parece interesante en esta época en la que vemos que el cine está dominado por los hombres”. La veremos también.

THE DISEAPPEREANCE OF ELEANOR RIGBY****

Director: Ned Benson. Guión: Ned Benson. Intérpretes: Jessica Chastain, James McAvoy, Viola Davis, Bill Hader, William Hurt, Isabelle Huppert. Productora: Unison Films y Dreambridge Films. Fotografía: Christopher Blauvelt. Montaje: Kristina Boden. Música: Son Lux. País: EE.UU. Duración: 122 min. Público: Adolescentes y adultos. 

CRÓNICA DE LA 62 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN (XII):
LOREAK/FLORES

El arte de contar un cuento. O tres cuentos que se encadenan. Un cuento mínimo, delicado y liviano, pero muy potente sobre los anhelos que tenemos, las necesidades, el amor.

           Magnífico hasta el cartel de la película Loreak/Flores

Una película en euskera con calidad notable. "Las flores son el núcleo de la historia. No tienen significado de por sí hasta que los personajes se lo van dando: son sus deseos, sus frustraciones, sus circunstancias del momento, las que suponen una cosa u otra", explica Jose Mari Goenaga.

Jose Mari Goenaga y Jon Garaño, los dos directores de Loreak juegan a la perfección con un elemento que inspira historias de por si y que a la vez es enigmático y polisémico: unas flores. Como regalo, como tributo en una carretera, como recuerdo. A veces hablan y devuelven vida, a veces hablan de muerte.

El relato se entrecruza y pone en relación a tres mujeres (Ane, Lourdes y Tere), muy diferentes, y lo desencadena un hombre, Beñat. Personajes duros y sensibles, en un clima húmedo y lluvioso, en escenario industrial y de naturaleza típico vasco. 

                   Lourdes y Ane en Loreak

¿La poética de Kieslowski y la intriga de Hitchcock? Es posible, pero al menos esta vez se cumple la regla del minimalismo: menos es más. Una historia cuidada hasta el mínimo detalle: la simetría, la fotografía, la luz, en la que la idea de la película fue de Goenaga: “Trata de una mujer de unos cuarenta años a la que le diagnostican una menopausia precoz. Empieza a recibir flores en su casa, semana tras semana. Al recibir estas flores, que no sabe quién se las envía, empieza a ilusionarse. Al contrario, los celos y la suspicacia empiezan a crecer en su pareja. Tiene bastantes giros y algo de estructura de puzle".  De dos horas veinte minutos la película se quedó en 98 min. Para no perdérsela.

LOREAK ****

Directores: Jose Mari Goenaga y Jon Garaño. Guión: Jose Mari Goenaga, Aitor Arregi, Jon Garaño. Intérpretes: Nagore Aranburu, Itziar Ituño, Itziar Aizpuru, Josean Bengoetxea, Egoitz Lasa. Productora: Iruzkuin Produktiones, Moriarty. Fotografía: Javi Agirre Erauso. Música: Pascal Gaigne. Montaje: Raúl López. Páis: País Vasco. Duración: 98 min. Público: Todos.

          Goenaga y Garaño, junto a la ría en el exterior del Kursaal

CRÓNICA DE LA 62 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN (XI)
RETOUR À ITHACA/RETURN TO ITHACA

Me moría de ganas de ver la nueva película de Laurent Cantet, y no me ha podido atrapar y emocionar más. El mito del retorno a un lugar idílico, el de la niñez y juventud, el que se abandonó abruptamente, fuente de inspiración y de nostalgia; y a la vez el lugar de los que se quedan siempre y de cómo lo viven o de cómo sintieron la partida del que se fue sin razones y sin compromiso.

Una terraza panorámica sobre La Habana, junto al malecón, a la hora de la puesta de sol. Cinco amigos (un ingeniero, una médico, un pintor, dos escritores, un empresario) se reúnen para celebrar el regreso de Amadeo después de dieciséis años de exilio. Desde el crepúsculo hasta el amanecer, recuerdan sus tiempos de juventud en la ciudad que les vió nacer y crecer y sufrir, el grupo que formaban, la fe que tenían en el futuro... y también su desencanto.

Isabel Santos, Fernando Hechavarría, Néstor Jiménez, Pedro Julio Díaz Ferrán

Una obra teatral con magníficos actores todos ellos cubanos, que han sentido el devenir de su patria y de su ciudad de La Habana con el paso del tiempo, lo que hace esta conversación hasta la madrugada más y más creíble. El miedo, los remordimientos, la duda, la amistad, la enfermedad, el amor, la desesperación. No se sabe qué es más dificil, irse, quedarse o volver.

