THE FIRST MONDAY IN MAY****

Se estrenó en el Festival de Cine de Tribeca el 13 de abril de 2016, y  Madrid Fashion Film Festival (http://www.madridfff.com/es/) acaba de realizar la premiere en España el pasado 31 de mayo.

La película dirigida por Andrew Rossi sigue al curador jefe del MET, Andrew Bolton mientras examina el debate sobre si la moda debería ser considerada arte o no, la tarea de un museo centenario como el MET, y también explora la relación entre la alta moda y las celebridades en la gala del MET. Se trata de un análisis del trabajo en torno a una magna y sugerente exposición China: Through The Looking Glass, inspiradora tanto como la cultura milenaria que protagoniza esta lectura nueva, a través de personalidades notables como Wong Kar Wai, director artístico de la exposición; Baz Luhrmann, consultor creativo para la gala del MET; Andre Leon Talley de Vogue; Harold Koda, ex curador a cargo del Instituto de vestuario; Thomas Campbell, director del Museo Metropolitano de Arte, y cómo no el trabajo que requiere organizar la gala con la alfombra roja más importante del mundo de mano de Anna Wintour, que ordena de manera incansable el cometido que otra persona tendría que realizar en exclusiva.(http://www.firstmondayinmay.com/)

Dado que el evento es co-organizado por Vogue, la película también sigue a la editora en jefe omnipresente de la revista, Anna Wintour, mientras ella y la directora de proyectos especiales Sylvana Ward Durett planean una de las noches más importantes para la industria de la moda mundial.  La directora de Vogue USA, es desde hace años la organizadora de esta gala benéfica en el MET (The Metropolitan Museum of Art) que tiene como finalidad recaudar fondos para el museo, pero también demostrar de alguna manera que la moda tiene cabida en un museo por tratarse de un arte. Es una de las citas del año en la que se concentran más famosos, muchos de ellos convocados por las grandes casas de moda y la organización y montaje de la exposición es una tarea realmente ardua. En este documental vemos todos los preparativos para la gala del año pasado con temática china. Nuevos conceptos para museos abiertos, más sociales, más comunicativos, y para la industria de la moda en el siglo XXI.

Pero no solo de Anna Wintour vive el MET, podemos ver a Andrew Bolton, comisario de estas exposiciones y director de moda del museo, que adora su trabajo y que no duda en trasladarse a cualquier rincón del mundo para descubrir lo que realmente sirva de documentación para una pieza determinada. Por la opinión de Anna Wintour pasa absolutamente todo: desde la decoración de cada sala hasta los platos que se servirán en la cena o el orden de las mesas. “El Met Ball es como la Super Bowl de los eventos sociales de moda” afirma en el video André Leon Talley, exeditor de Vogue y ojo derecho de Anna. “Es como una película de Fellini” sostiene Madonna. Lo que es innegable es que la mujer de acero de la revista de moda americana sabe cómo sacarle partido a una de las noches más mediáticas del mundo de la moda, desde que en 1999 tomase el mando de la gala, las recaudaciones derivadas de ella y destinadas al Costume Institute del Museo Metropolitano de Nueva York han batido récords históricos.

Las anécdotas se suceden en casi todo el documental: prueba de manteles y decoración en la propia casa de Anna, el altísimo caché de Rihanna para asistir a un evento benéfico o las personas que están invitadas pero que todos desean que no asistan. También un divertido Pharrell Williams, Rihanna jugando a sorprender, Kanye West bastante pasota y las decoraciones florales más espectaculares vistas hasta el momento. El film es realmente recomendable, sobre todo si sientes pasión la moda.

Como recordaran la gala del MET del año pasado fue una de las más comentadas, ya que tenía un tema algo sensible, y también debido a su prohibición de los celulares y las redes sociales, para ver trailer de la película, aquí puede seguirse el enlace (https://www.youtube.com/watch?v=MRFCVG85X_s).

Manus x Machina: Fashion in an Age of Techonology es el título de la exposición y la gala de este año 2016. La influencia de la tecnología en la moda se ve reflejada en el evento que cuenta con padrinos de la talla de Idris Elba, Taylor Swift y el director de diseño de Apple, Jonathan Ive. 

Andrew Bolton, the curator of the Costume Institute at the Metropolitan Museum of Art, in “The First Monday in May.”

