LO MEJOR PARA ELLA

Elliot Anderson (Kevin Costner)  es un hombre que, golpeado duramente por el reciente fallecimiento de su mujer, se enfrenta al desafío de criar solo a Eloise (Jillian Estell), su querida nieta. Con el alcohol como recurso para mitigar el dolor, Elliot se enfrentará a Rowena (Octavia Spencer), la abuela paterna de la niña, que está decidida a reclamar su custodia. Con Eloise en medio, las dos familias se enfrentarán en un pleito en el que tendrán que reconocer sus errores, perdonarlos y reconciliarse si quieren la felicidad de su pequeña.

La primera parte del film nos recuerda a El pequeño lord o Ha llegado un ángel, y transcurre mostrándonos al abuelo que va conociendo, aceptando y queriendo a una nieta que le recuerda una dolorosa muerte, entre citaciones y juicios que se inspiran en el Kramer contra Kramer de Robert Benton. Lo mejor para ella parece cine de principios de los 60: el germen del conflicto racial entre consuegros, un duelo entre los personajes de Kevin Costner y de Octavia Spencer, que tienen grandes  interpretaciones. No se cae en el tono ñoño, realista y profundamente humano, algo que se agradece.

De aquí pasa a una ácida caricatura de estereotipos sociales y raciales en unos Estados Unidos todavía cargados de prejuicios... (especialmente por parte de los afroamericanos): una sátira de costumbres digna de otro Kramer: Stanley Kramer. Puede parecernos estar asistiendo a una revisión del  Adivina quién viene esta noche de Kramer. 

La trama judicial en los tribunales quizá se alarga más de la cuenta y denota algún que otro subrayado evitable, pero aun así no deja de carecer de interés. Interés que viene (además de por los papeles de Costner y Spencer) de esa querencia del director Binder por preferir lo íntimo a lo colectivo. Lo mejor para ella no quiere sentar cátedra social, evita ser panfleto o manifiesto y disecciona, con dura elegancia, el universo de las relaciones familiares. Al igual que la anterior colaboración entre Binder y Costner (Más allá del odio), su cine es un  retrato cruel (y también esperanzador) de padres, hijos, maridos, mujeres, abuelos, abuelas, nietos...y abogados. 

El abuelo Elliot Anderson (Kevin Costner) y la pequeña Eloise (Jillian Estell) 

El actor, director y guionista Mike Binder (En algún lugar de la memoria), curtido en el género dramático y en los monólogos cómicos, vuelve a ponerse detrás de la cámara, siete años después, en Lo mejor para ella. Partiendo de una historia basada en su propia experiencia como tío de un niño mestizo que quedó huérfano y la relación entre las dos familias del pequeño, Binder construye un relato sobre un tema tan de actualidad en la sociedad estadounidense como es el de las relaciones entre razas, dentro de los cánones del melodrama para mostrar el enfrentamiento entre dos familias totalmente diferentes pero cuyo amor por su nieta hace que estén condenados a entenderse.

                        Olivia Spencer es la abuela Rowena

Esta película se basta y se sobra con su honestidad. 

LO MEJOR PARA ELLA***

Título original: Black or White. Director: Mike Binder. Guión: Mike Binder. Intérpretes: Kevin Costner, Jennifer Ehle (Carol), Joe Chrest (Dave), Anthony Mackie (Jeremiah Jeffers), Mpho Koaho (Duvan Araga), Gillian Jacobs (Fay), Octavia Spencer, Bill Burr (Rick Reynolds), André Holland (Reggie Davis), Jillian Estell, Paula Newsome (juez Cummins), Bertha Bindewald (Rosita). Música: Terence Blanchard. Fotografía: Russ T. Alsobrook. Año: 2014. Distribuidora: Emon Films. Género: Drama. Público: Todos.