Perfectamente llevado el ritmo, la emoción, los recuerdos, la música, los silencios y los reproches. La vida. ¡¡Qué gran humanidad tienen estos personajes!! Tania, Eddy, Rafa, Aldo y Amadeo. El compromiso por la ilusión: el tema de la fe, la esperanza de vivir aparece continuamente; el propio Cantet ha afirmado " todas las mejoras han nacido a partir de utopías", o "no se puede hablar de Cuba sin dar la palabra a los cubanos". Esa resistencia a que les roben la vida. Magnífico guión y magníficos actores. Chapeau de nuevo, Cantet.

Isabel Santos, Jorge Perugorría, Fernando Hechavarría, Néstor Jiménez, Pedro Julio Díaz Ferrán

Laurent Cantet se dio a conocer con Ressources humaines (Recursos humanos, 1999), que obtuvo el Premio Nuevos Directores en el Festival de San Sebastián, además del César a la Mejor Primera Película y al Mejor Actor Novel (Jalil Lespert). Después vinieron L’emploi du temps (El empleo del tiempo, 2001), León de Oro en Venecia, Vers le sud (Hacia el sur, 2005) y Entre les murs (La clase, 2008), Palma de Oro en Cannes, todas ellas mostradas en Zabaltegi-Perlas del Festival de San Sebastián. En 2012, Foxfire participó en la Sección Oficial de San Sebastián, obteniendo la Concha de Plata a la Mejor Actriz (Katie Coseni). Retour à Ithaque ha logrado el Premio Venice Days del Festival de Venecia.

RETOUR À ITHACA/RETURN TO ITHACA*****

Director: Laurent Cantet. Guión: Leonardo Padura y Laurent Cantet. Intérpretes: Isabel Santos, Jorge Perugorría, Fernando Hechavarría, Néstor Jiménez, Pedro Julio Díaz Ferrán. Fotografía: Diego Dussuel. Montaje: Robin Campillo. País: Francia. Duración: 95 min. Público: Adultos.  

PREMIO GOYA 2014 A MEJOR DOCUMENTAL
CRÓNICA DE LA 62 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN (X)
PACO DE LUCÍA: LA BÚSQUEDA

El talento en zapatillas: el talento de Paco de Lucía retratado con intimismo, sin empaques, sin grandilocuencia pero desde la filiación y la profunda admiración y reconocimiento, y sin pretenderlo, el retrato de su gloria.

¡Qué grande es el sur que alumbró a Paco! Curro Sánchez Varela, director de este documental necesario y afectivo, es hijo de Paco de Lucía. El 25 de febrero de este año estaba sin terminar cuando inesperadamente muere el guitarrista, su padre: “El dolor era tan grande que no me atreví a retomar la historia. Sentí un impulso y me encerré a editar lo filmado. Así recuperé a mi padre”, dice Sánchez Varela, que junto con una de sus hermanas, Casilda, han sido coguionistas, y con la otra, Lucía, coproductores. “Ha habido dos documentales precedentes, que están muy bien, pero que hablaban sobre todo de su vida, no tanto de su música. Nosotros hemos ido a su arte”. Cerraba los ojos de pura intensidad cuando tocaba la guitarra: sentimiento, perfección, trabajo duro, belleza hecha ritmo, color y notas.

Se ha presentado en la sección Zabaltegui de este 62 Festival de Cine de San Sebastián, y casi me hace ponerme a bailar: ¡qué arte! Este documental se goza y se baila con el corazón y con la mirada, y se disfruta desde el minuto 0 del recorrido por la vida y los lugares del niño Paco -la experiencia de su padre, del Niño Ricardo- hasta los grandes éxitos y los hitos de conciertos memorables de su veteranía. El documental nos acerca a Paco de Lucía en diversas entrevistas con su hijo,-qué a gusto se le ve relatar su vida a su hijo- además de entrevistas con músicos como su hermano Pepe, Chick Corea, John McLaughlin, (el lanzamiento del discazo Fuente y caudal, en 1973), Rubén Blades, Alejandro Sanz o Estrella Morente. Grabaciones intercaladas de Sabicas, Camarón...Imposible no emocionarse.

"Yo no estoy atado a la guitarra; la guitarra me ha liberado y ha sacado mi personalidad para afuera. Sin la guitarra, hubiera sido un introvertido toda mi vida, no tengo otra forma de expresión que la guitarra", una de las afirmaciones rotundas de Paco en los cortes de entrevistas que se reproducen en Paco de Lucía:  La búsqueda.