FÁTIMA***

Premio César 2015 a Mejor Película, Premio al Mejor Guion adaptación y Premio Mejor Actriz revelación para la joven actriz Zita Hanrot. Fátima es una madre coraje, mujer inmigrante de 44 años que vive en Lyon junto a sus dos hijas: la rebelde adolescente de quince años Souad (Zita Hanrot) y Nesrine, que a sus dieciocho años acaba de comenzar la carrera de medicina. Fátima no sabe hablar bien francés y está preocupada por el futuro de sus hijas, que son su orgullo y alegría, pero también la causa de que pierda el sueño. Para poder pagar sus estudios trabaja sin descanso como limpiadora, pero un día sufre un accidente que le obliga a guardar reposo. Entonces aprovechará ese momento para escribir a sus hijas en árabe, para así poder decirles todo aquello que nunca ha podido expresar en francés. Un texto lleno de intensidad y lirismo que llega a emocionar.

La pregunta compleja sobre lo que significa ser mujer musulmana e inmigrante en Francia no puede contestarse con una película, pero Fátima, del director francés de origen marroquí Philippe Faucon, intenta responder ofreciendo más interrogantes que certidumbres, a través de una narración abierta y llena de nobleza que intenta salir de la diversas encrucijadas que propone poniendo por delante la ternura y honestidad de su protagonista. El guión es un texto sencillo, cuyos mimbres dramáticos se apoyan en esos pequeños conflictos y erosiones cotidianas -que se resuelven en ocasiones como derrotas y en otras como triunfos- que vive una mujer madre coraje para dos hijas muy distintas, dos modelos de francesas de segunda...

Una mirada humana y optimista sobre la inmigración de origen magrebí en Francia,  que trae un poco de esperanza en estos tiempos en los que el terrorismo oscurantista religioso  se alza como una amenaza contra la tolerancia y la integración.

Adaptación de la novela autobiográfica de Fátima Elayoubi,  la película de  Philippe Faucon nos habla de una madre que trabaja como mujer de la limpieza y consagra su vida a sus dos hijas, para darles una educación y un porvenir.

               Soria Zeroual, Zita Hanrot, Kenza Noah Aïche 

Esta película supone la consagración en la carrera de Philippe Faucon, cineasta que tiene en su haber películas como “El amor”, “Samia”, o “La desintegración”. Una coherente  filmografía en la que ha abordado desde perspectivas muy diversas temas siempre relacionados con la inmigración.

FÁTIMA

Título original: Fatima. Director: Philippe Faucon. Guión: Philippe Faucon, Yasmina Nini-Faucon, Mustapha Kharmoudi y Aziza Boudjellal, y basado en la obra autobiográfica de la escritora Fatima Elayoubi. Intérpretes: Soria Zeroual, Zita Hanrot, Kenza Noah Aïche, Chawki Amari y Edith Saulnier. Producción: stiqlal Films / Arte France Cinéma / Possibles Média / Rhône-Alpes Cinéma. Fotografía: Laurent Fenart. País: Francia. Año: 2015. Duración: 79 min. Género: Drama. Público: Adultos.

LOBO (THEEB)****

1916, desierto de Wadi Rum, Jordania. Mientras en Europa se suceden los combates de la Primera Guerra Mundial, y se desata la guerra en el Imperio Otomano, un oficial británico y un guía, Marjie, irrumpen en mitad del desierto de Arabia con el objetivo de llevar a cabo una extraña misión. Allí viven los descendientes de un gran jefe de tribu, muerto ya, donde Hussein inicia y educa a Theeb, su hermano casi adolescente, en una valerosa comunidad beduina, tradicional y aislada.

Hussein se ofrece por honrar la memoria de su padre a acompañar a los recién llegados por el terreno, a cuyas inclemencias habituales se añaden las amenazas de distintos asaltantes y grupos de revolucionarios y de mercenarios, colectivos que se han radicalizado desde que apareciera la amenaza del ferrocarril. Theeb, su hermano, les seguirá sin permiso, acompañando a los hombres en un peligroso viaje en busca de un misterioso pozo de agua en la antigua ruta de los peregrinos, y que cambiará su vida.

Pocos habrían reparado en una cinta jordana si la Academia de Hollywood no la hubiera situado entre sus predilecciones de cara al próximo Óscar a la mejor película de habla extranjera. Ocurre muy de vez en cuando, pero en ocasiones hay que dar las gracias por descubrirnos títulos y cinematografías casi desconocidas. Theeb, la última joya encontrada a tiempo, es una película de aventuras en el sentido más puro del término, un western árabe, sin diálogos de relleno, sin planificaciones escénicas espectaculares y sin subtramas que despistan. Basta el desierto y el alma para hacerla grande. Logra tenerte en vilo desde el principio hasta el fin.