SWEET HOME

Después de dirigir dos cortometrajes (Halloween Before Christmas y Zombies & Cigarrettes, ambos seleccionados y premiados en festivales de todo el mundo como Sitges, Hollywood Film Festival o Leeds Film Festival, entre otros), el debut cinematográfico de Rafa Martínez es también una película de terror, en la que una pareja decide ocupar una casa semiabandonada de un edificio para pasar una noche romántica. Ella trabaja en una inmobiliaria, como asesora de inmuebles para el Ayuntamiento y tiene las llaves. Cree que es lugar idóneo para llevar a cabo una celebración sorpresa sin costes. Sin embargo, en el transcurso de la velada descubren que unos encapuchados han asesinado al único inquilino que vivía en el bloque, convirtiéndose así en las próximas víctimas de los misteriosos criminales.

Historia de terror urbano coescrita por el propio director Rafa Martínez, Teresa Rosendo (guionista televisiva en El pasado es mañana, Gavilanes) y Ángel Agudo. La producción corre a cargo de Filmax, con títulos de terror a sus espaldas como Rec 4, Torment y Retornados.

Sweet Home posee un argumento de lo más complicado para un thriller con toques de terror, cuyo rodaje se ha desarrollado en Barcelona. Prácticamente toda la acción del film transcurre en el interior del edificio casi abandonado, un auténtico laberinto de escaleras, habitaciones, sótanos y más sorpresas irán mermando el ánimo de Ali (Ingrid García Jonsson) y Simon (Bruno Sevilla), a los que enseguida la situación les supera. De caracteres completamente distintos, sus verdaderas personalidades saldrán a la luz cuando las cosas se ponen feas.

                Ali (Ingrid García Jonsson) y Simon (Bruno Sevilla)

Un ritmo bien llevado, con un buen guión, y una gran interpretación de Ingrid García Jonsson, a quien da correcta réplica Bruno Sevilla. La película se ha rodado en inglés, resultando una historia realista y claustrofóbica –con buenos efectos de sonido y otros efectos especiales-, que no perderá de vista el lado más terrorífico de un encerramiento involuntario y peligroso. Un género no frecuentado con éxito por el cine español, que con Sweet Home alcanza un punto equilibrado entre lo gore y sangriento por un lado, y el dinamismo de una película de terror muy bien llevada. Protagonizada por Ingrid García Jonsson ('Hermosa juventud') y Bruno Sevilla ('Mindscape'), esta producción de Julio Fernández para Filmax ya ha sido vendida a toda América Latina y a Oriente Medio.

Rafa Martínez se licenció en Periodismo por la Universidad Complutense de Madrid y estudió Guión de ficción para TV y Cine en la Universidad Pontificia de Salamanca. Su carrera como realizador de publicidad y de videoclips arrancó a finales de los 90 y también se especializó en marketing cinematográfico.

SWEET HOME***1/2

Título original: Sweet Home. Director: Rafa Martínez. Guión: Rafa Martínez, Teresa de Rosendo, Ángel Agudo. Intérpretes: Ingrid García Jonsson, Bruno Sevilla. Música: Ginés Carrión Espí. Fotografía: Antonio J. García. Dirección artística: Sylvia Steinbretch. Vestuario: Olga Rodal. Producción: Julio Fernández. Filmax / Film Produkcja. Duración: 80 min. País: España. Género: Terror. Público: Adultos.

EL CAPITAL HUMANO***1/2

La víspera del día de Navidad, en Briganza (Italia), un ciclista es atropellado de noche por un lujoso todoterreno. El desgraciado accidente cambiará el destino de dos familias: la del millonario Giovanni Bernaschi, un especulador financiero que ha creado un fondo que ofrece un 40 por ciento de interés anual atrayendo y esquilmando a los crédulos inversores, y la de Dino Ossola, un ambicioso agente inmobiliario cuya empresa está al borde de la quiebra. 