                 El arte de Camarón de La Isla y de Paco de Lucía

Curro Sánchez comenta: “Tras su muerte, lo planteamos todo de cero. Hace tres años empecé, como si tuviese el complejo de Diógenes, a recopilar todo el material que hubiera sobre él. Hasta fui a Nueva York y perseguí en la CBS su primera aparición en la televisión estadounidense. Íbamos a filmar, como metraje principal, su gira, pero la figura de mi padre fagocitó cualquier intención”.

Su padre, reservado y tímido, pero amante "del cachondeo", como buen gaditano de Algeciras; talento puro. “De cada encuentro sacó una lección vital y artística, algo que aún me sorprende”, dice su hijo. La sabiduría de Paco de querer aprender siempre. ¡Gracias, Maestro!

El director Curro Sánchez Varela en el Kursaal, 62 Festival de Cine de San Sebastián

PACO DE LUCÍA: LA BÚSQUEDA*****

Director: Curro Sánchez Varela. Guión: Curro Sánchez Varela, Casilda Sánchez Varela. Productora: Ziggurat Films. Fotografía: Álex García Flores. Música: Francisco Sánchez (Paco de Lucía). Montaje: Jose Manuel García, Curro Sánchez Varela. País: España. Duración: 95 min. Público: Todos

  

CRÓNICA DE LA 62 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN (IX):
PHOENIX

Magnífica película de Christian Petzold que ahonda y vuelve los pasos sobre la verdad de una historia de mentiras y traición, tras la ocupación nazi. La ingenuidad, la esperanza, el amor y la ilusión mantenida en los años de cautiverio y el descubrimiento progresivo de la verdad lacerante, del horror. Y todo a fuego lento, consiguiendo un tempo adecuado y medido. Enhorabuena.

Una cantante fue traicionada y enviada a un campo de concentración. Vuelve con la cara totalmente desfigurada y pide a un eminente cirujano que se la reconstruya para que sea lo más parecida a como era antes. Recuperada de la operación empieza a buscar a su marido, un pianista. Pero el reencuentro no es lo que ella esperaba.

Una película que ha escrito Petzold junto al recientemente fallecido Harun Farocki, adaptando la novela Le retour des cendres de Hubert Monteilhet. Encontramos resonancias del cine de Hitchcock en cuanto al climax de suspense y de la historia de Pigmalión, pero tendrá ele spectador que sumergirse en esta historia para no desvelar ni un ápice de su tremenda verdad. 

Christian Petzold se graduó en la Academia Alemana de Cine y Televisión (dffb). Su primer largometraje, Die innere Sicherheit (2001), ganó el Premio al Mejor Guión en Tesalónica (Grecia) y el Gran Premio en Valenciennes (Francia). La Asociación de Críticos de Cine Alemanes le ha otorgado el Premio a Mejor Película por Gespenster (2005) y por Die innere Sicherheit, y los Premios del Cine Alemán lo han nombrado Mejor Director tanto porWolfsburg (2003) como por Die innere Sicherheit. Su anterior película, Barbara (2012), obtuvo el Oso de Plata al Mejor Director en el Festival de Berlín de 2012.

PHOENIX****

Director: Christian Petzold. Guión: Christian Petzold. Intérpretes: Nina Hoss, Ronald Zehrfeld, Nina Kunzendorf. Producción: Schramm Film. Fotografía: Hans Fromm. Música: Montaje: País: Duración: 

CRÓNICA DE LA 62 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN (VIII):
LA CHAMBRE BLEUE/THE BLUE ROOM

El premiado actor y director Mathieu Amalric propone una historia reconstruída a través de un interrogatorio, una pequeña joya del cine.
Se trata de la adaptación de una novela del escritor de novela negra Georges Simenon, sobre un adulterio y dos muertes, en la que el director es actor protagonista, que logra crear un curioso juego de subjetividades. En este ejemplarizante drama pasional que se construye y reconstruye desde un thriller judicial, y así elaboramos el verdadero rostro de los personajes como del relato en sí. 

Un hombre y una mujer, enamorados en secreto porque ambos están casados, solos en una habitación. Se desean, se quieren. Después del amor, intercambian algunas palabras anodinas, o al menos así lo cree el hombre. Pero ahora, sometido a la investigación de la policía y los tribunales, Julien no encuentra las palabras: "La vida es diferente cuando la vives que cuando la cuentas después". ¿Qué sucedió? ¿De qué se le acusa?

                    Almaric y Cléau en Le chambre bleue

En esta película conocemos la visión del Amalric actor-personaje a través de la visión del Amalric director. A base de constantes flashbacks y flashforwards y con una puesta en escena basada en la concatenación de planos sincopados, Amalric entrega un concienzudo puzzle más complejo de lo que pueda parecer a priori, que logra engancharte por completo, sin necesitar más de 76 minutos de metraje. Así, la tragedia nace en el individuo y después se transmite y afecta al núcleo familiar, para finalmente infiltrar todos los estratos de la sociedad pública para golpear al individuo. En esencia, nos quedamos con la sensación de que La Chambre Bleue cautiva tanto por su ligereza como por su acertada revisión de la condición humana.