Aquí sólo importa la lucha que se establece entre un niño y el desierto hostil con sus infinitos pobladores en el que intenta sobrevivir. El impacto se produce al ver cómo transcurre su curiosidad de niño hasta su iniciación adulta a través de las lecciones de la traición y lealtad, responsabilidad, madurez y pertenencia a una estirpe de hermandad y valor. La película sorprende por su impecable y exótica atmósfera (la orografía de sus escenarios convierte la historia en una peculiar histórica épica rocosa y desolada), y por su inteligente acercamiento a los instintos humanos. Theeb es la película que rodaría Kiarostami si se atreviera a pisar los dominios del thriller con sangre, sudor y arena. El director novel Naji Abu Nowar imparte una lección de cine por la síntesis, las elipsis y la descripción de personajes. El hombre, su capacidad de resistencia y su habilidad a la hora de hacer daño a propios y a ajenos, convertidos en el epicentro de una experiencia cinematográfica que se queda pegada a la piel.

Magnífica película, que ha ganado el Premio BAFTA 2016 al Mejor Debut de un Escritor, Director o Productor Británico (Naji Abu Nowar (Director y Guionista) y Rupert Lloyd (Productor), y en elFestival de Venecia 2014 el premio a Mejor Director (Seccion Orizzonti).

LOBO (THEEB)****

Título original: Theeb. Dirección: Naji Abu Nowar Guión: Naji Abu Nowar y Bassel Ghandour. Intérpretes: Lane Jacir Eid, Hassan Mutlag, Hussein Salameh, Marji Audeh, Jack Fox.  Productores: Bassel Ghandour y Rupert Lloyd. Fotografía: Wolfgang Thaler. Música: Jerry Lane. País: Jordania, Reino Unido, Emiratos Árabes, Qatar. Género: Aventuras. Thriller. Duración: 95 min. Año: 2014. Público: Todos.

FULL OF GRACE

Director: Andrew Hyatt. Guión: Andrew Hyatt. Intérpretes: Noam Jenkins, Bahia Haifi, Kelsey Asbille, Merik Tadros, Taymour Ghaz, Eddie Kaulukuku. Producción: Justin Bell, Terence Berden, Jon Michael Kondrath. Diseño de producción: Christian Snell. Fotografía: Gerardo Madrazo. Montaje: John Lange. País: EE.UU. Año: 2015. Duración: 83 min. Público: Todos.

Una única voz femenina que canta casi con sollozo contenido un Kyrie y un Sanctus medieval, compuesto por una de las mujeres más interesantes del siglo XIII, Hildegarda Von Bingen.

Una mujer a la que se busca instintivamente para encontrarse consigo mismo y con Él. Un protagonismo claro y rotundo porque es la Madre. Tiene su misma sangre. La primitiva comunidad tiene Madre.

La vuelta a los orígenes, al momento más embrionario, donde se contiene todo y desde el que desarrolla todo sin contaminantes. La llamada.  

Esta película de autor, original e independiente, relata la intuición de María de que no le queda mucho tiempo. Retirada en un lugar tranquilo, a ella acude Pedro en búsqueda de respuestas. Han transcurrido varios años desde la resurrección de Jesús y sus seguidores están creciendo a un ritmo de tal calibre que los apóstoles necesitan de un guía. Pero Pedro, asustado, necesita parar, pensar y volver a comprender. Sólo María es capaz de darle la paz que necesita.

               Noam Jenkins y Bahia Haifi en Full of Grace

Un guión adaptación de las Escrituras (Hechos, Cartas de Pablo y Pedro), con producción sencilla pero de gran profundidad. Un zasca al racionalismo que lleva a "conocer" pero ser selectivo para no querer conocerle a Él. La descripción de la profunda paz a pesar de la constante del sufrimiento, de la cuesta arriba, "porque sólo así somos receptivos" de las cosas más profundas, casi parafraseando a C.S. Lewis.

La persistencia de la luz envolvente y desde dentro, que hace ver el mundo de otra manera. La belleza del mundo. La referencia a Terrence Malick. La belleza serena. La belleza real.

Algo que es fácil preguntarse es por qué no murió la madre antes del hijo: pudo ser de otra manera; pudo morir como el padre, antes. Pero no: a ella no se le ahorra nada, le toca todo. Y era la llena de gracia.