La historia es un rompecabezas de tres relatos que se entrecruzan, para ir ofreciendo claridad en torno a esta crítica social con mix de thriller criminal. Crítica a la especulación salvaje en tiempos de penuria, a la insultante e inmoral avidez de dinero y a la estafa de los menos favorecidos, a las rapiñas contemporáneas y a la infelicidad. “Hemos subido la apuesta, nos lo hemos jugado todo, incluído el futuro de nuestros hijos…Hemos hecho todo esto por vuestro bien. Os queremos ganadores y felices…” Estas frases salpican la hiriente e interesante trama que estalla y golpea cualquier ensimismamiento, a partir de un accidente sufrido por un ciclista. Virzi traza una imagen real (y también distorsionada) de la sociedad italiana, extrapolable a cualquiera de nuestras sociedades y sus múltiples problemas contraídos con la globalización de la crisis y la globalización de la corrupción. Una reflexión grave sobre cómo resetearnos como seres humanos y como resetear el sistema.

                     Carla y Giovanni Bernaschi

A raíz del accidente, conocemos a dos familias, una inmensamente rica y otra con la avidez irresistible de serlo, que se relacionan por el amor de sus hijos; una intriga policial se mezcla con unos problemas financieros que van lacerando la trama. ¿Somos tan sólo un código de barras, materia, dinero al fin? Paolo Virzi va exponiendo hechos a través del método de los cambios de puntos de vista, como por capítulos: «Dino», «Carla», «Serena» y el resolutivo final de «El capital humano».

                        Dino Ossola y Valeria Golino

Se entrecruzan el sarcasmo y el humor corrosivo, en el primer relato que describe a Dino Ossala, un pequeño empresario arribista con tics que sonrojan, cuando acompaña a su hija a la mansión de los Bernaschi, donde vive su enamorado, ve claramente que esta ocasión le proporcionará una oportunidad de oro para conocer a fondo a papá Giovanni Bernaschi, un tiburón a lo Madoff, si hiciera falta. Después, el retrato de Carla, mujer de Bernaschi, para recalar en Serena, hija de Ossala.

Personajes magníficos, interpretados por Valerias Bruni Tedeschi (Carla) y  Valeria Golino (la mujer de Dino Ossala), una mujer que quiere salir del florero y pisa barro, y la otra que no quiere meterse en el jardín al que aspira su marido. Y la caricatura, como las escenas del teatro, del tenis o de los vaivenes financieros. Una caricatura que en el caso de Fabrizio Ventivoglio (ese Ossala tan payaso como ruín) es la viva representación de la risa triste del bufón. Pura tragicomedia urdida como un elegante puzle pero que se muestra como un sangrante y real retrato social para pensar.

                      Massimiliano Bernaschi

El capital humano ha ganado 7 Premios David di Donatello, incluyendo mejor película (2013), en el Festival de Tribeca (2014), Premio a Mejor actriz (Valeria Bruni Tedeschi), en los Premios del Cine Europeo (2014) también han sido nominados a mejor director y actriz (Valeria Bruni Tedeschi), y en el Festival de Sevilla (2014) recibió el Premio del Público. Representó a Italia en los Oscars para películas en Lengua Extranjera.

María Molina

El capital humano***1/2

Título original: Il capitale umano. Director: Paolo Virzi. Guión: Paolo Virzì, Francesco Bruni, Francesco Piccolo, sobre una novela de Stephen Amidon. Intérpretes: Valeria Bruni Tedeschi, Fabrizio Bentivoglio, Valeria Golino, Fabrizio Gifuni, Luigi Lo Cascio, Giovanni Anzaldo, Matilde Gioli,  Guglielmo Pinelli. Música: Carlo Virzi. Fotografía: Jérôme Alméras, Simon Beaufils. Producción: Coproducción Italia-Francia; Indiana Production Company. País: Italia. Año: 2014. Duración: 109 min. Género: Drama. Público: Adultos

LA DAMA DE ORO***

Basado en una historia real que finaliza en 2006, Helen Mirren, Ryan Reynolds y Daniel Brühl protagonizan esta historia de lucha por la justicia que pone en marcha una mujer por recuperar el emblemático cuadro de Klimt realizado en óleo y técnica mixta con pan de oro, Retrato de Adele Bloch-Bauer I(1907), que los nazis robaron a su familia.