                          Almaric y Drucker

Mathieu Amalric, actor y director de cine, ha recibido varios premios en ambas facetas. Como intérprete, ha ganado el César al Mejor Actor dos veces, por Rois et reine (Reyes y reina, 2004) y por Le scaphandre et le papillon (La escafandra y la mariposa, 2007). Su filmografía como realizador incluye los siguientes títulos: Mange ta soupe (1997), Le stade de Wimbledon (2001) y Tournée (2010), premio al Mejor Director en Cannes, además de varios cortometrajes y telefilmes. La chambre bleue participó en Un Certain Regard de Cannes 2014.

LA CHAMBRE BLEUE/THE BLUE ROOM***

Director: Mathieu Amalric. Guión: Stéphanie Cléau, Mathieu Amalric. Intérpretes: Mathieu Amalric, Léa Drucker, Stéphanie Cléau, Laurent Poitrenaux, Serge Bozon, Blutch. Productora. Alfama Films Productions. Fotografía: Christophe Beaucarne. Música: Grégoire Hetzel. Montaje: François Gedigier. País: Francia. Duración: 76 min. Público: Adultos.

CRÓNICA DE LA 62 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN (VII):
EN CHANCE TIL/A SECOND CHANCE, DE SUSANNE BIER

La nueva película de Susanne Bier trae a reflexión la maternidad, la paternidad: temas ya frecuentados en esta 62 edición del Festival de Cine de San Sebastián. Una vuelta a los orígenes, y de nuevo la familia.

Dos matrimonios y los dos con un bebé, uno compuesto por Anne (Maria Bonnevie, una actriz de cara angelical, que sorprende por su frialdad y locura) y Andreas, policía (interpretado por Nicolaj Coster-Waldau: a partir de ahora podemos tomarle muy en serio porque no es sólo Jaime Lannister en Juego de tronos), y otro por una pareja de yonquis. La historia empieza cuando Andreas en una ronda por denuncia de violencia doméstica ve a un bebé tirado en el suelo de un baño en condiciones desastrosas. 

      Nikolaj Coster-Waldau realiza una interpretación dramática muy convincente

Una película perturbadora, inesperada y desesperada y brillante de Susanne Bier. "La paternidad es algo que no se trata demasiado en el cine. Fue un elemento importante retratar a un padre que siente un deseo muy fuerte por su bebé, frente a la imagen de la madre, que es más común en el cine", explicó Bier en la rueda de prensa tras la proyección de la película. Un dilema moral extremo, que se produce cuando uno llega a actuar en estado de shock.

¿Hasta dónde pueden llegar las personas "supuestamente" decentes cuando la tragedia borra las líneas que separan lo justo de lo injusto? Una emocionante historia sobre gente normal enfrentada a circunstancias increíbles. Bier ha comentado "No creo que esta película hubiera funcionado si hubiera sido menos brutal. El cine tiene que ver con tener una experiencia sorprendente y también tiene que ver con que te provoquen y pensar en ello después de verla". 

        Nikolaj Lie Kaas y Lykke May Andersen son los papás del otro bebé


La directora danesa compitió en el Festival de San Sebastian de 2004 con Brødre (Brothers), obteniendo la Concha de Plata a la Mejor Actriz (Connie Nielsen) y la Concha de Plata al Mejor Actor (Ulrich Thomsen). En 2007 estrenó Things We Lost in the Fire, su primera película en inglés. Hævnen (En un mundo mejor, 2010) ganó el Oscar a la Mejor Película Extranjera en 2011 y el galardón a la mejor dirección de los Premios de Cine Europeos, que también distinguieron a Love Is All You Need (2013) con el premio a la mejor comedia. Elsker dig for evigt (Te quiero para siempre, 2002) formó parte de la retrospectiva "Fiebre helada" del Festival de San Sebastián.

A SECOND CHANCE****

Director: Susanne Bier. Guión: Anders Thomas Jensen. Intérpretes: Nikolaj Coster-Waldau, Ulrich Thomsen, Maria Bonnevie, Nikolaj Lie Kaas, Lykke May Andersen. Productora: Zentropa Dinamarca y Suecia. Fotografía: Johan Söderqvist. Montaje: Pernille Bech Christensen. Música: Michael Snyman. País: Dinamarca y Suecia. Duración: 105 min. Género: Drama. Público: Adultos.