La historia se va tejiendo con sus últimos recuerdos, como un tapiz de nudos tupidos, de soles y sombras. Lo más humano y lo más divino. No es un una vida fácil para nadie pero menos si manejan entre sus manos una novedad verdaderamente alegre que cambia el mundo.

Esta película es grande en su extrema sobriedad. Hasta es sobria la muerte en parihuelas, los rostros serenos, la mirada sutil al cielo. No hay sentimentalismo en ningún pasaje, no hay ñoñería. La pura verdad. Merece la pena verla.

      El director y guionista Andrew Hyatt dirigiendo a Bahia Haifi

                              Cartel

LUCES DE PARÍS***

Brigitt (Isabelle Huppert) y Xavier (Jean Pierre Darrousin) viven en Normandía y se dedican a la ganadería vacuna. Ella es una sencilla mujer de campo soñadora mientras que él vive por y para su trabajo, tiene los pies en la tierra, ocupado en sus vacas. Tras la partida de sus hijos, el peso de la rutina se le hace a Brigitte cada vez más difícil de sobrellevar. Un día, en un arrebato de locura, se va a París sin decir nada. Xavier se da cuenta entonces de que quizá la esté perdiendo, y que su relación de pareja está amenazada de verdad…

Brigitte, aunque sin ser consciente del todo, siente una constante tensión, el desgaste acaba por amenazar su vida. Una fiesta en la vecindad le lleva a conocer al joven Stan. Y un buen día decide hacer una escapada a París y encontrarse con él. En un golpe de interpretada lucidez, se larga del campo. Dos días de libertad en la capital, durante los cuales se encontrará con el chico de la fiesta y aparecen otros personajes en su vida, otras experiencias. El ritmo, la pincelada, el retrato emocional que realmente interesa.

 “Luces de París” es una comedia agridulce y sencilla, que entretiene y se hace posible y creíble gracias al talento interpretativo de sus dos protagonistas, Isabelle Huppert y Jean-Pierre Darrousin, dos personajes impecables. Se trata de una comedia doméstica sin complicaciones, con toques kitsch en el inicial concurso de belleza bovina, especie de metáfora existencial sobre los problemas de la pareja, el amor, el adulterio y la reconquista, porque tiene un final moderadamente feliz. ¿Conseguirán reencontrarse? ¿Y cómo reinventarse, después de todos estos años? La reconquista requiere, a veces, caminos difíciles…El director Fitoussi describe con paciencia los mil detalles de una relación consolidada pero que precisa una sacudida, un redescubrimiento y vuelta al asombro.

             Isabelle Huppert es Brigitte en Luces de París

Como un estribillo (ritournelle), y como ocurre tan a menudo en la vida de casi todas las parejas, el amor y el desamor van y vienen, a veces cruzándose y resolviendo situaciones no deseadas, a veces en paralelo como esas líneas que caminan hacia el infinito y nunca se volverán a tocar. La gran prueba del amor y la lealtad es el tiempo y que el núcleo fundamental, querer quererse por encima de todo, esté siempre intacto. Venir siempre.

Geniales Isabelle Huppert y Jean Pierre Darrousin

Marc Fitoussi (Francia, 1974), antes de convertirse en cineasta, estudió inglés e historia del arte, para recalar al Conservatorio Europeo de Escritura Audiovisual como escenógrafo antes de afincarse en los Estados Unidos, donde estudió puesta en escena y la dirección de actores en la Universidad de los Ángeles. Es a finales de los años 90 cuando debuta su carrera. Sobre sus primeros cortometrajes, firma a la vez el guión y la realización, lo que se convierte en una constante en la gran mayoría de sus películas. Sus primeros cortometrajes le permiten, también, trabajar con actores reconocidos. Bombón a la pimienta (Bonbon au poivre) – 2005, obtiene el reconocimiento por el sector: el film es nominado a los César.

LUCES DE PARÍS***

Título original: La Ritournelle. Director: Marc Fitoussi. Guión: Marc Fitoussi, Sylvie Dauvillier. Intérpretes: Isabelle Huppert, Jean-Pierre Darroussin, Michael Nyqvist, Pio Marmaï, Marina Foïs, Audrey Dana, Anaïs Demoustier, Pio Marmai, Audrey Dana, Clèment Lètayer. Producción: Caroline Bonmarchand. Distribuidora: Surtsey Flims. Fotografía: Agnés Godard. Música: Tim Gane, Seán O´Hagan. País: Francia. Año: 2014. Duración: 98 min. Público: Adultos.