               Gustave Klimt, Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907)

El director Simon Curtis (Mi semana con Marilyn) se pone detrás de las cámaras para contar una ardua investigación judicial gracias a la cual la legítima heredera del emblemático cuadro de Gustav Klimt, Retrato de Adele Bloch-Bauer I (considerado la “Mona Lisa” austriaca por el coleccionista Ronald Lauder), pudo recuperar esta obra de arte junto a otras obras de Klimt y honrar así la memoria de su familia, que fue despojada de todas sus pertenencias durante la invasión nazi de Austria. 

Maria Altmann (Helen Mirren), junto a su abogado Randy Schoenberg (Ryan Reynolds)

Helen Mirren, ganadora del Oscar por La Reina, se mete en la piel de Maria Altmann, una mujer judía que tras huir de Viena sesenta años atrás durante la Segunda Guerra Mundial deja atrás familia, patria y posesiones. Ella es la heredera del cuadro, a la que acompaña Ryan Reynolds (Buried), que interpreta al joven abogado Randy Schoenberg (nieto del célebre compositor Arnold Schoenberg), ayudando a Altmann en el duro proceso judicial contra el gobierno austriaco, identificado con su causa hasta el final. Schoenberg  echará mano de su valor para suplir su falta de experiencia en esta lucha que los llevará hasta el corazón del gobierno austriaco y la Corte Suprema de Estados Unidos. Completan el reparto Daniel Brühl (Rush, Malditos bastardos) Katie Holmes (Batman Begins), Tatiana Maslany (Orphan Black), Charles Dance (The Imitation Game) y Max Irons (The Host: La huésped) entre otros.

La Dama de oro es una historia del  empeño en que se haga justicia y recuperación histórica en la que se tratan los agravios históricos del Tercer Reich al pueblo judío más allá del terrible genocidio y del Holocausto también históricos. El proceso judicial es la ocasión para reconstruir una historia de humillación, miedo y muerte. Los esfuerzos de Maria Altmann para reclamar los 5 retratos de Klimt de su tía Adele Bloch-Bauer reavivaron los dolorosos recuerdos del pueblo austriaco que obligaron a la ciudad de Viena a afrontar su propio pasado.

La película se sigue bien y tiene una factura correcta, en vuelta en una luz dorada. A pesar de que Helen Mirren es siempre una apuesta segura por su personalidad y veteranía, al guión le falta lucidez; y las interpretaciones secundarias resultan algo pobres. Al tratarse de una historia real, con un pasado crudo e inhumano, resultan más convincentes –salvando a Mirren- los intérpretes de los flash-backs que la interpretación de los que acompañan a la gran dama del cine británico.

LA DAMA DE ORO***

Título original: Woman in Gold. Director: Simon Curtis. Guión: Alexi Kaye Campbell. Intérpretes: Helen Mirren, Ryan Reynolds , Daniel Brühl, Katie Holmes, Charles Dance, Elizabeth McGovern, Tatiana Maslany, Max Irons, Frances Fisher, Jonathan Price. Fotografía: Ross Emery. Música: Martin Phipps, Hans Zimmer.Producción: Coproducción GB-USA; BBC Films / Origin Pictures. País: Reino Unido. Duración: 117 min. Género: Drama. Público: Todos.

GETT, EL DIVORCIO DE VIVIANE AMSALEM****

Viviane Amsalem (Ronit Elkabetz), separada desde hace años de Elisha (Simon Abkarian), su marido, quiere conseguir el divorcio legal tras una desgastada convivencia, para no convertirse en una marginada social. En Israel no existe aún el matrimonio civil; según las leyes religiosas, sólo el marido puede conceder el divorcio. Sin embargo, Elisha, se niega a hacerlo. Viviane tendrá que luchar ante el Tribunal Rabínico para lograr lo que ella considera un derecho. Así se verá inmersa en un proceso de varios años en el que la tragedia competirá con lo absurdo y absolutamente todo se pondrá en tela de juicio.

Esta lección de cine es la tercera parte de un tríptico de los hermanos Elkabetz, que fue iniciado con Tomar mujer (2005) y posteriormente con  Los siete días (2008). Con este nuevo film, los directores  se apoyan en los mecanismos narrativos del drama judicial, en el que entremezclan la tragedia, la comedia y el absurdo para profundizar aún más en el tema principal de la trilogía: la emancipación de la mujer en Israel y las trabas que encuentra en una sociedad regida por normas de marcado carácter inmovilista, donde es el varón el centro de la ley. Resulta interesante –y desconocido en nuestra sociedad occidental, abocada a proyectos efímeros y al divorcio express- y al margen de la caricatura social, el alto concepto de “y serán una sola carne” bíblico que es el que fundamenta la compacta e indisoluble realidad del matrimonio en Israel, y que en última instancia justifica de algún modo la postura de Elisha.

La propia directora, Ronit Elkabetz (La chica del tren) repite por tercera vez en el papel de Viviane Amsalem, una mujer con una gran fuerza interior. Como su rígido marido, encontramos al veterano intérprete Simon Abkarian (Casino Royale) al que secundan actores habituales de producciones israelíes, como Gabi Amrani (Avanim, Un cerdo en Gaza) y Schmil Ben Ari (Lost Islands).

Ronit Elkabetz como Viviane Amsalen

El espléndido guión va de la comedia al drama, moviéndose con fluidez genial entre Kafka y la comedia italiana, y las interpretaciones son magníficas, una por una. También el recuerdo a las grandes películas de Bergman es inevitable. Tras su estreno en la Quincena de los Realizadores de Cannes, Gett, el divorcio de Vivian Amsalem, es un drama en el que los hermanos Ronit y Shlomi Elkabetz, describen desde dentro la mentalidad semítica  y resulta muy interesante película para aprender de las relaciones humanas: los celos, la convivencia, la incomunicación, el respeto, los sentimientos, las contradicciones humanas; así como para conocer el proceso del divorcio de Viviane Amsalen, propuesto como una tortura rabínica.  Se trata de una coproducción franco-israelí-alemana sobre la condición femenina en Israel y la condición humana en general.

                   Elisha  es Simon Abkarian

Lo que el espectador observa en este retrato de un país, Israel, que es a la vez moderno y feudal, es que la vida de las mujeres depende de lo que quieran, o decidan, los hombres. Pero en una lectura interna de esta apasionante película resulta muy interesante la conversación final entre Viviane y Elisha y su complicidad, porque es una gran clave que no puede pasar desapercibida y que así lo quieren los directores.

Gett, el divorcio de Vivian Amsalem, es una historia que se desarrolla, en distintos momentos a través de los años, entre las cuatro paredes de un tribunal rabínico y en su sala de espera, donde se van siguiendo a lo largo de los años el recorrido para tramitar un divorcio. Se trata de la deconstrucción analítica de una pareja, drama y sátira en tres lenguas –hebreo, francés y árabe-, en la que los autores realizan un homenaje a su madre, inspiradora del tema junto a muchas otras mujeres conocidas por los hermanos Elkabetz, quien, aseguran, aunque nunca intentó divorciarse seguro que tuvo motivos de sobra para hacerlo. Y ahí también hay otro mensaje.

María Molina

GETT, EL DIVORCIO DE VIVIANE AMSALEM****

Título original: Gett, the Trial of Viviane Amsalem. Director: Ronit Elkabetz, Shlomi . Guión:  Ronit Elkabetz, Shlomi Elkabetz. Intérpretes:  Ronit Elkabetz , Simon Abkarian, Gabi Amrani, Dalia Beger. Fotografía: Jeanne Lapoirie. Producción: Coproducción Israel-Francia-Alemania; Arte France Cinéma. País: Israel. Duración: 115 min. Género: Drama. Público: Adultos.