SPOTLIGHT: FALLO MULTIORGÁNICO DEL SISTEMA

OSCAR A MEJOR PELÍCULA Y MEJOR GUIÓN ORIGINAL

Spotlight narra hechos reales: en 2002, un equipo de reporteros de investigación del Boston Globe destapó los escándalos de pederastia cometidos durante décadas por curas de Massachussets. La publicación de estos hechos, que la archidiócesis de Boston intentó ocultar, sacudió a la Iglesia Católica como institución.

Falló el primer equipo de Local del Boston Globe cuando recibió las primeras 20 denuncias de abusos de sacerdotes contra menores y no hizo nada (archivó los recortes).

Fallaron los abogados que pactaban con la Iglesia en los casos de pederastia, permitían que desaparecieran los documentos del juzgado y les pagaban bien, lo que contribuía a silenciar y ocultar en vez de sacar a la luz el problema.

Fallaron los obispos y cardenales que pensaron que la corrupción del sistema era lo mismo que el pecado personal, osea merecía indulgencia y perdón, y arreglaban con los abogados los casos para ocultarlos.

Fallaron los obispos y cardenales que no vieron la oportunidad de declarar esos actos como delito penal y público, sino tan sólo como delito canónico, como medio para erradicarlos.

Fallaron en la formación inicial espiritual y moral de esos candidatos al sacerdocio, puesto que no detectaron a tiempo anomalías afectivas y sexuales.

           El equipo Spotlight y su editor en la película

Desde la “purificación de la memoria” (el recuento de pecados cometidos por parte de los componentes de la Iglesia a lo largo de la historia y el arrepentimiento) y el grito de sufrimiento ante la profanación de menores del Papa Wojtyla, pasando por la incoación de procesos penales civiles elevando a causa pública y la tolerancia 0 del Papa Ratzinger (quien afirmó que la mayor persecución de la Iglesia no viene de los enemigos de fuera sino que nace del pecado de la Iglesia, que debe aprender de nuevo la penitencia, la purificación, el perdón y la justicia), o la firmeza reformadora y la lucha por la absoluta transparencia junto a la exigencia de integridad paras las filas del clero y de todos en la Iglesia del Papa Bergoglio.

Y de nuevo, el clamor. El clamor de la verdad que no enmudece y sale a flote, y el clamor del sufrimiento inocente que no quedará sin castigo. Y el periodismo de investigación, hecho con inteligencia, estrategia,  rigor y astucia valiente, hasta llegar al hueso. Spotlight recoge el relato de cómo se construyó la investigación ganadora del premio Pulitzer en 2003 por el servicio público del Boston Globe en los escándalos de pedofilia generalizadas y posterior encubrimiento dentro de la Iglesia Católica.

Buena película, que sin embargo carga la mano en los llamados “personajes de fuera”, que son los que logran esclarecer y denunciar el fallo multiorgánico del sistema: Marty Baron, el editor entonces del Boston Globe y hoy Editor Ejecutivo del Washington Post, por judío; Mitchell Garabedian, abogado representante de víctimas de abuso sexual, por armenio; y los que “no están ya dentro” o no practican como católicos, porque se les etiqueta como “los puros”, decepcionados de la fe.

Pero los fallos multiorgánicos del sistema con respecto al temor a hacer aflorar cualquier corrupción y abuso sexual para sanarlos, denunciarlos y perseguirlos con la ley, desgraciadamente ocurren dentro de la familia (ONGs como Save the Children o Unicef lo han denunciado), o incluso con casos como la ocultación de más de 70 delitos de abusos de menores por parte del presentador de la BBC Jimmy Savile hasta después de su muerte.

El elenco de actores es rotundo, y hace que tenga aún más fuerza y credibilidad la reconstrucción del proceso de investigación, las presiones que se reciben, el stablishment que se revuelve ante casos que puedan empañar su imagen, y finalmente es una llamada a la integridad personal y colectiva. Más información con datos reales en el documental "Manzanas podridas" (https://gloria.tv/?media=615596)

María Molina

                          Cartel español

SPOTLIGHT****

Director: Thomas McCarthy. Guión: Thomas McCarthy, Josh Singer. Intérpretes: Mark Ruffalo, Michael Keaton, Rachel McAdams, Liev Schreiber, John Slattery, Stanley Tucci, Brian d'Arcy James, etc. Productora: Open Road Films / Participant Media / First Look / Anonymous Content / Rocklin / Faust. Música: Howard Shore. Fotografía: Masanobu Takayanagi. País: EE.UU. Año: 2015. Duración: 121 min. Género: Periodismo de investigación. Drama

EVA NO MUERE***

Eva Perón ha muerto. Es la figura más amada y más odiada de Argentina. El mito que muere joven. Un gran especialista se encarga de embalsamarla. Tras meses de trabajo logra un resultado perfecto. Pero se suceden una serie de golpes de Estado en Argentina y algunos dictadores quieren borrar el legado de Evita de la memoria popular. Su cuerpo se convierte entonces en el centro de una confrontación que durará 25 años. 25 años durante los cuales Evita ha sido una figura más poderosa que cualquier político vivo.