NATIONAL GALLERY*****

La inteligencia y la cultura han de ser colectivas. Un Museo como la National Gallery, situado en la céntrica Trafalgar Square en Londres,  que recibió 6,4 millones de visitantes en el pasado año, se ha propuesto llegar a todos de una manera integral, profunda, armónica y más completa a través del género documental cinematográfico y del storytelling. Porque la película de Wiseman nos cuenta miles de relatos sobre la National Gallery, y miles que pueden llegar a ser muchos miles más, tantos como aquellos que la miren, la visiten, la conozcan y la adoren.

El veterano director de "La Danza" nos muestra la fachada y la trastienda del museo londinense y de sus visitantes. Frederik Wiseman se adentra en la National Gallery y propone un viaje al corazón de esta institución, poblada de obras maestras de la pintura occidental de la Edad Media al siglo XIX. Se trata de uno de los mayores museos del mundo con más de 2000 pinturas, acogiendo experiencias ante diferentes pinturas expuestas. En un perpetuo y vertiginoso juego de espejos, el cine mira a la pintura, y la pintura, al cine.

La película te envuelve y te devuelve a un mundo lleno de vida, de historia y cultura, de belleza, como una fascinante maquinaria de gozo para los ciudadanos, creando una nueva forma de ficción y de interpretación histórica a partir del documental. Maravillosa capacidad de observación y de relato, además de un gran montaje, que logra que la película se te haga corta.

Una institución centenaria y habitualmente accesible en toda su profundidad sólo para expertos, eruditos e iniciados, que se hace para todos, de la mano del lenguaje universal del cine. Los rostros que se acercan a las obras de arte, el silencio contemplativo, el murmullo de los comentarios sobre tal o cual personaje retratado…

Una manera de conocer el Museo para todos, con su propia y sugerente narrativa, sin secretos: cuál es el ritmo diario de una pinacoteca de esas características, desde el personal de limpieza al de restauración, equipo directivo, conservadores, investigadores, guias, visitas de grupos de niños, teenagers, turistas, ciegos o minusválidos,  de forma que encadena pequeñas historias que suceden en el Museo y que lo hacen más cercano y sobre todo consiguen que el espectador perciba que la cultura es colectiva, porque está conociendo los procesos desde dentro, lo que se cuece en el Museo como en una casa de todos.

El director Wiseman es uno de los mejores documentalistas vivos, es pionero del Direct Cinema; a finales de los 60 presentó Titicut Follies (1967), y posteriormente ha realizado más de 40 obras (entre documentales, trabajos televisivos, algún corto e incluso ficción) en toda su filmografía. El pasado mes de abril presentó At Berkeley, en su paso por el Atlántida Film Fest de Filmin y sólo unos meses después, presentaba nueva obra en la Quincena de realizadores del pasado Festival de Cannes con National Gallery. Coproducido entre Francia, Estados Unidos y Reino Unido, National Gallery ha pasado además de por el festival de la Costa Azul, por Sídney y Nueva Zelanda, entre otros.

María Molina

NATIONAL GALLERY*****

Título original: National Gallery. Director: Frederik Wiseman. Guión: Frederik Wiseman. Fotografía: John Davey. Productora: Idéale Audience, Gallery Film. País: USA, Francia, Reino Unido. Duración: 180 min. Género Documental. Público: Todos

LA LUZ CON EL TIEMPO DENTRO***

El largometraje La luz con el tiempo dentro dedicado a Juan Ramón Jiménez se estrena este mes en cines españoles. Se trata de un largometraje de ficción –el primero- sobre el poeta dirigido por Antonio Gonzalo, en el que el Nobel, en sus últimos años, rememora los episodios más destacados de su trayectoria vital y poética. Se rodó el pasado verano en distintos escenarios andaluces, entre ellos su localidad natal, Moguer, que se convirtió durante varias semanas en un improvisado plató de cine por el que pasaron alrededor de 40 actores y una treintena de técnicos.

Se trata de "la primera película de ficción" que se rueda sobre el inolvidable autor de Platero y yo, en la que se cuenta una historia sobre su vida, con sus luces y sombras, sin olvidar, la maravillosa historia de amor que mantuvo Juan Ramón con su esposa Zenobia Camprubí, o la historia de Marga, la escultora que se enamoró secretamente de JRJ. Las primeras imágenes de este trabajo cinematográfico pudieron verse el pasado mes de noviembre en primicia en Moguer, ante un público de investigadores y estudiosos juanramonianos que participaban en el Simposio Internacional Cien años de Platero y yo. En la película aparecen caras tan conocidas como las de Carlos Álvarez-Novoa y Ana Fernández, ganadores ambos de un Goya por su papel en Solas; la del actor y monologuista Alex O'Dogherty. Entre el elenco que forma parte de esta gran producción destaca también la presencia de Federico García Cambero, un prestigioso director de arte que ha trabajado con Pedro Almodóvar, la de Tamara Arias una actriz sevillana afincada en Los Ángeles y la de Ignacio Mateos, actor que dio vida en la gran pantalla al pintor Pablo Picasso en la película de Fernando Colomo La banda Picasso (ver http://nosalesenlafoto.blogspot.com.es/2013/01/la-banda-picasso-de-fernando-colomo.html?m=1).

Este gran proyecto cinematográfico que llega en marzo a la gran pantalla se basa en el guión de Teresa Calo, que ha sido fiel a la sensibilidad, a los miedos y a la poesía de Juan Ramón Jiménez, regalándonos un hermoso proyecto con el que ha intentado "hacer justicia para devolver a Juan Ramón todo lo que ha dado a la literatura de nuestro país". Calo, interpreta también a Isabel Aymar, madre de Zenobia Camprubí, y que solo conocía Moguer por fotos y por todo lo que había tenido que bucear en la vida del Nobel, aseguró durante su estancia en la localidad que para ella ha supuesto una gran emoción comprobar que el autor de 'Platero y yo' "no estaba enamorado de una idea, sino que estaba enamorado realmente de un lugar maravilloso".

El guión de la historia La luz con el tiempo dentro intenta ser un viaje por vida y alma de Juan Ramón. Él no sólo es el protagonista, sino el narrador. Por eso se ha extraído todo el material posible de su vida y obra, se ha intentado que el poeta hable con su propia voz; hasta el punto de que, algunas secuencias, son reproducciones adaptadas de relatos suyos.

Una vida como la de Juan Ramón Jiménez, fecunda, atormentada, gozada, sufrida, exprimida, despreciada, atesorada, inquieta, intensa, azarosa, la vida del poeta para el que “el sustantivo es la virtud, el adjetivo es el vicio”. De personalidad contradictoria: egoísta, narcisista, insociable, antipático según algunos autores; y espiritual, reservado, trabajador, generoso, cariñoso, comprometido para otros. Un genio que, además padeció la enfermedad de Crohn, desconocida en su tiempo, con una sintomatología que padeció atribuida a trastornos psíquicos. Todo ello condicionó su vida y fue causa desde su juventud de varios ingresos hospitalarios. Se le diagnosticó una neurosis depresiva con episodios de grave hipocondría, y esta enfermedad acrecentó un trastorno bipolar.

De creación doliente como fue la existencia de Juan Ramón, en este biopic se ha querido extraer la esencia del hombre y del poeta, intentar un humilde viaje por el paisaje árido y a la vez exuberante de su alma, de la luz o la oscuridad hacia el tiempo de su alma.

LA LUZ CON EL TIEMPO DENTRO***

Título original: La luz con el tiempo dentro. Director: Antonio Gonzalo. Guión: Teresa Calo Fontan. Intérpretes: Ana Fernández, Alex O´Dogherty, Carlos Álvarez- Novoa, Tamara Arias (Zenobia Camprubí), Marc Clotet (Juan Ramón Jimenez). Fotografía: Alberto Muñoz Oliva. Año de producción: 2014 Distribuidora: Magenta Films Género: Drama Clasificación: Todos los públicos.