El director Pablo Agüero dirige una película presentada en el 63 Festival de Cine de San Sebastián, que se basa en la propia investigación del director para reconstruir la historia real de los viajes que ha ido haciendo el cuerpo de Eva Perón. Su cuerpo desapareció durante diecisiete años y fue enterrado un cuarto de siglo después de su fallecimiento. El filme es una interpretación personal del director sobre los hechos históricos reales, que captura y fascina a la vez que repugna.

Se trata de una surrealista ficción sobre esta historia insólita, el derrotero del cadáver de Evita tras su muerte en 1952, pero contiene tanta información cifrada que para decodificar algunos de sus símbolos, tal vez sea necesario verla más de una vez. Difiere por completo de su personal e íntima obra anterior La Salamandra. Aquí se nutre de una historia global, con distintas implicaciones en el imaginario colectivo, y la transforma en una ficción con su marca y estilo.

El cuerpo muerto de Eva Perón, su oscuro y turbio peregrinar, es visto en tres momentos distintos de la historia argentina, con escenas teatralizadas cargadas de simbolismos y de preguntas sobre pasado, presente y futuro. Una estructura muy pensada, con material de archivo contenido en el filme, marcas que tienen que ver con el ultraje, y distintos episodios escena, como el embalsamado de su cuerpo, a cargo de un conservador español (Imanol Arias), el robo del cajón de la CGT a cargo de un comando militar que aquí está representado por un coronel francés y un soldadito en un juego de antítesis, y luego el episodio de Timote, cuando Aramburu es secuestrado y sentenciado por Montoneros, que entre otras cosas le exige dar con el paradero del cadáver.

                  Imanol Arias realiza el trabajo de embalsamador

Agüero, elige a un marino (Gael García Bernal ) para guiar parte de esta historia, es el punto de vista de Massera y algo más, porque el director juega a eso, a condensar información y símbolos históricos en cada uno de los personajes. Al tiempo que propone una mirada desde el dictador, responde con sus propias armas, es decir, la permanente interpelación. La mayoría de las escenas transcurren de noche, en un juego de contrastes más que elocuentes, que acentúan lo sórdido, el submundo de las cloacas políticas y de las dictaduras de signos diferentes. Consigue un tono a lo Caravaggio con acento casi gótico para los cuadros en interiores.

                        Gael García Bernal

El director soluciona con imaginación y pericia, pasando por el tono documental, la discontinuidad que implica no contar con un protagonista, o el hecho de que el tema en cuestión sea una muerta, y su ausencia, lo que en algunos tramos de la película nos aleja del eje. Timote es Timote, más allá de Eva, y también las bombas del 55 o esa particular discusión entre el coronel y el soldado en la caja de un camión.

                        La escena de Timote

Un tema de interés histórico y con implicaciones sociales y políticas, un director con aplomo y un debate que nunca se cerró. El tema es atrapante, el realizador demuestra aplomo y saber hacer ficción de un hecho real.

Pablo Agüero se inició en el cine rodando varios cortos que fueron premiados en diversos festivales internacionales. En 2008 realizó su primer largometraje, Salamandra, que participó en la Quincena de Realizadores de Cannes. El segundo, 77 Doronship (2009), fue distinguido con el premio al Mejor Director en el Festival Internacional de Cine de Buenos Aires y participó en Zabaltegi - Nuevos Directores en San Sebastián. Su penúltimo trabajo, el documental Madres de los dioses (2015), recibió una mención especial en el Festival Internacional de Mar del Plata.

EVA NO DUERME***

Título original: El cuerpo de Eva. Director: Pablo Agüero. Guión: Pablo Agüero. Intérpretes: Imanol Arias, Gael García Bernal, Denise Lavant, Daniel Fanego, Mia Maestro. Género: Drama. País: Argentina/Francia. Año: 2015. Duración: 85 min. Público: Adultos.